Canções inspiradas pelo mundo incrível das histórias em quadrinhos

Read More

Sinestesia, por Rafael Chiocarello

Quadrinhos colecionáveis possuem versões raras e uma legião de fãs. A Comic Con de San Diego (Califórnia) é uma das feiras mais famosas do mundo. Por aqui temos a versão brasileira e eventos que também dão espaço para a cultura geek (Fest Comix, Bienal de Quadrinhos, Festival Guia de Quadrinhos, Bienal do Livro…), além das livrarias, sebos e eventos especializados de menor escala.

Uma paixão sem limites e os épicos personagem e super heróis estão na linha de frente dos preferidos da galera. Não é por acaso que tamanha obsessão chegasse ao mundo da música. Afinal de contas, as artes sempre se complementam. Hoje conheceremos algumas canções que mergulharam nas páginas das HQ’s mais populares do mundo. Marvel ou DC? Bom, essa treta deixamos para vocês decidirem o lado da força que mais lhe agrada…

butcher-batman
O designer brasileiro Butcher Billy costuma fazer crossovers entre músicas e o universo dos quadrinhos

Batman Nã Nã Nã Nã Nã!

O Rancid pode não ser uma das primeiras bandas que pensaríamos no universo geek, mas em 1994, no lançamento do Let’s Go” – álbum que tem “Radio”, composição feita pelo vocalista Tim com Billie Joe (Green Day) – temos “Sidekick”.

Na letra, Tim Armstrong se auto-intitula Tim Drake e tem o papel de mostrar personagens secundários dos HQ’s. No caso o exemplo de Robin, fiel escudeiro de Batman sempre à margem de colher os louros. Outro citado na letra é Wolverine.

Um dos álbuns mais clássicos do The Jam, In The City” (1977), traz “Batman Theme”. Sim, literalmente o tema da saga em uma versão mod rock revival com pézinho na simplicidade do punk rock 77. Paul Weller dá todo um tom vintage ao clássico tema da saga do morcego.

O The Who, em 1966, também deixou seu registro, porém com uma linha mais  lisérgica e cheia de enfoque na bateria energética. Uma versão com um ar de surf rock e garagem um tanto quanto interessante.

Mas a minha versão favorita do clássico sempre será essa pérola gravada por um baita guitarrista, diga-se de passagem. Em 1989, a lenda Link Wray também quis deixar sua versão instrumental e dançante para o hit mais famoso de Gotham City.

Mas quem levou Batman para as pistas de dança foi Prince, com classe, funk e ousadia como sempre fez. A canção “Batdance” foi feita especialmente para o filme da saga de 1989. As guitarradas são um show a parte, com grooves e solos vibrantes.

Em 2002, Snoop Dogg se aventurou a homenagear o homem morcego. Só que dessa vez ele não deixou o Robin de lado e ao lado de Lady Of Rage Rbx fez uma versão mega original com rimas de tirarem o fôlego.

“No one, can save the day like Batman
Robin, will make you sway like that and
Beat for beat, rhyme for rhyme
Deep in Gotham, fightin crime
No one, can save the day like Batman”

Ainda no mundo do rap, Bow Wow em 2011 fez uma versão hip hop e agressiva para Batman. Com uma versão cheia de escárnio e quebrando toda a áurea celestial que o herói tem, os Garotos Podres vem para tirar a máscara de Bruce Wayne com sua releitura sarcástica de “Batman”.

“Hey seus bat palhaços, quem de vocês
Ainda não se lembra daquele idiota bat programa,
Que passava naquele imbecil bat canal,
Naquele cretino bat horário?

Há! velhos tempos, hein.
Quantas belas vomitadas nós dávamos quando assistíamos toda aquela idiotice,
Por isso agora escrachamos aquele bat retardado
Defensor do sistema, Batman!

