Construindo Banda-Fôrra: conheça as 20 músicas que mais influenciaram o som da banda

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Quando uma banda se forma, as influências de cada um dos integrantes são inúmeras e variadíssimas. Essa mistura de músicas, artistas, discos e sons entra em um imenso caldeirão musical e traz algo totalmente novo e cheio de identidade. É nessa construção de identidade que a coluna Construindo vai focar: aqui, traremos 20 músicas que foram essenciais para que uma banda ou artista criasse seu som, falando um pouquinho sobre elas. Hoje temos a banda paraibana Banda-Fôrra, que indica suas 20 canções indispensáveis. Não deixe de seguir o perfil do Crush em Hi-Fi no Spotify e ouvir a playlist desta semana, disponível no final do post!

Cidadão Instigado“O Tempo” 
Cidadão Instigado inaugurou um jeito de fazer canção no Brasil. Letra e melodia emocionantes, e mais mil detalhes pra prestar atenção a cada nova audição.

Homeshake“Every Single Thing”
Melhor timbre pop que tem rolado por aí afora. Pra ouvir pensando na vida.

Cátia de França“20 Palavras Girando ao Redor do Sol”
Lembrete eterno de que não estamos inventando a roda e que a música paraibana sempre foi com os dois pés na porta.

Bob Marley“Slave Driver”
Aula de música, história e caráter. Recomendado em doses diárias.

Igor Stravinsky“A Sagração da Primavera”
Uma das muitas drogas pesadas que consumimos nos tempos de pré-produção do nosso EP de 2015, e que reverberou como referência em forma de vocalização na faixa ‘diz nos meus olhos’.

Milton Dornellas“Encanto”
O compositor que tento ser se divide entre antes e depois do disco que abre com essa canção. Sigo buscando a clareza e limpidez na articulação entre melodia e letra que Milton foi capaz de cometer nessa faixa.

Lô Borges“O Trem Azul”
Nessa lista valia pôr o Clube da Esquina inteiro, mas essa faixa fica sendo uma representante de peso da maneira como os mineiros influenciam nossa forma de harmonizar, e também por aquele solinho de guitarra incrível, que aprendi a cantar inteiro.

Guilherme Arantes – “O Melhor Vai Começar”
Nos releases que produzimos ao longo desse tempo de existência da banda, sempre falamos em ‘música brasileira sem estereótipos’. Acredito que a maneira como Guilherme Arantes faz conversar suas referências no rock progressivo, na nossa nova e na tradição da canção brasileira sintetizam bem essa nossa busca. As melodias são belíssimas, e as letras têm esse apelo por ser profundamente simples e irremediavelmente inteligíveis.

Cidadão Instigado“Besouros e Borboletas”
Persigo, observo e admiro as canções do Fernando Catatau. Escolhi essa por ela conseguir arrancar com doçura uma lágrima minha num show deles que assisti.

Gilberto Gil“No Norte da Saudade”
Nas últimas viagens que fiz escolhi essa canção pra ser o primeiro play.
Música pra cima e pra celebrar a instiga de se jogar na estrada.

BaianaSystem“Lucro: Descomprimindo”
Gosto de observar cada detalhe dos shows das bandas do mainstream. No da Bayana não consegui, pois fui sugado pro meio da multidão e me entreguei pras famosas rodinhas dos shows deles. Depois, com uma audição mais cuidadosa, passei a admirar essa música por ter uma crítica social muito forte, muito atual e por transmitir a mensagem através de refrão chiclete e estrofes certeiras.

Beto Guedes“Lumiar”
Essa eu gostaria de ter feito. É uma aula do beto ensinando ao mundo como deve ser o ser.

Gilberto Gil“Ilê Ayê”
Essa música, como boa parte da obra de gil, possui um aspecto interessantíssimo que é a força e o poder que a música (e cultura) afro-brasileira tem. Não só essa música, mas todo o disco ‘Refavela’, possui uma força muito incrível, tanto nas letras como em cada instrumento tocado.

Maglore“Calma”
Música que compõe o disco mais recente da Maglore. Sem dúvida nenhuma essa é a melhor música do disco, a palavra é algo muito presente nesse disco e nessa música não poderia ser diferente. Sem contar também com som da banda como um todo, os timbres maravilhosos que esse disco traz.

Caetano Veloso“Nine Out of Ten”
Essa é uma das minhas músicas preferidas de Caetano e lembro que só conheci esse disco por conta de Banda-Fôrra, que na época nem tinha esse nome, chamava-se Banda Uns. Lembro muito bem de assistir a um show dos meninos tocando o disco ‘Transa’ e depois do show ir correndo para casa ouvir incansavelmente essa maravilha.

Milton Nascimento“Escravos de Jó”
Música que abre o disco ‘Milagre dos Peixes’. Algo que acho muito incrível dessa música são as percussões de Naná Vasconcelos, grande percussionista que infelizmente não está mais entre nós. O que me fascina é a maneira que Nana orquestra toda a percussão da música, criando uma massa sonora incrível que sem dúvida nenhum faz com que a percussão não seja um mero instrumento de acompanhamento e sim que ela se torne um comunicador tal como a voz. Em resumo, a percussão pode não falar, mas ela diz muita coisa.

A Cor do Som“Beleza Pura”
As guitarras de Armandinho nas músicas d’A Cor do Som me impressionam muito. Bahia e Brasil numa fritação canção belíssimas. sempre tento trazer pra meu jeito de tocar a sensação que eu tenho quando escuto as guitarras dele. Não dá pra escutar essa versão de “Beleza Pura” e não querer sair dançando pela casa.

Gal Costa“Vatapá”
Uma das coisas que eu mais gosto na vida é a sensação do fim da tarde em João Pessoa. Principalmente por causa das cores e do brilho das coisas. De maneira geral, gosto de escutar (e fazer) músicas que me remetem a isso. Gal, Caymmi e a cereja do bolo: João Donato (produção musical e arranjos) me transportam diretamente pra um fim de tarde em João Pessoa. Vale escutar esse disco inteiro!

Red Hot Chili Peppers“Sick Love”
Um dos discos que eu mais escutei em 2017-18. Até eu escutar esse disco, Red Hot cumpria uma função mais nostálgica do que qualquer outra. Ouvia mais nos rocks quando alguém lembrava de “Scar Tissue”, “Under The Bridge” ou “Can’t Stop” ou quando o assunto eram os tempos áureos da MTV. Quando ouvi esse disco (“The Getaway”) pela primeira vez que percebi o quanto essa banda é muito foda. “Sick Love” foi a que mais gostei. A Partir desse disco que fui percebendo que as outras músicas e os outros discos são carregadíssimas em sentimentos. Muito verdadeiros. Frusciante (mesmo não estando presente nesse disco) me ensina muito sobre rock, groove e guitarras limpas.

