Construindo And The Night Never Came: conheça as 20 músicas que mais influenciaram o som da banda

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Construindo And The Night Never Came

Quando uma banda se forma, as influências de cada um dos integrantes são inúmeras e variadíssimas. Essa mistura de músicas, artistas, discos e sons entra em um imenso caldeirão musical e traz algo totalmente novo e cheio de identidade. É nessa construção de identidade que a coluna Construindo vai focar: aqui, traremos 20 músicas que foram essenciais para que uma banda ou artista criasse seu som, falando um pouquinho sobre elas. Hoje temos a banda And The Night Never Came, que indica suas 20 canções indispensáveis. Não deixe de seguir o perfil do Crush em Hi-Fi no Spotify e ouvir a playlist desta semana, disponível no final do post!

Chelsea Wolfe“Carrion Flowers”
A Chelsea Wolfe é pra mim um dos artistas ativos mais criativos e interessantes. Essa faixa abre talvez o seu disco mais pesado – “Abyss”. Já começa com um soco na cara com esse baixo que parece os gemidos do próprio satanás. Aliás, o mais interessante dessa música é que todos os sons que se ouve vem de guitarra, bateria, baixo e voz, mas ao mesmo tempo ela soa quase eletrônica de tão meticulosamente esculpidos que são os timbres. Isso é muito importante pra mim porque tento ao máximo fugir de sons muito reconhecíveis, timbre é um dos pilares do que acredito ser o meu som.

Chelsea Wolfe“Feral Love”
Outra dessa diva gótica. O synth que abre essa música tem um timbre (de novo!) inconfundível – qualquer nota tocada nesse synth vai remeter a essa música de tão icônico. Mas acho que o grande charme dessa faixa está na bateria incessante, levemente distorcida, numa cadência incômoda que me deixa sem ar até a música acabar. Esse tipo de incômodo capaz de fazer tudo que é externo aos meus fones sumir pela duração da música é um fenômeno que aprecio muito e tento resgatar a mesma tensão no meu som.

Russian Circles“Xavii”
Talvez seja uma blasfêmia dizer que uma música de menos de 10 minutos é uma das melhores do post rock, mas pra mim é isso mesmo. Um arranjo de guitarra simples, mas muito efetivo, com um reverb que encaixa como uma luva, o synth que entra como apenas uma textura extra mais adiante na música parece ter sido destinado a estar nessa música. Post rock é uma das minhas grandes influências, mas às vezes sinto que certos clichês (como o crescendo, seguido de um estouro) acaba desgastando o gênero. Essa música é um perfeito exemplo de um post rock que soube usar sua melancolia sem se render a essas artimanhas, apesar eu mesmo me ver caindo neles de vez em quando!

Have a Nice Life“Hunter”
Outra banda interessantíssima da atualidade. Quando eu descobri Have a Nice Life, eu senti que pude pela primeira vez visualizar o som que eu queria buscar no “Wolves of Ill Omen”. “Hunter” é uma grande saga – sua letra evoca um ambiente mitológico que me leva com ela, além de conter um “entreguismo do espírito” em trechos como “you can eat my flesh and bones, leave nothing that is needed” que é muito caro a mim, pessoalmente – elemento este que aparece também na minha talvez banda preferida que vai aparecer na lista logo, logo. Atenção especial para a guitarra que soa quase como um synth e para a bateria que alterna nos compassos entre o hi-hat e a caixa – e miraculosamente consegue fazer as duas peças da bateria ter um impacto igualmente forte.

Have a Nice Life“Cropsey”
Outra deles. O sample de voz que inicia a faixa me marcou muito, não tem uma vez que ouço sem repetir as palavras com a boca junto, quase como uma oração. Mas a grande estrela é a bateria, tão processada que somente se sente seu impacto e é difícil definir exatamente o que está acontecendo – mas não é preciso entender, só sentir mesmo. Cada vez mais camadas de distorção são adicionados a este eterno loop de bateria, até que a música se mova como uma só onda sonora resultando em algo que só o Have a Nice Life seria capaz de fazer. Esse foi um desafio que encontrei enquanto compunha o “Wolves of Ill Omen”, um desafio que tentei tornar um ponto forte do álbum – loops que se mantém eficazes por minutos.