Bat era um bom menino
Defendia Gotham City
Enquanto seu amigo Robin
Lhes botava um bat-chifre…”

De tanto fãs de Batman alimentarem que “I Started a Joke” dos Bee Gees ter referências a um dos maiores vilões da história em quadrinhos, as pessoas chegaram a acreditar que se tratava de uma letra homenageando o Coringa, um dos antagonistas mais queridos da história do cinema. Claro que a equipe do Esquadrão Suicida estava ciente de tal “menção” e em um dos 5000 trailers que soltaram antes do filme – o primeiro deles – contava com uma regravação de Becky Hanson.

Spider Man, Spider Man!

dance

O Homem-Aranha é um dos mais carismáticos quadrinhos da Marvel e um dos super heróis mais conhecidos. A lenda de Peter Parker ganha terreno no mundo da música até nos dias mais atuais.

É o caso do Black Lips, que em 2011 chegou com “Spidey’s Curse” no disco Arabia Mountain”, um blues garageiro moderno cheio de referências ao personagem por trás da roupa vermelha.

“Peter Parker’s life is so much darker than the book I read
‘Cause he was defenseless, so defenseless when he was a kid
It’s your body, no one’s body, but your’s anyways
So Peter Parker don’t let him mark ya, it’s so much darker
Don’t let him touch ya, he don’t have to stay!
Don’t fill a spider up with dread

Spidey’s got powers, he takes all of the cowards
And he kills them dead
But when he was younger, an elder among him messed him in the head
So Peter Parker don’t let him mark ya, it’s so much darker
Don’t let him touch ya, he don’t have to stay!”

Claro que nessa lista o clássico dos clássicos dos sons inspirados em quadrinhos não ia faltar. A versão dos Ramones para o tema de Spider-Man não poderia ficar de fora de maneira alguma, esta que foi gravada quase no fim da carreira da “Happy Family”, em 1995.

Uma das bandas que marcaram o movimento noventista das riot girls, Veruca Salt tem uma canção com referências ao Homem-Aranha, “Spiderman 79”.

“You’re so nice,
you tie me in a web
and cradle me till dawn.
You’re so deadly
that I can see your breath
beneath me when you’re gone.
You’re so windy,
I’d like to pin you down
and tack you to the wall.
Spiderman”

SUPERMAN!!

super-man

Se tem um personagem que é amado e odiado por muita gente é o Superman. Gostando ou não, ele é um dos mais marcantes e perde seu poder com a terrível kryptonita. É não deve ser fácil defender o sua por trás de sua capa.

Uma canção que cita a capacidade de voar do super herói é “Hit The Ground (Superman)” do The Big Pink. A canção está presente no álbum Future This” (2011) e inclusive estrelou a trilha de uma das edições dos jogos FIFA.

“…But if I fall off this cloud
If I fall off, oh superman
Oh Superman
I don’t wanna hit the ground (X3)
Oh Superman”

Outra canção que fala do super herói e marcou a geração viciada em vídeo games de console foi “Superman” dos ska/punkers do Goldfinger. Presente na primeira edição do jogo Tony Hawk’s Pro Skater, a canção fazia qualquer um terminar a fase do jogo se sentindo o verdadeiro Super Man!

“…So here I am
Doing everything I can
Holding on to what I am
Pretending I’m a Superman
I’m trying to keep
The ground on my feet
It seems the world’s
Falling down around me”

Os estranhões mais queridos do rock alternativo, The Flaming Lips, também prestam homenagem ao personagem na melancólica “Waitin’ For Superman” presente no álbum The Soft Bulletin” (1999).

“…Tell everybody
Waitin’ for Superman
That they should try to
Hold on
Best they can
He hasn’t dropped them
Forgot them
Or anything
It’s just too heavy for Superman to lift
Is it gettin’ heavy?
Well, I thought it was already as heavy as can be”

Em 1977, quem cedeu a voz para homenagear o homem voador foi Barba Streisand na bela “Superman”. O vozeirão transformou a odisseia do super herói em uma balada desesperada. A metáfora do herói de plano de fundo para uma paixão ardente.