Mac DeMarco“Let Her Go”
Esse disco é sempre à quem eu recorro quando passo mais de 5 segundos e não consigo pensar em alguma coisa pra ouvir. sempre. timbres lindos, sensibilidade altíssima. “Let Her Go” sintetiza bem a capacidade que esse disco tem de colocar meu dia pra cima. Altíssimo astral. Fica ainda mais alto astral se for ouvida naqueles finais de tarde super vermelhos de João Pessoa.

Maria Alcina levou Caetano e Carnaval para o palco do Teatro Porto Seguro

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Maria Alcina aproveitou a terça-feira de Carnaval e o excelente palco do Teatro Porto Seguro para lançar a versão em vinil de seu mais recente trabalho intitulado “Espirito de Tudo”, onde nos presenteia com versões inusitadas das canções de Caetano Veloso.

A cantora, sempre muito irreverente e com looks caprichados, impressionou com suas versões repaginadas e o excelente alcance vocal. Alcina está cantando maravilhosamente bem e a potência de sua voz fez com que canções como “Tropicália”, “Fora da Ordem” e “Os Mais Doces dos Barbaros” ganhassem um peso extra, principalmente por serem letras extremamente politizadas.

Destacaram-se as interpretações de “Rocks” e “Eu Sou Alcina”, essa canção que foi composta por Zeca Baleiro em homenagem a cantora e é a primeira faixa do seu trabalho anterior, o elogiado “De Normal Bastam os Outros”.

Ao interpretar a canção “Língua”, a cantora dirigiu-se à plateia e interagiu muito com o público presente, que por sinal ocupava todos os assentos do teatro. Nesse momento o público já estava ganho, mas Maria Alcina ainda nos surpreendeu com “Prenda o Tadeu”, “Calor na Bacurinha” e “Fio Maravilha”, hits obrigatórios em suas apresentações.

Importante citar a genialidade da banda que acompanha a cantora, liderada pelo guitarrista e diretor musical Rovilson Pascoal, o som apresentado nos remete ao apresentado pelo próprio Caetano durante a Trilogia Cê, porém temos um tempero especial que só Maria Alcina poderia incluir. Caetano deve estar orgulhoso!

Maria Alcina deveria ser presença obrigatória em todos os carnavais. O que presenciamos no palco (e na plateia) do Teatro Porto Seguro foi uma cantora segura, com um excelente domínio de espaço e extremamente agradecida por viver esse momento especial. Importante ressaltar o trabalho do produtor Thiago Marques Luiz, responsável pelos últimos lançamentos da cantora e que colocou Maria Alcina novamente no lugar de destaque que ela merece.

Fotos: Edson Lopes Jr. 

5 canções nacionais pra embalar términos de relacionamento

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Se essa semana teve o tal do Valentine’s Day no mundo todo, hoje eu vou na contramão, como bom brasileiro, já que o nosso só é em Junho. Esse texto é para os que estão no processo inverso – passando pelos “chutes na bunda” dessa vida. Geralmente dói e não é pouco. Quem nunca derramou uma lágrima por uma paixão que atire a primeira pedra. Uma trilha da sonora “da desgraça” é indispensável nesses momentos.

Guarde aí! 5 músicas nacionais para a choradeira de fim de namoro/rolo:

1 – “Deixar Você” –  Gilberto Gil

Do maravilhoso disco “Um Banda Um” de 1982. Um disco de transformação musical de Gil – e amorosa também – se em 77 ele cantava pra “Sandra”, agora ele cantava pra “Flora” (será?) (“A Gente Precisa Ver o Luar” (1981)).  “Deixar você” é pra quem está “dando um tempo”. Está dizendo pra você, meu caro/minha cara amigo(a) ressabiado (a) – deixar sua companhia ir embora não vai ser bom nem pra você nem pra ela, com um Gil dizendo “Que a luz nasce na escuridão”, ou seja, no quarto escuro e vazio que você está. É Gil dizendo – tenha fé meu caro (a), que ainda há esperança!

2 – “Queixa” – Caetano Veloso

Um clássico radiofônico do maravilhoso disco “Cores, Nomes” de 1982. Se a última música citada foi de Gil, essa é a “sofrência” do “mano” Caetano. Quando se pensa em decepção (ou não) amorosa velosiana, geralmente vem à mente a clássica das rodas de violão e dos barzinhos “Sozinho”. Seria uma boa pedida também. “Queixa”, entretanto, tem mais cara de fim de relacionamento. É uma “princesa serpente” que “envenena” e que “despreza um amor delicado”. O ressabiado afirma em letras garrafais líricas – um amor desse nenhum homem daria! – uma legítima queixa ultrarromântica. Minha senhora, me diga para onde devo ir!

3 – “Tesoura do Desejo” – Alceu Valença

Composição linda do mestre Alceu Valença. Há duas versões lindíssimas, ambas em dueto – uma com Zizi Possi (“Sete Desejos” – estúdio) e outra com Elba no “Grande Encontro” (tanto no mais recente, quanto no primeiro!). O dueto faz todo sentido, já que a música retrata o diálogo de um casal que não se permite mais e que sabe que seu sonho já se tornara, irreversivelmente, um pesadelo. Essa é para fechar caixões de relacionamento. A síntese do rompimento é o “corte do cabelo”, concreto e metafórico, pela “tesoura do desejo de mudar”. Linda. Não escute essa se ainda tiver esperanças.

4 – “Espaço” – Cássia Eller

Composição de Vitor Ramil e interpretação lindíssima da saudosa Cássia Eller no show “Luz do Solo” (álbum “Do Lado do Avesso” – disponível no Spotify). Uma voz e violão penetrante, que traz consigo toda a dor da solidão. “Quarto de não dormir, sala de não estar, porta de não abrir” – os não lugares do rompimento. Essa é doída demais. Pros fins de relacionamento mais duros, para assumir as “bad vibes” de vez.

5 – “Olhos Nos Olhos” – Maria Bethânia

Composição linda de Chico (“Meus Caros Amigos” 1976), mas que se fez de fato na voz da rainha Maria Bethânia, no álbum “Pássaro Proibido” (também de 76). Uma afirmação de quem já se recuperou do fim e diz com todas as letras: quer voltar? “Olhos nos olhos, quero ver como suporta me ver tão feliz!”. Essa é pra afirmar a superação de vez dos fins, tão naturais, como tudo nessa vida. E nada melhor para isso do que a tão naturalmente romântica Betha. Vida que segue!

Construindo Cachalote Fuzz: conheça as 20 músicas que mais influenciaram o som da banda

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Quando uma banda se forma, as influências de cada um dos integrantes são inúmeras e variadíssimas. Essa mistura de músicas, artistas, discos e sons entra em um imenso caldeirão musical e traz algo totalmente novo e cheio de identidade. É nessa construção de identidade que a coluna Construindo vai focar: aqui, traremos 20 músicas que foram essenciais para que uma banda ou artista criasse seu som, falando um pouquinho sobre elas. Hoje temos a banda mineira Cachalote Fuzz, que indica suas 20 canções indispensáveis. Não deixe de seguir o perfil do Crush em Hi-Fi no Spotify e ouvir a playlist desta semana, disponível no final do post!