Have a Nice Life“A Quick One Before The Eternal One Devours Connecticut”
A última deles, juro! De novo, o tema aqui é repetição, mas dessa vez o mais hipnótico que se pode chegar. Eu costumo dizer que ouvir essa música gera o mesmo sentimento que eu imagino um suicida tendo, uma paz em saber que tudo vai acabar, que chega como um golpe e dura poucos segundos até que o gatilho seja apertado. Nem preciso dizer que é uma música que me afeta muito. Dark, pois é… mas assim que é bom! haha

Portishead“Machine Gun”
O que acontece quando uma das melhores bandas do mundo vai full industrial? Essa belezinha aqui. Um show de timbres e sons irreconhecíveis (lembra do que eu falei antes sobre isso?) onde todos os sons tem a força de uma percussão, como um golpe no peito. E pra acabar, como se já não tivesse perfeita, no final entra aquele synth lindo. Uma música que eu não mudaria nada, uma referência industrial pra mim mesmo que a banda não tenha se aventurado por esse som em nenhum outro momento da discografia.

The Body“Hail to Thee, Everlasting Pain”
Quando eu penso em “música pesada” eu penso nisso aqui. Uma música nada convencional que me prende até o fim com seu intrigante universo sombrio. Com uma progressão bem bizarra, essa música consegue ser extremamente sombria sem recorrer a nenhum caminho fácil pra chegar nesse resultado. Assim como muitas outras nessa lista, um exemplo de música que consegue tirar qualquer um do seu estado natural – ninguém sai dessa a mesma pessoa de antes.

Nine Inch Nails“The Great Below”
Essa aqui é a famosa, a minha “talvez banda preferida”! Eu sou completamente obcecado por Trent Reznor e Nine Inch Nails dos anos 90. NIN tem o poder de me fazer ouvir algo que eu posso jurar que veio de mim mesmo, mesmo que eu nem tivesse sido nascido quando certos álbuns foram concebidos, ou seja, NIN perfeitamente captura minha alma. Todo a auto destruição, o entreguismo, a raiva e a melancolia que formam quem eu sou. Essa faixa eu especial está aqui por conta das suas ricas texturas, de um dos melhores arranjos de bateria que já ouvi e por conta do significado pessoal que eu tiro da letra, uma história que pode ou não ser verídica (defendo com dentes que é), mas que sinto que faz parte de mim, talvez um orgulhinho de ter desvendado a letra mais bonita já escrita na história da música. Pra mim, claro! Se eu tivesse escrito qualquer verso dessa música, eu poderia morrer em paz.

Nine Inch Nails“Reptile”
Faixa do meu álbum favorito de todos os tempos, “The Downward Spiral”. O sentimento de ser seu coração destruído e sua cabeça desgraçada por alguém é devastador e muito mais complexo do que um simples ódio pelo outro – é muito mais um ódio por si próprio. Isso fica muito claro na performance dessa música no Woodstock de 94 – talvez minha performance ao vivo favorita de todos os tempos. Me vejo em cada passo que Trent toma naquele palco, em cada grito, em cada gesto. De forma semelhante a “The Great Below”, se eu fizer uma performance como aquela algum dia na minha vida, posso morrer em paz. Mas uma performance tão boa só pode vir de uma música muito boa, e esse é definitivamente o caso.

Sneaker Pimps“Grazes”
Consider o trip hop um fenômeno musical inesperado – uma junção de tendências que encaixam de forma única. Essa faixa de Sneaker Pimps é, pra mim, um exemplo de trip hop bem utilizado. O solo atrapalhado revela uma fragilidade que combina muito bem com uma das vozes mais intrigantes e doces da música, a de Chris Corner. Mas acho que essa música não seria metade do que é se não fosse pelo sample de voz que aparece logo no começo, onde se pode ouvir os sutis cortes e manipulações feitos na gravação original que trazem uma ótica completamente diferente se aquela melodia tivesse presente na gravação original emitida somente com a voz humana. Um som que me traz arrepios logo no primeiro segundo da faixa!

Radiohead“Everything In It’s Right Place”
Provavelmente a banda de longa data mais surpreendente, consistente e dedicada que eu já conheci. Em cada álbum se pode perceber uma nova fase musical na vida dos membros, o que sempre resulta em discos incríveis como “Kid A”. Essa música foi um choque quando ouvi pela primeira vez, já que ouvi a discografia em ordem cronológica – “onde estão as guitarras?” “Por que a voz dele soa tão estranha?” e outras são perguntas que eu me fiz muitas vezes ouvindo e reouvindo esse disco até entendê-lo. E fico feliz que eventualmente o tenha feito, pois é definitivamente um dos melhores discos da história! Cada faixa um experimento diferente – que funciona. Daria pra dizer que por causa desse disco eu me tornei o viciado em música que sou hoje.