“Baby I can fly like a bird
When you touch me with your eyes
Flying through the sky
I’ve never felt the same
But I am not a bird and I am not a plane
I’m superman
When you love me it’s easy
I can do almost anything
Watch me turn around, one wing up and one wing down
I never thought I could fall in love for good
I’m superman…”

Os anos 90 nos apresentaram o Spin Doctors e em 1993 eles lançaram “Jimmy Olsen Blues” que tinha como plano de fundo o universo do Homem de Aço.

“Lois Lane please put me in your plan
Yeah, Lois Lane you don’t need no Superman
Come on downtown and stay with me tonight
I got a pocket full of kryptonite
He’s leaping buildings in a single bound
I’m reading Shakespeare in my place downtown
Come on downtown and make love to me”

Existem homenagens interessantes ao azulão pelo Stereophonics, Taylor Swift, Eminem, 3 Doors Down, T. Pain, Alanis Morissete, Hank Williams Jr e até do Matchbox Twenty, mas para fechar as canções que homenageam o super herói eu escolhi o The Kinks. No fim dos anos 70 eles gravaram “(Wish I Could Fly Like) Superman” para o disco Low Budget” (1979).

Quadrinhos e Desenhos

bat

Debbie Harry e o grupo pop Aqua optaram por não darem nomes aos homenageados em fizeram homenagens um pouco mais genéricas. A estrela do Blondie vem com “Comic Books” onde eterniza sua paixão pelo mundo dos quadrinhos e sua adolescência. Já grupo de europop Aqua (sim, aqueles mesmos de “Barbie Girl”) são mais claros quando o assunto são “Cartoon Heroes” (1999).

“Long before I was 12 I would read by myself.
Archie, Josie, super-heroes.
I would read them by myself.
I had the stars on my wall.

14 was a gas for me.
Batman on tv.
I would cheer the super-heroes.
They were all I wanted to be.
I had the stars on my wall.

18 I was guaranteed.
I would lose my teenage dream.
But it’s so funny how I got to look.
Like all the people in my comic books.
Now I’m a star on my wall.

Comic books.”

“…We are the Cartoon Heroes – oh-oh-oh
We are the ones who’re gonna last forever
We came out of a crazy mind – oh-oh-oh
And walked out on a piece of paper

Here comes Spiderman, arachnophobian
Welcome to the toon town party
Here comes Superman, from never-neverland
Welcome to the toon town party

We learned to run at speed of light
And to fall down from any height
It’s true, but just remember that
What we do is what you just can’t do

And all the worlds of craziness
A bunch of stars that’s chasing us
Frame by frame, to the extreme
One by one, we’re makin’ it fun”

Flaaaaaash!

flash

The Flash, o personagem que gostaríamos de ver competindo com Bolt também foi alvo de homenagens no mundo da música. “The Ballad of Barry Allen” (2003) do Jim’s Big Ego narra a trajetória da persona que dá vida ao Flash, Barry Allen.

“….And I’ll be there before you know it
I’ll be gone before you see me
And do you think you can imagine
Anything so lonely
And I know you’d really like me
But I never stick around
Because time keeps dragging on
And on…”

Capitão América

O herói mais patriota da história dos quadrinhos, Capitão América, não ia ficar fora das referências. Na canção do Moe. “Captain America” também tem homenagem ao Superman.

“Captain America said you gotta be like me
Or you’re gonna wind up dead last
At the end of your rope
Flat broke
Down and tired
You sleepy head
Won’t you go to bed
Let me run your life
Lies

Clark Kent ran for president
No one knew about the secrets locked in his head
Friends tried to take his life
Accusations flew
Flew like Kryptonite
Clark still looking good
What you gonna say
To make everything alright
Lies”

O Justiceiro

Outro personagem da Marvel a ganhar notoriedade no universo da música foi O Justiceiro. Quem presta o tributo são os caras do Megadeth em “Holy Wars…The Punisher Due” (1990). E de quebra, para uma canção totalmente politizada, pois denuncia a violência dos conflitos na Irlanda do Norte conhecido como “The Troubles”. Aliás, o próprio U2 tem uma música sobre o assunto, é claro.

Ainda no mundo do metal temos o guitarrista Joe Satriani com sua homenagem ao Surfista Prateado em “Surfing With The Alien”. Ouça e flutue nessa viagem espacial.