Sonic Youth“Within You Without You”
Arthur: Música lançada numa coletânea chamada “Sgt Pepper Knew My Father”, de 1988 que tinha o Sonic Youth e outros grandes nomes. Conheci o Guilherme (guitarrista) a uns seis anos atrás e resolvemos formar a banda. Eu como fã de Sonic Youth, ele fã de Beatles, essa música foi o encontro sonoro que fez tudo fluir.

Jupiter Apple“As Tortas e As Cucas”
Arthur: Hino dentro da Cachalote Fuzz. A gente discute mil coisas, mas quando o assunto é Jupiter na banda, ninguém discorda de nada. Amamos esse maluco e concordamos que ele é um dos maiores da psicodelia brasileira, sem mais.

Velvet Underground“I Can’t Stand It”
Arthur: A gente já fez frituras e frituras com esse som bicho, desde o começo da banda, até hoje. Velvet Underground é escola pra todos nós e uma grande influência no nosso jeito de tocar.

Caetano Veloso“Mora Na Filosofia”
Arthur: O “Transa” é um dos maiores discos da música brasileira. Caetano Veloso tava em sua melhor fase e o Jards Macalé arrebentou nos arranjos. Tocamos essa música no primeiro ensaio da banda.

Brian Jonestown Massacre“Anemone”
Iuri: O estilo de composicão, a textura dos timbres e as performances desses caras, sempre foram influências pra gente. Anemone é uma canção de apenas dois acordes que te levam longe, de vez enquanto apresentamos ela nos nossos shows e é sempre uma viagem.

Tame Impala“Elephant”
Iuri: Tanto “Elephant” quanto o disco inteiro “Lonerism” do Tame Impala, deu um boom no cenário neo psicodélico e abriu novas portas para outras bandas que vieram numa onda parecida. A pegada firme na batera e o baixo marcante de “Elephant”, forma o ápice da música, além também de todos aqueles synths e guitarras ardidas, é foda demais.

CAN“Vitamin C”
Iuri: Indo mais atrás no tempo agora, a banda Can sempre pirou a gente com aquela fritura setentista na parte instrumental e também nos vocais excêntricos do japonês Damo Suzuki. “Vitamin C” cria uma atmosfera tão estranha e peculiar, que a gente não poderia deixá-la de fora dessa lista.

Erasmo Carlos“É Preciso Dar Um Jeito Meu Amigo”
Guilherme: Continuando nos anos 70, que é uma época realmente influente no nosso som, a sonzeira brazuca fervia demais também. Essa canção do Erasmo de 1971, permanece atual até hoje, tanto na poesia contestadora e direta, como nos belos arranjos.

The Stooges“No Fun”
Guilherme: Entre as referências de rock’n’roll, The Stooges e Velvet Underground sempre foi as mais presentes. Essa música representa uma grande influencia na construção da sonoridade da banda, principalmente nas nossas primeiras gravações. Acredito que a banda toda curte trabalhar com riffs simples.

Black Sabbath“Planet Caravan”
Guilherme: Foi o Vini que me aplicou esse som. Black Sabbath psicodélico! A estrutura e a atmosfera da música favorece alguns trechos de jam e improviso, que nos ajudava a trabalhar nossa comunicação e entrosamento. Foi um destaque no show de lançamento da revista Paralela.

Tagore“Pineal”
Arthur: O som do Tagore chegou na gente bem na época que a gente tava começando a pirar nas psicodelias do nordeste, principalmente nas bandas do chamado movimento Udigrudi (Alceu, Zé Ramalho, Geraldo Azevedo, etc). O choque foi momentâneo, piramos. E depois quando eles foram lançar o “Pineal”, fizemos uma miniturnê juntos. E acabou que hoje todo mundo da banda é de casa: Tagore, Caramuru, Julião, Xandão, João Felipe. Rolou a parada sensacional de participarem do nosso disco e produzirem também. A gente é fã desses caras.

Porcas Borboletas“Menos”
Arthur: Esses são nossos professores da cena independente do Triângulo Mineiro, por vários fatores. Lembro ver o show deles no lançamento do disco (A Passeio), numa época que nem frequentava tanto shows de bandas independentes. Essa música mudou tudo, virei frequentador assíduo dos eventos locais e quis trabalhar com música independente desde então.

Radiohead “Everything In Its Right Place”
Arthur: Eu sou grande fã, mas nem todo mundo da banda gosta, mas concordamos que não tem como ignorar essa gigantesca banda. O Radiohead revolucionou a música pós anos 90, acreditamos ser uma das maiores bandas da nossa geração. E essa música em si é um hit das festinhas depois dos shows.

Cachorro Grande“Que Loucura!”
Arthur: Tivemos vários shows memoráveis que fizemos na nossa cidade, mas alguns são foda. Um deles foi com o Cachorro Grande. Que um noite sensacional. A festa no camarim, as loucuras, várias conversas malucas. Acho que são uma grande influência pra todo mundo no rock’n’roll brasileiro. Esses caras são foda.

Lou Reed“Vicious”
Arthur: Já falamos de Velvet, eu sei. Mas essa música é praticamente um hino pra todos nós. Descreve muita coisa de cada um da banda, em vários aspectos. Loucura pura, bicho.

Almirante Shiva“Ziggy”
Arthur: Acho que nem dá pra expressar em palavras a admiração que todos nós temos por estes caras. Foram uma das primeiras bandas que trouxemos pra nossa cena, demos altos rolês juntos aqui por Minas Gerais, mais de uma vez. E a gente sempre pirou no jeito dos caras tocarem, no som que cada um faz, neles no palco. Uma banda especial pra gente, sem dúvidas. E mais uma coisa: PEDRO VIVE!

Alceu Valença“Veneno”
Arthur: Se o Brasil alguma vez teve um rei na música, jamais foi Roberto Carlos, e sim Alceu Valença. Bicho, não tem nem como querer falar da obra deste maluco aqui, pelas inúmeras fases nos 50 anos de carreira, e admiramos todas. Mas dois dos maiores discos da psicodelia brasileira, são sem dúvidas “Espelho Cristalino” e “Vivo”, ambos de 1976.

Stealers Wheel“Stuck in the Middle of You”
Iuri: Essa banda escocesa com essa canção principalmente, representa a nata do rock setentista e da cena underground que rolava na época. Somos admiradores do folk e da música caipira, Stealers Wheel é uma mistura de tudo que é bom e criativo.