Joy Division“Atmosphere”
Um clássico gótico que estava na minha mente o tempo inteiro enquanto compunha “Don’t Lose Your Mind, Sweetheart”. O jeito que o synth grave encaixa com a bateria evoca um sentimento tão único que eu não pude deixar de referenciar, talvez quase plagiar, na minha música mencionada. A responsável por me fazer amar tanto os tons de uma bateria e buscar sempre incluí-los de alguma forma.

Title Fight“Head in the Ceiling Fan”
Eu amo o contraste entre melancolia e explosão e essa música faz exatamente isso. Esse contraste ficou implícito em todo o álbum, mas é possível fazer uma ligação direta – com as guitarras de “Nimble” tentei conseguir um efeito quase onipresente que sinto que essa faixa consegue obter.

Fever Ray“If I Had a Heart”
O disco de onde essa vem estava na minha cabeça o tempo todo enquanto compunha “A Present Foreseen”. Os vocais graves icônicos de Fever Ray estão presentes nessa faixa, assim como uma tentativa de fazer uma música completamente sintética. Por onde anda Fever Ray? Queremos mais discos!

Low“(That’s How You Sing) Amazing Grace”
Eu confesso – tenho um ponto fraco por caixas de bateria que parecem um soco no meu ouvido. “Amazing Grace” do Low tem um dos timbres mais interessantes de caixa que já ouvi, e não é só isso – colocada numa música calma, soturna! Esse contraste esteve muito em minha mente conforme eu escolhia os timbres de percussão que acabaram no meu álbum.

Sinoia Caves“Sentionauts”
Da trilha sonora de um dos meus filmes favoritos, “Sentionauts” é um exemplo de sintetizadores retrô sendo usados pra criar algo referenciante e moderno ao mesmo tempo – e eu adoro isso. Se alguém me dissesse que essa trilha sonora veio de uma máquina do tempo que veio dos anos 80 (2080, no caso) eu acreditaria. Outra faixa que é possível traçar um paralelo direto – “Beyond Touch” veio do meu amor por esse disco.

The Soft Moon“Black”
“Darkwave” é um gênero difícil de definir. Muitas vezes acaba passando por goth rock, post punk, new wave… mas o que vem a minha cabeça é isso aqui. Esse synth quase witch house com essa percussão que mais parece uma marcha é assustador, mas ao mesmo tempo me transporta pra algum clube noturno onde eu me perguntaria “será que posso sentar em posição fetal aqui no meio da pista?”. Enfim, uma sonoridade muito difícil de encontrar por aí e que me representa muito!

Sleep Party People“I’m Not Human At All”
Outra música que se apresenta como uma saga, progredindo por vários estágios e conseguindo sucesso em todos eles. Dos tempos de ouro do Sleep Party People, essa música me marcou principalmente na performance que fizeram dela na Copenhagen Sessions de 2010. Aquela guitarra simples, seguindo apenas os acordes da música funciona como uma cereja no bolo. Foi a primeira vez que vi percussão eletrônica sendo incorporada manualmente ao vivo e me deixou muito curioso pra tentar isso, mas ainda não tive oportunidade. Enfim, um grande exemplo de como construir uma música e manter ela interessante do começo ao fim.

Slowdive“Souvlaki Space Station”
Pra fechar a lista não poderia faltar a melhor música de um dos melhores discos da história. Eu realmente acredito que essa música nasceu de um momento em que todos os planetas se alinharam e todos os átomos do universo estavam no lugar certo – um fenômeno simplesmente. Uma música irreproduzível, cada segundo dela é exatamente o que deveria ser e jamais vai ser de novo – até me faz acreditar quando dizem que ela foi gravada em um take, depois de dezenas e dezenas de tentativas. “Mas o que faz dessa música tão especial?”. Aí que está – não sei. Acho que ela tem a própria alma e ela conversa comigo quando a ouço. De qualquer forma, não tem como deixar passar sem comentar o belíssimo uso de delay nas guitarras e baterias que me evocam um cenário espacial como o título sugere (e pela música “My God, It’s Full of Stars!” acho que fica claro que eu tenho uma relação muito forte com o espaço). Essa música é uma experiência que deve ser sentida por todo mundo pelo menos uma vez antes de morrer, é indescritível.