Motoqueiro Fantasma

O Motoqueiro Fantasma ganhou uma homenagem que também entrou na trilha de “Taxi Driver”. A canção presente no primeiro álbum dos punks do Suicide (1977) tem uma alta voltagem e vive perigosamente assim como o personagem.

O pesquisador musical Henry Rollins, ex-Black Flag e Rollins Band também regravou uma interessante versão do clássico do Suicide.

Mas vamos fechar com um verdadeiro “achado” das HQ’s. Um rap que adapta Guerras Secretas originais da Marvel. Mas mais do que isso, a faixa possui uma colaboração do mestre Stan “the man” Lee. A faixa do The Last Emperor contém parte 1 e parte 2.

Quando artes convergem: músicas que foram inspiradas na literatura (parte 2)

Read More
"O Hobbit", de Tolkien
"O Hobbit", de Tolkien

Sinestesia, por Rafael Chiocarello


livros

Na semana passada a SINESTESIA trouxe uma lista com 7 músicas que foram inspiradas em livros. Muitas canções ficaram de fora, claro. Vocês pediram e o pedido de vocês é uma ordem: teremos parte 2.

O Senhor Dos Anéis

ring

Em 1988, no primeiro álbum da banda de speed metal alemão Blind Guardian, já tivemos homenagem a um dos livros preferidos dos nerds: “O Senhor dos Anéis” de Tolkien. O disco Battalions of Fear” (1988)  conta com quatro faixas que fazem referências diretas a lenda épica. São elas: “Battalions of Fear“, “Run For The Night”. Já “By the Gates of Moria” e “Gandalf’s Rebirth”, que são canções instrumentais, têm a referência no próprio nome.

Dois anos depois eles lançaram o disco Tales from the Twilight” (1990) que contém  “Lost in the Twilight Hall” esta que detalha de uma maneira um tanto quanto poética: a épica batalha entre Gandalf e o Balrog.

Confira os trechos que não deixam dúvidas sobre a inspiração:

“Caçado pelos Orcs, sem Gandalf para ajudar com as espadas da noite
Oh! A última parte do jogo, decisão de morte e vida, 
sangue de Souron eles pedirão esta noite

O grito da batalha final.” – “Battalions of Fear”Blind Guardian

“Eu vejo a colina mas ela está tão longe, eu sei que não posso alcança-la
Mas eu tento várias vezes em meus sonhos sombrios
Ele está destruindo minha última vontade, até quando eu poderei ficar aqui?
Quando o mais poderoso de todos chegar”  – “Run For The Night”Blind Guardian

 Mas não foi só o Blind Guardian que trouxe o tema “O Senhor dos Anéis” a suas letras. Temos um fã de Tolkien que não cansou de citar referências a ele em sua obra, e esse senhor atende pelo nome de Robert Plant. Sim, Led Zeppelin tem uma porção de letras com referências a “O Hobbit”, algumas são teorias de fãs após ele ter admitido a inspiração. Porém vamos falar de uma que deixou isso um tanto quanto claro: “Ramble On”:

“Foi nas profundezas mais obscuras de Mordor,
Eu conheci uma garota tão atraente
Mas Gollum, e o maligno se aproximaram
sorrateiramente e fugiu com ela, ela, ela, yeah”“Ramble On”Led Zeppelin
O Hobbit

hooo

Os temas épicos e aventuras épicas se repetem nas obra do Blind Guardian com inspirações em outros escritores como Stephen King, mas eles nos provam ser devotos de Tolkien. Dessa vez, o livro muda. Sai de cena “O Senhor dos Anéis” e entra “O Hobbit”.

Assim temos  “The Bard’s Song – The Hobbit” (Somewhere Far Beyond” – 1992) que fala sobre as aventuras de Bilbo Bolseiro do Tolkien.