Holy Wave“Do You Feel It”
Iuri: Uma mescla de instrumentais neo-psicodélicos com a levada marcante do rock 4×4 formam o diferencial dessa banda Texana. “Do You Feel it” abre o álbum “RELAX” que é um dos melhores discos da banda, que é relativamente nova ainda.

The Cure“The Lovecats”
Iuri: Fãs dos anos 80 também que somos, The Cure pra representar essa turma boa. “The Lovecats” une jazz, 80’s, teatro, e gera uma atmosfera peculiar do som “geral” do Cure. Fecha com chave de ouro nossa lista!

Palavras outras para o “Outras Palavras” (1981), de Caetano Veloso

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Se limitar a “Transa” e demais álbuns da década de 70 pode até ser justo, mas muita coisa se perde. “Outras Palavras” merece o que seu nome prenuncia.

Capa do disco

Um álbum deixado de lado na discografia de um gênio – esse é o “Outras Palavras” de Caetano Veloso, lançado em 1981. O próprio Caetano, altamente autocrítico, não parece simpatizar muito com esse disco. O que se escuta é que foi uma obra com menos dedo do baiano. Entretanto, toda vez que escuto, fico justamente com a sensação de que foi um pouco injustiçado e que merecia mais menções, apesar dos pesares. Me surpreendo mais ainda sabendo que foi um dos mais vendidos na discografia de Caetano. Fico sempre me perguntando se me iludo com esse disco ou se de fato ele é subestimado. Tive que escrever outras palavras sobre esse disco extremamente agradável (na minha visão) da obra do baiano de Santo Amaro.

O disco começa com a música que dá título ao disco e que caracteriza bem o que Veloso é nessa obra. Afirma, “Nada dessa cica de palavra triste em mim na boca”. Caetano convoca o experimentalismo e outras palavras no sentido mais puro e poético. Palavras mais alegres. Não há no disco a tristeza do exílio, que clama pelo riso de Irene. É um Caetano que talvez ainda queira “Muito” (1978), mas que não trilha diretamente os “Trilhos Urbanos” de Santo Amaro (“Cinema Transcendental” – 1979). É um Caetano lúdico, que brinca de fazer poesia com fortes influências e diálogos com São Paulo no processo. A semântica, a poesia concreta e as figuras de linguagem típicas do “paulistês” se fazem presentes por vezes, não deixando de lado, entretanto, toda a baianidade do seu som.

A segunda faixa é “Gema” (brilhante ê!). Deliciosa de se escutar. Impossível não sentir algo escutando os tons dessa música, que também tem versões fantásticas pela voz de sua irmã Bethânia. Essa canção inicia um padrão que se estende por todo o disco de retratar sensações e visões da natureza. A “luz exata na escuridão”, a “camaleoa”, a “menina do anel de lua e estrela”, a gata exata. Essa última se faz presente na faixa que se segue: “Vera Gata”, outra ótima canção, com ares típicos da fase fronteiriça entre o Caê dos anos 70 e 80. Prosseguimos então para um ponto altíssimo – “Lua e Estrela”. Radiofônica até os dias de hoje, envelheceu melhor do que as outras pra quem não se satisfaz tanto com o som dos anos oitenta. Essa, aliás, foi composta por Vinicius Cantuária. Um romantismo na medida certa (qual seria a medida certa?) e extremamente agradável. Quando toca acalma qualquer um.

A quinta canção é “Sim/Não”, parceria de Caetano Veloso e Carlos Bolão (percussionista da Outra Banda da Terra à época e que integrou bandas e fez parcerias com grande nomes da música brasileira, como Jorge Ben, Luiz Melodia, Jorge Mautner, dentre outros). Uma boa música. Segue-se a ela “Nu Com A Minha Música” – outro ponto alto, em que se afirmam intrigantes, solitárias e ao mesmo tempo acalentadoras e seguras frases:

“Vejo uma trilha clara pro meu Brasil, apesar da dor, vertigem visionária que não carece de seguidor;

Quando eu cantar pra turma de Araçatuba verei você; Já em Barretos eu só via os operários do ABC; Quando chegar em Americana, não sei o que vai ser; Às vezes é solitário viver”.

Somos raptados na faixa que se segue pela homenagem a Regina Casé, “Rapte-me Camaleoa”. Definitivamente um clássico e em versão superior à voz e violão sem sal recentemente feita em parceria com Maria Gadú no ao vivo do Multishow.

“Leitos perfeitos seus peitos direitos me olham assim.
Fino menino me inclino pro lado do sim.                                            Rapte-me, Adapte-me, Capte-me, It’s up to me coração
Ser, querer ser, merecer ser um camaleão
Rapte-me camaleoa, adapte-me ao seu ne me quitte pás”
                                                                        

A partir deste momento o álbum de fato tem um teor um pouco menos palatável e mais discutível. Depende exclusivamente do gosto. Pessoalmente não gosto da baladinha “Quero um Baby Seu” e da versão insossa de “Dans Mon Ile” – Caetano contagia mi corazón cantando em idioma estrangeiro “Currucucu Paloma”, “Michaelangelo Antonioni”, “Tu me Acostumbraste”, “La For de La Canela” mas essa versão, sinceramente não me cativa. “Tem que Ser Você” também não empolga muito, mas, dependendo do dia, pode até ser uma faixa que o ouvinte não vai pular ou que pode até gostar. “Blues” é agradável (é um bom blues) e tem trocadilhos legais ao longo da letra (com o azul do nome e do azul que surge a cada verso). “Verdura” é uma boa pedida para fãs de Paulo Leminsky, já que a letra foi escrita por este. O autor traz uma boa crítica acerca da situação calamitosa vivida pelo Brasil à época e que, de certa forma, ainda perdura até o presente momento. Reflexões interessantes e uma ótima musicalidade, na passagem da poesia falada pra poesia musicada.

Caetano Veloso, Paulo Leminsky e Moraes Moreira

“De repente vendi meus filhos pra uma família americana,              eles tem carro, eles tem grana                                                            eles tem casa e a grama é bacana”.

O ponto alto final fica por conta da brasileiríssima “Jeito de Corpo”, que fecha os 40min com chave de ouro. Impossível não dar uma mexida física e mental com o ritmo de sua introdução e da construção musical como um todo. Há referências que caracterizam um pouco do que Caetano provavelmente pensava e sentia na época. O Brasil dos anos oitenta está ali, expresso no arranjo musical e nos versos – desde Trapalhões até Gilbertos e expectativas pelo Marco 2000.

Chico Buarque e os Trapalhões

Referências a Trapalhões:
“Eu sou Renato Aragão, santo trapalhão,
Eu sou Mussum, sou Dedé
Sou Zacarias, carinho
Pássaro no ninho qual tu me vê na TV”

Referências a projetos de Brasil
“Sampa na Boca do Rio, o meu projeto Brasil” (Boca do Rio é um bairro popular da orla de Salvador)                               

Referências a fé e ao saber
“Eu tô fazendo saber vou saber fazer tudo de que eu sou a fins, logo eu que/cri cri que não crer era o vero crer, hoje oro sobre patins” (Uma fé que perdeu as suas raízes profundas e que patina? Uma fé que vai e volta?)                                            

E, por fim, referências ao grande amigo (“mas mesmo na deprê chama-se um Gilberto Gil”). (Na deprê e na felicidade, as parcerias com o amigo permanecem faça chuva ou faça sol.)