O som de hoje 40 anos atrás: David Bowie – “Low” (1977)

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David Bowie - Low

Bolachas Finas, por Victor José

Mesmo que a icônica capa de Aladdin Sane” (1973) tenha sobrevivido intacta e soberana no imaginário da cultura pop e levado a personagem de David Bowie quase que à banalidade em termos visuais, o legado do britânico ecoa ainda mais forte por conta de seu extraordinário conteúdo musical. Se por algum motivo a incessante busca por sintéticas texturas sonoras entra e sai de moda entre bandas de rock e de outros gêneros, muito disso é fruto das sugestões apontadas por Bowie e sua essencial “Trilogia de Berlim”, sobretudo o álbum Low”, de 1977.

Parece redundante hoje em dia destacar a importância do britânico para a música popular, mas fato é que neste ano Low fez 40 anos e permanece ileso e incontestavelmente rico em proposta estética. Aliás, por mais que Bowie seja um gigante da música do século XX, este disco jamais deixará de ser assunto de uma infindável discussão sobre até onde pode chegar um cantor pop.

Produzido pelo próprio Bowie e seu parceiro de longa data, Tony Visconti, “Low” abriu um novo caminho na carreira do músico. Se antes já havia causado espanto geral por flertar facilmente com pop barroco, soul e glam rock, a partir de 1977 passaram a vê-lo como um artista desafiador, que expandia os limites sugerindo à música o uso expansivo da artificialidade sonora.

Com o objetivo maior de largar seu vício em cocaína, Bowie viveu modestamente na Alemanha Ocidental, em Berlim, recluso e longe dos holofotes. Como forma de ocupação, em meados de 1976 chegou a produzir o álbum solo de seu amigo Iggy Pop, o fundamental The Idiot”. Logo ali já podia ser notada uma pitada do que David estava preparando.

Fortemente influenciado pelo som de grupos como Neu! e Kraftwerk, Bowie reuniu uma série de músicos como Carlos Alomar (guitarras), George Murray (baixo), Ricky Gardener (guitarras) e Brian Eno (sintetizadores) para recriar a seu modo a atmosfera dessas bandas. O resultado foi “Low”, um disco metade instrumental, metade pop experimental e distinto por completo.

O curioso é que alguns atribuem a Eno importância igual ou maior que o próprio Bowie na concepção de “Low”. Polêmicas à parte, certamente o modo de criação do ex-Roxy Music foi uma grande influência, tanto que o próprio alega que participou da produção do LP e não foi creditado.

Não é que bandas do rock progressivo, expoentes do krautrock ou o próprio Eno com sua ambient music não houvessem sugerido aquilo até então, mas o fato surpreendente (além do resultado final do LP) foi a abrupta ruptura de David Bowie, que há um ano antes vinha fazendo soul e mesmo assim assumiu o eletrônico sem quaisquer restrições.

Outro fator que contribui para a notoriedade de “Low” é a incessante capacidade de algumas de suas canções se ajustarem naturalmente ao presente momento, como no caso de “A New Career in a New Town” ou “Breaking  Glass”, que com seus quase dois minutos representa o que inúmeras bandas contemporâneas tentam recriar direta ou indiretamente. “Sound and Vision” e “Be My Wife”, mesmo sem seguirem a fórmula linear de canção pop, traçaram no panorama musical da época o que viria a ressoar com muita força em conjuntos de pós-punk e new wave do início dos anos 1980.

Todas as onze composições são capazes de levar o ouvinte a uma interessante experiência sensorial, mas de fato as últimas quatro faixas de “Low”, “Warszawa”, “Art Decade”, “Weeping Wall” e “Subterraneans”, verdadeiros exemplos de ambient music, carregam peso maior do status de obra-prima atribuído ao LP. Qualquer um acostumado apenas com as irresistíveis facilidades do camaleão do rock (coisas como “The Jean Genie”, “Rebel Rebel” ou “Changes”) passará pela primeira vez pelo desfecho de “Low” e a partir de então encarará Bowie de maneira absolutamente diferente.

Com todo o reconhecimento obtido anos depois, a desconfiança da RCA (então gravadora do músico) para com o disco virou mero detalhe. Das onze faixas, seis eram basicamente instrumentais e a empresa teve sérias dificuldades em encontrar na obra alguma “música de trabalho”. No final das contas, “Sound and Vision” foi a escolhida como single.

O disco saiu em janeiro de 1977. Inicialmente seria lançado em dezembro de 1976, porém a RCA cancelou com a justificativa de que não via “Low” com um potencial presente de Natal.

Seria “Low” o ápice criativo de Bowie? O próprio afirma que sim, e até chegou a tocá-lo na íntegra em 2002, num único show em Londres. Mas fato é que, gostando ou não gostando, ao escutar o álbum todo não há como relevá-lo e não perceber nele uma infinidade de outros artistas.

David Bowie - Low