“O amanhã nos levará embora, longe do ar, ninguém jamais saberá o nosso nome, mas as canções do Bardo permanecerão, o amanhã o levará embora, o medo de hoje, ele desaparecerá em nossas canções mágicas.” –“The Bard’s Song – The Hobbit”Blind Guardian

Mas de nerds o rock está repleto, afirmação que é mais verdadeira do que parece. O Rush é mais um exemplo de banda que deixou claro sua preferência pela literatura épica de Tolkien. Em “The Necromancer” do disco Caress Of Steel” (1975) temos referência a épica aventura de Frodo, Sam e Gollum em Mordor.
“…Os três viajantes, homens de Willowdale,
Surgem da sobra da floresta.
Passando pelo Rio Dawn, eles se viram para o sul, entrando
Nas escuras e proibidas terras do Necromante…””…O silêncio encobre a floresta
Enquanto os pássaros anunciam a alvorada
Três viajantes passaram pelo rio
E continuaram viajando para sul
A estrada é forrada de perigos
O ar é carregado com medo
A sombra de sua proximidade
Pesa como lágrimas de ferro”
“….O Necromante continua observando com olhos mágicos de prisma.Ele vê toda sua terra e já tem conhecimento
Dos três desamparados invasores presos em seu covil…
Meditando em sua torre
Observando toda a sua terra
Segurando cada criatura
Sem esperanças eles ficam
Olham destro dos prismas
Sabendo que estão perto
Leva-os até as masmorras
Espectros tomados pelo medo
Eles se curvam, derrotados” – “The Necromancer” – Rush

The Forbidden (“O Proibido”)

candcandyman
Talvez esse livro seja mais conhecido dos amantes da literatura de terror do que dos fãs da literatura em geral. E foi em “The Forbidden” (de Clive Barker), um livro de “terror”, que Paul Weller se inspirou para escrever “Dreams Of Children”. A faixa entrou no disco Compact SNAP!” (1983).

Em 1992, o livro ganhou uma adaptação para cinema “Candyman” (“O Mistério de Candyman”), um filme que tem todos elementos do terror slasher/thriller. O filme, que completou 14 anos no último dia 11/09, no site do IMDB está avaliado com um 6,5.

Na história do livro, um vendedor de doces mata criancinhas para ter a reputação de assombrar os sonhos delas.

“Sentei-me sozinho com os sonhos das crianças
salgueiros e alto edifício escuro
Eu peguei uma forma de os sonhos das crianças
Mas acordei suando deste pesadelo moderno e
eu estava sozinho, não havia ninguém lá

 Tive um vislumbre dos sonhos das crianças
 Eu tenho um sentimento de otimismo
 Mas acordei com uma imagem cinzenta e solitária
 As ruas abaixo me fazem sentir sujo,
 eu estava sozinho, não tinha ninguém ali” – “Dreams Of Children” – The Jam

Yertle The Turtle

turtle

O livro “Yertle The Turtle” (1958) de Dr. Seuss (Theodor Seuss Geisel) é um livro repleto de ilustrações, mas nem por isso fez com que os Red Hot Chili Peppers deixassem passar batido. Em 1985, os californianos lançaram em “Freaky Styley” uma faixa de mesmo nome da obra de Dr. Seuss.

A história do livro é simples e a personagem é um pouco digamos “do mal”. A tartaruga macho Yertle não fica contente com a sua posição e então instrui as outras tartarugas para que virem seu trono para que assim ele possa ver melhor. Claramente com essa ideia de jerico ele acaba machucando as outras tartarugas… Só que ele não dá a mínima. Como uma boa fábula, ele tem seu revés. Uma hora a tartaruga que está na base – sobrecarregada com o peso de todas as outras – se cansa e começa a se mexer para sair lá debaixo. Nisso, Yertle é arremessado para longe do trono… Caindo literalmente na lama. Assim ele se torna Yertle, o “rei da lama”.

O Senhor das Moscas

flies

Acredite se quiser, mas até o Offspring tem letras com referências literárias. Em 2008 eles lançaram o disco Rise and Fall, Rage and Grace” e ele continha uma canção que pode ser considerada um hit menor dentro da discografia do conjunto californiano, “You Gonna Go Far, Kid”.