“Jeito de Corpo” dá um jeito no corpo! Uma bela conclusão ao disco.

“Outras Palavras” com certeza não é o melhor álbum do santo amarense velosiano, mas, com certeza também é um álbum um tanto quanto esquecido. Merecia mais menções e lembranças. Pessoalmente é um dos meus favoritos na obra de Caetano, o que também pode ser uma loucura da minha parte. Desde o nome do álbum, passando pelos ares do início dos anos oitenta, por canções de amor apaixonantes, até a legitimamente brasileira “Jeito de Corpo”, fico definitivamente contagiado pelo disco. É verdade que tem pontos baixos, mas, os pontos altos agradam muito vendo um Caetano com alegrias e experimentalismos que tem suas peculiaridades quando comparadas ao resto de sua obra. Mesmo sabendo que os álbuns que antecederam (“Cinema Transcendental”) e que se seguiram (“Cores, Nomes”) são provavelmente melhores, “Outras Palavras” tem seu lugar. No mínimo vale a pena escutar uma vez ou aumentar o volume e dar uma chance quando alguma de suas faixas ainda tocar no rádio. Sendo otimista, “Outras Palavras” se tornará companheiro frequente de seus momentos mais felizes ou momentos em que se precisa de algo mais feliz e/ou com um quê de experimentalismo poético. Merece uma chance!

Links interessantes:

http://50anosdetextos.com.br/1981/o-disco-em-que-caetano-inventou-outras-palavras/ coluna publicada em 1981 por Sérgio Vaz no Jornal da Tarde

http://caetanoendetalle.blogspot.com.br/2016/03/1981-verdura-paulo-leminski.html sobre Verdura

http://www.otempo.com.br/super-noticia/o-voo-solo-de-carlos-bol%C3%A3o-1.97117 sobre Carlos Bolão

Celebração baiana: “Doces Bárbaros” (1976)

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Doces Bárbaros

Bolachas Finas, por Victor José

Certa vez perguntaram a Milton Nascimento como era possível haver tantas parceiras entre músicos brasileiros, e o cantor simplesmente respondeu: “Porque a gente gosta disso”. Essa frase cabe perfeitamente no encontro dos baianos Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa e Maria Bethânia, o que resultou no “Doces Bárbaros”. Se separados eles já ditavam tendências, lotavam shows e rendiam notícias, juntos então, eram capazes de soar como um divisor de águas da MPB.

Ao longo dos anos anteriores, uma série de espetáculos reuniu os medalhões no palco. Em LP, Domingo” (1967), Tropicália ou Panis et Circencis” (1968), Barra 69″ (1972) e Temporada de Verão” (1974) já haviam mostrado que a afinidade entre esses músicos ia além da amizade que cultivavam fora dos palcos.

Já estava comprovado que parcerias agradavam o público. Por isso, em 1976, o selo Philips – naquele momento, dona de um catálogo absurdamente fantástico – voltaria a investir na fórmula apresentando ao público outra faceta da MPB: um raro caso brasileiro de supergrupo, ou seja, conjunto cujos integrantes já são reconhecidos por outros trabalhos.

A convocação dos Bárbaros partiu de Maria Bethânia. Conversando com o irmão Caetano, pediu para ele fazer a melodia de uma letra de sua autoria, intitulada “Pássaro Proibido”, a qual acabou se tornando uma das canções do grupo. Papo vai, papo vem e Bethânia conta que havia sonhado com a reunião daqueles quatro amigos no palco, uma possibilidade antiga que já vinha sendo alimentada principalmente por Caetano e Gil, que chegaram a cogitar algumas vezes formar uma “banda de brincadeira”, mas esperavam pelo momento certo para concretizar a ideia.

A parceria entre eles não poderia ter sido escolhida num período melhor. Com sucesso estabilizado e reconhecidos pelo público e pela crítica, os quatro atravessavam uma fase prolífera em suas respectivas carreiras solo. O quarteto podia gozar da livre e espontânea vontade de se curtirem, sem a obrigação de criar um disco inovador.

Sobre o nome, Caetano disse: “Após o exílio em Londres, eles retomaram uma linha de ataque contra nós, focando principalmente no fato de nós sermos baianos. Então fizeram um apelido, chamaram a gente de ‘baiunos’, deplorando que o Rio tivesse sido invadido por esses bárbaros. Foi aí que eu tive a ideia de chamar a gente de Doces Bárbaros”.

Um ano antes, Gil inaugurou a trilogia “Re” com o muito elogiado LP Refazenda”, no qual revisitou suas raízes e reinventou sua sonoridade. Posteriormente, Gil colhia os frutos do trabalho de estúdio com uma longa turnê pelo País.

Gal Costa investia no repertório do conterrâneo Dorival Caymmi. Ela havia estourado nas rádios e na televisão com “Modinha Para Gabriela”, o famoso tema de novela. Logo depois lançou o álbum Gal Canta Caymmi”, que renderia um show com o compositor.

Após dois anos de jejum fonográfico, Caetano matava a fome de seus fãs com Jóia” e Qualquer Coisa”, de 1975, discos mais acessíveis ao grande público e menos arrojados em relação à proposta estética, se comparados aos trabalhos anteriores, como o experimental Araçá Azul”.

Já Maria Bethânia se desvinculava gradualmente dos álbuns teatrais que marcaram o início de sua trajetória. Um ano antes tinha subido ao palco com Chico Buarque, encontro que renderia um LP de muito sucesso. E no começo de 1976, lançava Pássaro Proibido”, um marco que a consagraria definitivamente como cantora popular.

Apesar de alegarem que estavam comemorando dez anos de carreira solo, cronologicamente, o ano de 1976 estava fora de contexto. Bethânia tinha discos gravados há mais de onze anos. Gil iniciou sua discografia em 1963 com Gilberto Gil – Sua Música, Sua Interpretação”, lançado pela JS Discos. Caetano teve o primeiro compacto nas lojas em 1965, com “Cavaleiro / Samba em Paz”. Já a estreia solo de Gal Costa aconteceria somente em 1969, em LP homônimo.

A concepção era ambiciosa no formato e consistia em uma maratona de shows em diversas capitais, um álbum duplo e um documentário. A produção do espetáculo ficou por conta do empresário Guilherme Araújo, e a estreia do grupo aconteceu no dia 24 de junho de 1976, no Anhembi, em São Paulo.

Em uma das viagens da turnê, aconteceu um imprevisto que levaria o grupo à manchete dos jornais de Florianópolis e do Brasil. Gil e o baterista Chiquinho Azevedo foram presos por porte de maconha. A notícia causou tanto alvoroço quanto o show e si. Recolhido em uma cadeia pública, por decreto de um juiz, Gil foi internado no Instituto Psiquiátrico São José, próximo a capital catarinense, onde ficaria recluso por cerca de duas semanas, para que em seguida se submetesse a tratamento ambulatorial no Sanatório Botafogo, no Rio de Janeiro.

Algum tempo depois da interrupção das apresentações, o Doces Bárbaros retomou os palcos e iniciou uma bem sucedida temporada no Canecão, do Rio de Janeiro, onde ficariam em cartaz por cerca de dois meses, com direito a recorde de bilheteria.

Embora naturalmente sobressaísse o espírito aberto e festivo de estarem juntos no mesmo palco, o espetáculo também continha outros grandes momentos. Lampejos de talento vocal e performático, com “Os Mais Doces dos Bárbaros” e “Fé Cega, Faca Amolada”, cantado por todos juntos com um entusiasmo arrebatador, ou em casos mais tranquilos, como “Esotérico”, composição de Gil interpretada por Gal e Bethânia com um quê de sensualidade desconcertante que as duas intérpretes gostavam de imprimir.

Gil e Caetano desejavam gravar o repertório em estúdio, mas Gal e Bethânia insistiram que fosse lançado ao vivo, e foi assim que aconteceu. Mesmo com a decisão de captar o clima do show, quatro das canções contidas no tracklist do LP foram gravadas em estúdio: “Esotérico”, “Chuckberry Fields Forever”, “São João Xangô Menino” e “O Seu Amor”, as quais também sairiam em compacto duplo em julho do mesmo ano.

O álbum duplo traz dezessete canções distribuídas em dezoito faixas, sendo quase todas até então inéditas e compostas, em grande parte, ou por Caetano ou por Gil. Apenas três fogem da regra: “Fé Cega, Faca Amolada” (Milton Nascimento / Ronaldo Bastos), “Tarasca Guidon” (Waly Salomão) e “Atiraste Uma Pedra” (Herivelto Martins / David Nasser).

O disco foi sucesso comercial, mas não vingou aos olhos da crítica. Naquela altura da década de 1970, quando se falava de alguma obra do time da MPB, se esperava algo esteticamente rico, intrínseco, e não aquela imagem abusivamente festiva celebrada pelos baianos.

Tanto o espetáculo quanto o LP foram duramente criticados, sendo taxados de algo sem profundidade, raso, uma manifestação Flower Power fora de época. “Não se fazem mais baianos como os de antigamente?”, publicaria Walter Silva, o ferrenho crítico da Folha de São Paulo.

Ruy Castro também foi severo e cobrou mais respeito da trupe aos espectadores, que presenciaram alguns imprevistos no palco. Ele também pediria para os baianos ensaiar antes de entrar em cena. “De preferência, sem a presença do público, nem cobrando 80 cruzeiros por cabeça. Tropeçar nos fios e derrubar microfones não devia fazer parte da coreografia. Os quatro continuam a ser artistas extraordinários, mas cada qual no seu canto. Por enquanto, os Doces Bárbaros são apenas uma doce ilusão”, publicaria na época.

Talvez seja exatamente isso que o quarteto tenha significado: uma celebração despretensiosa no sentido estético e mais voltada à pura e simples curtição, ou seja, o contrário do que foi o Tropicalismo e todo seu engajamento, o oposto do que se esperava daquelas estrelas naquele momento de ditadura militar.

Mas o tempo foi o melhor remédio para apagar os preconceitos. Mesmo com todos os problemas técnicos e a estigma de soar escapista, o LP “Doces Bárbaros” acabou ganhando o devido reconhecimento de obra importante da discografia brasileira. Hoje ele é tido como um registro fonográfico histórico e único de um momento áureo, e, quem sabe, o último suspiro da linguagem abertamente hippie na música brasileira.

Construindo Amphères: conheça as 20 músicas que mais influenciaram o som da banda

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Amphères

Quando uma banda se forma, as influências de cada um dos integrantes são inúmeras e variadíssimas. Essa mistura de músicas, artistas, discos e sons entra em um imenso caldeirão musical e traz algo totalmente novo e cheio de identidade. É nessa construção de identidade que a coluna Construindo vai focar: aqui, traremos 20 músicas que foram essenciais para que uma banda ou artista criasse seu som, falando um pouquinho sobre elas. Hoje temos o trio Amphères que indica suas 20 canções indispensáveis.

Joe Cocker“With a Little Help From My Friends”
Jota Amaral: A versão 1969 de Joe Cocker naquele Woodstock foi a primeira vez que vi a música sair dos poros de alguém.

Pixies“Gigantic”
Jota Amaral: O dia que conheci a Paula ela estava se preparando para ensaiar com uma banda, timbrando o baixo e dedilhando esta música.  “Você gosta de Pixies?”, perguntei… Um mês depois estávamos com uma banda montada e mandando vários covers de Pixies. Era uma banda de fãs. Foi muito maneiro irmos todos juntos num show que teve no Lollapalooza anos depois.
Pink Floyd“Echoes”
Jota Amaral: Comecei a tocar com o Thiago numa banda que ele já tinha, substituindo nosso grande amigo Luizão. O nome da banda era Echoes. Em meados dos anos 90 eles, junto com o baixista e compositor Sansei, gravaram um EP que eu adoro. Uma pena não ter nada disso no Spotify. Posso dizer que esse som me influenciou muito, já que tive que tirar as linhasdoidas de batera do Luiz. As músicas próprias não tinham tanto a ver com essa música do Floyd, mas sempre tinha o momento de tocarmos Echoes nos ensaios.

Caetano Veloso“Jokerman”
Jota Amaral: É muita camada sonora numa única música. O arranjo é construído de forma progressiva. Um entra-e-sai de instrumentos diversos … Vários elementos percussivos somados a textura de um flatless com timbrão de avião mono motor passando longe no céu. Tem características brasileiras mas é universal. Poderia fazer uma dissertação sobre essa versão do Caetano pra canção de mister Bob Dylan.


John Zorn
“You will be Shot”
Jota Amaral: Sempre brincamos nos ensaios com essa coisa da tempestade e calmaria. Da mudança brusca de climas sonoros que John Zorn explora em níveis de insanidade bem altos.

Jorge Drexler“Tres Mil Millones de Latidos”
Jota Amaral: Como baterista, a ideia de subverter o instrumento é um desafio. Tocar pela busca do som que se deseja e não pelas convenções…Se estamos nesse mundo de passagem, porque o chimbal tem que ficar onde fica? porque a caixa tem que ter a esteira sempre ligada? E se meu coração bater apenas três bilhões de vezes? O que me impede de substituir as baquetas pelas mãos? Foda-se! Vou montar uma percuteria e morar em São Tomé.