Poucos sabem, mas a canção tem referências a um livro vencedor de prêmio Nobel – da edição de 1983 – “O Senhor das Moscas” (1954) de William Golding. Uma curiosidade é que neste sábado (17) a obra completa 52 anos de sua primeira publicação. A obra de ficção juvenil inclusive teve duas adaptações para o cinema, a primeira em 1963 e a segunda em 1990.
Além da referência estar presente logo no nome com uma das principais linhas do livro temos outras frases que são transcritas diretamente da obra para a canção. “Álibis espertos / Senhor das moscas“, “Virando todos contra um” que se refere a todas crianças virando as costas para Piggy e Simon. Já “Com mil mentiras / E um bom disfarce / Acerte ela bem no meio dos olhos” se refere ao plot do livro por si só, sendo um breve resumo da obra.
Mas claro que o refrão que ia ser o trecho mais significativo: “E agora você foca o caminho / Mostre a luz do dia / Fez um bom trabalho / Você vai longe, garoto

O Jogo do Exterminador

enders

Se começamos a lista com o pesado do metal, vamos terminar com algo mais leve, acústico e bastante emotivo. Quem desta vez apelou para o recurso literário como influência direta em sua criação foi o Dashboard Confessional em “Ender Will Save Us All”.

No título em inglês, o livro chama “Ender’s Game” e foi publicado em 1985 por Orson Scott Card. Tendo anteriormente se originado como o conto “Ender’s Game”, publicado em 1977 na edição de agosto de revista de ficção científica Analog Science Fiction and Fact.

Na saga, Ender tem supostamente a missão de salvar o mundo acabando com uma espécie inteira. A letra da canção em sua maioria interpreta o sentimento conflitivo de Ender tem enquanto lutava para o  “salvar o mundo”.

Afinal de contas, durante esta solitária batalha, ele está sendo completamente rejeitado por ele.Tudo isso se traduz nessa linha com certa intensidade: “Um olhar de esperança envolto em desprezo”. Uma outra referência que fica divertida de saber é que Ender é o nome do meio de um dos membros do Dashboard, então fica de certa forma uma letra um pouco “ambígua” e confessional.

Quando artes convergem: músicas que foram inspiradas na literatura

Read More
Kate Bush
Kate Bush

Sinestesia, por Rafael Chioccarello

O mais lindo do mundo das artes talvez seja como o olhar clínico de seu receptor altera toda a perspectiva sobre algum fato, ato ou história. Isso é mágico e de certa forma quando alguém com um repertório significativo e um universo imaginativo livre de limites e preconceitos compartilha esse conhecimento: se transforma em mais arte.

Hoje vamos viajar pelo mundo fantástico das entrelinhas, não necessariamente no realismo fantástico de Neil Gaiman ou Gabriel Garcia Marquez mas em como o mundo da literatura – na mão de bons compositores – ganha uma nova página na história da música. Nada mais propício após o encerramento da vigésima quarta edição da Bienal do Livro de São Paulo.

literatura

A canção “Killing An Arab” do The Cure foi escrita em 1978 e inspirada pelo livro “O Estrangeiro” (1942) da fase filosófica “absurdista”/existencialista do escritor francês Albert Camus.

A história é simples porém intrigante e atual de certa forma, se vermos os recorrentes conflitos entre França e o mundo árabe. Para quem não sabe, a Argélia é um país onde aconteceu uma dominação/colonização francesa e seus colonizados se tornaram súditos do reino francês. No roteiro, um homem franco-argelino é o protagonista. E dias após o funeral de sua mãe, mata um árabe que estava em um conflito com um amigo.

O personagem, que atende pelo nome de Meursault, é preso e sentenciado a pena de morte. O autor utiliza de um recurso literário interessante – e intrigante – em que a história é a subdividida em duas partes. A primeira contando sua perspectiva e pensamentos em primeira pessoa dos ocorridos antes e outra depois do assassinato.