Astor Piazzolla“Libertango”
Jota Amaral: Pode não parecer, mas isso é uma música de rock com um “vocal” triste e sexy. O bandoneón fala uma língua própria. Ele tem essa propriedade que alguns instrumentos de sopro tem, de conseguir expressar quase que literalmente os sentimentos. O casal batera & baixo vai muito bem, obrigado.

Sex Pistols“Bodies”
Thiago Santos: Se o rock bateu em mim quando pré adolescente, começou mesmo pela simplicidade e agressividade de Pistols e Ramones.
Pink Floyd“Remember a Day”
Thiago Santos: Ainda moleque, depois de ouvir muita música pesada, descobrir o Floyd foi abrir uma nova dimensão sonora e sentimental. Crescendo no fim dos 80, começo dos 90, fiz o caminho inverso do rock, e enjoei da crueza do punk/heavy pra descobrir a psicodelia dos 70.
Sonic Youth“Cinderella’s Big Score”
Thiago Santos: a primeira vez que ouvi achei que tinham me dado a fita por engano, tamanha estranheza… depois de compreender as dissonâncias, Sonic Youth (junto com Pixies) expandiram bem os horizontes.
Chico Buarque“Construção”
Thiago Santos: Ao admitir ouvir samba novamente e redescobrir esse arranjo, imaginava se John e Paul tivessem escutado essa música o que eles comentariam lá em Abbey Road.
Novos Baianos“Tinindo Trincando”
Thiago Santos: Junção perfeita do samba rock, antes dos anos 80 separarem Pepeu, Baby, Moraes e detonar eles individualmente…
Deerhunter“Helicopter”
Thiago Santos: um nova abordagem de efeitos sonoros sobre uma melancolia a la Syd Barrett.
Nação Zumbi“Um Sonho”
Thiago Santos: O Lucio Maia é um dos mais inventivos guitarristas brasileiros e nessa música, num estilo mais balada que o de costume, junto com uma puta letra e o clipe (com a filha do Chico Science e o filho do Jorge Du Peixe), ficaram melhor que nunca.
 

Siouxsie & The Banshees“Happy House”
Paula Martins: Cresci ouvindo o som de bandas inglesas dos anos 80 e essa foi uma das que mais teve influência na minha formação desde muito cedo. Nessa música, uma sonoridade muito particular vem do encontro da voz poderosa da Siouxsie com a cozinha incrível do Steve Severin e do Budgie e ainda,  na versão ao vivo, do álbum “Nocturne”, da guitarra do Robert Smith (The Cure) que é outra influência central dessa época.

Slowdive“Souvlaki Space Station”
Paula Martins: Se fosse para escolher uma só seria essa! Eu costumava ouvir com um amigo querido que morava no último andar de um prédio na Av. Paulista, contemplando a vista e as estrelas que desse para ver. O álbum todo é incrível mas aqui tem uma atmosfera espacial produzida por muito delay e reverb e conduzida por uma linha de baixo hipnótica que faz dela uma influência bem marcante.

Breeders“Cannonball”
Paula Martins: Kim Deal. Não precisa dizer mais nada. O baixo das músicas do Pixies sempre foram uma referência importante, mas essa música, que me fazia pular nas pistas da Der Temple e do Cais, tem pra mim a identidade cativante das composições dela. O baixo icônico aqui é da Josephine Wiggs.

Radiohead“How to Disappear Completely”
Paula Martins: Tem dias que eu chego a pensar que o Thom Yorke tem acesso a informações de um microchip instalado na minha cabeça. Quando ouço essa música é um desses momentos. A melancolia dela é definitivamente uma influência.

Warpaint“Biggy”
Paula Martins: Adoro tudo nessa música, o baixo é maravilhoso, gostaria muito de fazer uma linha um dia que tivesse efeito nas pessoas que essa tem mim! Tudo nela é sexy, em especial letra e vocais.

Jennifer Lo Fi“Bacon”
Paula Martins: Essa é uma descoberta bem recente, mas certamente já tem impacto na produção do nosso som. Em primeiro lugar pela decisão de passar a escrever em português. Mas principalmente por me fazer lembrar onde é possível chegar quando músicos loucos se encontram.

Cantarolando a versão que o Scott Walker fez para “Maria Bethania” (1973)

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Scott Walker
Scott Walker

Cantarolando, por Elisa Oieno

Scott Walker é um cara intrigante. Muito lembrado como um ícone pop dos anos 60, o garoto bonitão de voz aveludada e jeitão charmoso de crooner americano hoje é também associado à música de vanguarda e ao experimentalismo.

Inicialmente, Scott Walker tornou-se conhecido por ser a voz principal do grupo The Walker Brothers. Apesar do nome, os três membros não eram irmãos. Os Walker Brothers, com seu pop meio bom-moço, fizeram bastante sucesso comercial em meados dos anos 60, principalmente nas paradas britânicas, apesar de o grupo ser americano. Porém, em 1967 a banda se desfez, e Scott Walker iniciou sua carreira solo.


Quando se fala em Scott Walker, vale a pena lembrar do seu período mais brilhante, que resultou nos quatro primeiros discos de sua carreira solo: “Scott” (1967), “Scott 2” (1968), “Scott 3” (1969) e meu preferido pessoal, “Scott 4” (1969). É nesses trabalhos que é possível perceber o lado não convencional do cantor começando a aflorar com suas canções exageradamente densas e cinematográficas, existencialistas e escuras, em contrapartida à tendência colorida e florida do pop da época. Seu jeito de cantar é especialmente ecoado em David Bowie, assumidamente influenciado por Walker.

Os primeiros discos da carreira solo de Walker eram até reconhecidos pela crítica, porém atingiam cada vez menos sucesso comercial. A personalidade do cantor também não ajudava – ele preferia ficar recluso sozinho lendo seus livros e mergulhar em seus pensamentos profundos a participar das festas e da vida do showbizz. Quem antes arrancava suspiros das menininhas, agora começava a ser visto como um esquisitão.

Após o disco “Scott 4”, o cantor entrou em um período de declínio criativo, fazendo seus próximos trabalhos apenas para cumprir contrato com a gravadora. Em um desses discos, chamado “Any Day Now”, de 1973, é que está a versão de “Maria Bethania”, de Caetano Veloso.

A canção foi escolhida por Walker para constar em seu disco, muito provavelmente porque ele e Caetano faziam parte da mesma gravadora, a Philips. Sem grandes alterações no arranjo, e com uma vibe ainda mais “exótica” do que a original, a versão de “Maria Bethania” é cantada por um Scott Walker com uma bela voz até um pouco sem brilho, mas com um sotaque bizarro que parece mais jamaicano que brasileiro.