Um fato interessante é que o livro inicialmente não foi um sucesso comercial, tendo vendido apenas cerca de 4 mil cópias. Mas nada como o livro cair na mão da pessoa certa, não é mesmo?  No caso foi ninguém mais ninguém menos que Jean-Paul Sartre, que escreveu um artigo explicando o livro com suas interpretações pessoais. Depois disso, o livro teve seu sucesso por assim dizer, sendo considerado um clássico da literatura do século XX.

A canção do The Cure é polêmica e gerou certa dor de cabeça para Robert Smith. Tudo isso por pura ignorância de quem leva a canção literalmente ao pé da letra. Alguns alegaram que a faixa promove violência contra os árabes, chegando ao disco de singles, Standing On The Beach” (1986) a ser comercializado com um adesivo alertando sobre o conteúdo “racista”.

Ao saber desse fato ~queima filme~ Smith mandou descontinuar essa prensagem com medo de que as vendas do álbum se tornassem um grande fracasso. Após anos colecionando polêmicas pós-acontecimentos midiáticos como a guerra do golfo e o 11 de setembro, em 2005 eles voltaram a incluir a canção em seus sets porém com a letra modificada para “Kissing An Arab”. Por essa Albert Camus jamais sonharia.

Após o sucesso da trajetória meteórica de Ziggy Stardust por esse planeta e um dos mais incríveis álbuns da carreira de David Bowie, chegávamos ao ano de 1973. E ele continuava na crista da onda, numa fase regada de excessos, purpurina e viagens psicodélicas, a ponto de, conectado ao art rock nova iorquino, se aventurar a fazer um álbum inteiro baseado em um dos maiores clássicos da literatura mundial: 1984″ (1948) de George Orwell.

Claro que este só foi o ponto de partida para Diamond Dogs” (1973), pois ele reimaginou a versão glam pós apocalíptica dos temas totalitários da obra do escritor. Como a maioria das pessoas sabe, Bowie era um artista completo e moda, cinema, teatro e música eram extensões de sua arte. A ideia inicial era fazer uma produção teatral do livro, porém Orwell barrou. Sério gente, que ERRO! Teria com certeza ficado incrível, algo na linha “Rocky Horror Picture Show de 1984.

O álbum também marca o fim da era do personagem Ziggy Stardust. Em seu lugar entra Halloween Jack e teve como um dos primeiros singles a ser lançados “Rebel Rebel”. Preciso descrever o visual de Bowie nessa nova fase? Acho que todos já mentalizaram.

Um detalhe interessante é que a prensagem original do disco termina com o barulho: “Bruh/bruh/bruh/bruh/bruh“, que para quem já leu o livro ou viu o filme do 1984 logo identifica como primeira sílaba de “(Big) Brother” sendo repetida incessantemente. Tão o jeito Bowie de perturbar.

Com certeza você já ouviu “Sympathy for the Devil”, sendo fã dos Rolling Stones ou não. Mas poucos sabem a origem da canção: alguns mais preconceituosos cravam como Jagger vendendo a alma para diabo ou algo do tipo, pois desconhecem a real inspiração para a canção que vem diretamente do mundo da literatura.

A faixa que integra o disco Beggars Banquet” (1968) foi composta pela dupla Keith Richards e Mick Jagger. Originalmente, a canção chamava – durante o período de composição – “The Devil In Me” e Jagger cantava seus versos sendo o diabo em pessoa e se gabava do seu controle sobre os eventos da humanidade. Não sei o que seria do mundo se essa versão tivesse sido a final, mas o caos estaria instaurado, já que na versão mais “light” deu toda a polêmica satanista que temos conhecimento.

Em 2012, Mick Jagger afirmou que na verdade a inspiração para a letra veio de dois escritores: o poeta francês (e tradutor de Edgar Allan Poe) Charles Baudelaire e de “O Mestre e a Margarita” do russo Mikhail Bulgakov, além de creditar o estilo a narrativa do estilo das composições de Bob Dylan. Para deixar a atmosfera mais quebradiça e “torta”, Keith Richards deu a ideia de mudar o tempo da canção e adicionar percussão, assim transformando a antes canção folk em algo perto de um samba feito por britânicos.