É realmente uma pena que Scott Walker não estivesse em sua melhor forma quando gravou sua a versão para esta canção tão intimista e criativa de Caetano Veloso, do disco homônimo de 1971. Mesmo assim, a versão vale a pena ser conferida, e é bem boa no fim das contas. Mas imagine só se Scott Walker tivesse realmente abraçado os traços inusitados e sutilezas dramáticas de um cara brasileiro exilado em Londres…

Garimpo Sonoro #5 – 5th of November: 5 músicas que inspiram revolução

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fawkes

Quinto Garimpo, numa quinta, no dia 5… Mais coincidência ainda é ter um tema tão bom para falar hoje. Não vou entrar nos méritos históricos, mas hoje é o dia do Guy Fawkes, para alguns um personagem real, para outros apenas um anti-herói fodástico. O fato é que ele ainda inspira muita gente e não poderia ser diferente aqui, certo?

Portanto, eis cinco músicas que inspiram a revolução, cada uma a sua maneira.

1) Bob Dylan – When The Ship Comes In

Bob Dylan usou como base “Pirate Jenny”, de Brecht, para falar de uma revolução iminente, que se vinga de quem sempre esteve no controle. Direta e poética ao mesmo tempo. Típico de Dylan.

2) Tom Waits – What Keeps Mankind Alive

Uma argumentação forte e embasada: o que mantem a humanidade viva são os inúmeros atos bestiais, e não a comida ou, HAHAHA que inocência, a moral.

3) Nina Simone – I Wish How Would Feel To Be Free

Apesar de muitas vezes espumar raiva e incitar a violência, Nina também soube abordar a revolução com certa doçura, mesmo que rara. Este é um ótimo exemplo, com uma introdução clássica e jazzy, ela não indica o caminho, mas te sugere pensar: e se não houvesse essa diferença imposta? Como seria ser livre das amarras?

4) Chico Buarque e Gilberto Gil – Cálice

Apesar da liberdade ser linda quando desenhada, pouco se sabe como ela é na vida real. E alguns arriscam experimentá-la nas horas mais oportunas – e malandras. Chico e Gil, em 1973, combinam de apenas balbuciar as palavras ácidas de “Cálice”. Chico, contudo, decide mudar o caminho e passa a cantar com todas as letras. O resultado? É cortado seu microfone, simples assim. Mais instigante, impossível.

5) Michael Jackson – Man In the Mirror

Sim, é isso mesmo. Michael Jackson fechará esta lista, que poderia perdurar por muito mais tempo (e, quem sabe, ela não perdure em breve?). Michael fala o óbvio, mas que às vezes precisamos nos lembrar: se você quer fazer do mundo um lugar melhor, olhe para si mesmo e faça uma mudança.

Quer sugerir mais canções assim? Manda pra cá!

Plano-sequência: os melhores clipes brasileiros usando apenas um take

Dias atrás, compartilhei com vocês uma lista do site WatchMojo.com com um top 10 de clipes internacionais que usam apenas um take. Bom, depois daquilo, começaram a vir à cabeça diversas bandas brasileiras que usaram tal artifício. E como sou fã de listas, resolvi criar uma com clipes brasileiros com plano-sequência.

Pra começar, um que eu citei no post original e acabou me inspirando a criar esta lista. Ah, Rob Fleming, a culpa desse meu vício por listas é toda sua.

Os Paralamas do Sucesso – La Bella Luna Este chamou a atenção quando saiu. O negócio do plano-sequência foi muito alardeado na época, com making of passando direto na Mtv Brasil.

Ira! – Bebendo Vinho A versão do Ira! para a música de Wander Wildner ganhou um belíssimo clipe em plano-sequência com Nasi chegando em casa deprê e lamentando o roubo de seu cachorro Vênus.

Vespas Mandarinas – A Prova Este aqui, por incrível que pareça, é um plano-sequência e sem montagem: o guitarrista e vocalista Chuck Hipolitho programou seus celulares e os movimentos pra que tudo se encaixasse direitinho. Depois de muito planejamento, o resultado é esse:

Skank – Sutilmente Eu ia colocar “Três Lados”, mas só assistindo eu percebi que aquele tem alguns cortes que vão para a banda tocando. Bom, em “Sutilmente”, é plano-sequência o tempo todo. Dá pra notar uma inspiração no clipe de “1 2 3 4” da Feist, mas com a inovação de colocar o quarteto mineiro de lado, tocando na parede!

Caetano Veloso – Não Enche Não é o único plano-sequência de Caetano (agora tem também “A Bossa Nova é Foda”, mais ou menos), mas esse me marcou mais, já que passava direto na Mtv Brasil (e eu era um espectador assíduo do canal na época). Ver Caetano levando catiripapos em plano-sequência é incrível.

Los Hermanos – Todo Carnaval Tem Seu Fim O Los Hermanos no começo chupava bastante do Weezer. Essa música, por exemplo, tem o começo chupinhado diretamente “Getchoo” e o clipe é quase que uma versão de “Undone”.

Hateen – 1997 O “emo” do Hateen tem este clássico que lamenta relembrando o ano de 1997 com um rapaz caminhando pra lá e pra cá e passando pela banda. O triste é que ele se lembra de tudo que quer esquecer, o que deve ser muito foda pra ele.

Mallu Magalhães – Nem Fé Nem Santo Mallu passa por diversos cenários, lugares, dia, noite, chuva e até fogo sem sair do lugar.

Móveis Coloniais de Acaju – O Tempo Clipe gravado “ao vivo”. O que é escrito no vidro é a @ no Twitter enviado por fãs com a hashtag #TempoRealMoveisMtv.

Lurdez da Luz – Andei Pô, o próprio nome da música diz o que acontece no clipe. É basicamente isso.

Chico César – Mama África Ah, “Mama África”. Um grande clipe e o mais engraçado de se assistir no “Piores Clipes do Mundo” com o Marcos Mion (quando este era engraçado, há muitos e muitos anos atrás). Se você ainda não viu, assista os comentários do programa. Vale a pena.

Thiago Petit – Nightwalker A atriz Alice Braga caminha pela rua, te olha com seus olhos penetrantes e até faz uma coreografia no meio do caminho.

Gaby Amarantos – Xirley A madrinha do tecnobrega chega em casa e conta a história da moça que vai te servir um café coado na calcinha pra te enfeitiçar. Tudo sem cortes de câmera, é lógico.

A Banda Mais Bonita da Cidade – Oração Deixei um dos mais populares clipes em plano-sequência para o final, especialmente para que a música entre na sua cabeça novamente e não saia mais pelo dia de hoje. Isso é earworm pra ninguém botar defeito. Ah, e esse clipe gerou muitas versões feitas por fãs e famosos, todas em plano-sequência, é claro.

Esqueci de algum? Lembra de mais algum clipe brasileiro que usa o plano-sequência e merece palmas? Coloca aí nos comentários!