O livro russo traz uma curiosidade um tanto quanto diferente. Escrito entre os anos de 1928 e 1940, ele só foi publicado em 1967. Alguns dirão claramente que foi por censura, devido ao teor político bastante forte, já que seu roteiro fala sobre a visita do demônio à URSS durante o período de crescimento do ateísmo na região. Alguns críticos consideram a obra uma das melhores do século XX, muito por conta das sátiras bem humoradas da descrição dos arquétipos soviéticos.

Se você gosta de Florence & The Machine, Cat Power, Bjork, St Vincent, PJ Harvey, Madonna, Ladyhawke, Bat For Lashes e Goldfrapp, deveria agradecer pela existência da Kate Bush. Todas artistas foram influenciadas crucialmente pela artista. A canção “Wuthering Heights” foi o single de estreia da Kate para o mundo em 1978 e foi direto pro topo das paradas do UK.

A composição foi escrita por Kate Bush aos 18 anos e é inspirada num livro de mesmo nome, que em português foi traduzido como “Morro dos Ventos Uivantes”. Mas o que poucos sabem é que até então ela nem tinha tido contato com a obra literária e sim com uma adaptação para mini-série feita pela rede de televisão britânica BBC.

A letra é inspirada nos últimos 10 minutos da adaptação que foi ao ar em 1967. Sim, a letra já tinha 10 anos quando tivemos o lançamento consumado. Depois claro que Kate foi atrás do livro e descobriu um fato: ela faz aniversário no mesmo dia da escritora Emily Brontë, 30 de Julho.

O livro trata-se de um romance do período gótico da literatura, é a única obra da escritora, e foi lançado em 1847. Ou seja: no ano em que Bush assistiu a mini-série na TV a obra estava completando seus 120 anos. Hoje em dia é considerado um dos clássicos da literatura inglesa do século XIX. Em 1993, os metaleiros do Angra regravaram a canção para seu álbum de estreia, Angels Cry”. Repare na apresentadora do programa da Rede Mulher tirando onda com André e Kiko (que fazem um playback  muito do safado, já que o programa não tem nada a ver com a banda).

Vocês com certeza já ouviram falar da Clarice Lispector, mas talvez não da canção “A Hora da Estrela” do Pato Fu. 30 anos depois do lançamento do último livro publicado em vida da escritora, a faixa está presente no álbum, “Daqui pro Futuro” (2007).

Durante entrevista com a banda em 2007 para o portal UOL em que questionaram o fato eles responderam:

“Tem a ver e dá para se fazer uma leitura. Quem conhece a obra dela vai encontrar a história do livro. Mas também tem outra leitura sobre pessoas que querem virar estrelas e fazer sucesso. Elas acham que parece fácil virar a vida em um clique, mas isto exige talento. O livro é uma referência muito preciosa. Sobre a literatura: nós lemos desde Stephen King a Clarice Lispector, de tudo um pouquinho, os temas são muito variados. Como viajamos muito, temos que ter sempre um livro a mão.”

“Epitáfio” dos Titãs teve sua inspiração em um poema de Nadine Stair. O curioso foi que a poetisa americana no momento que escreveu sua prosa tinha 85 anos de idade. Realmente, se pararmos para ler o poema, notamos a similaridade com a composição de Sérgio Britto:

“Se eu pudesse viver novamente a minha vida,
na próxima trataria de cometer mais erros.
Não tentaria ser tão perfeito, relaxaria mais.
Seria mais tolo ainda do que tenho sido, na verdade
bem poucas coisas levaria a sério.

Seria menos higiênico, correria mais riscos, viajaria mais,
contemplaria mais entardeceres, subiria mais montanhas,
nadaria em mais rios.

Iria a mais lugares onde nunca fui, tomaria mais sorvete e menos lentilha,
teria mais problemas reais e menos problemas imaginários.

Eu fui uma dessas pessoas que viveram sensata e produtivamente
cada minuto da sua vida; claro que tive momentos de alegria.

Mas, se pudesse voltar a viver, trataria de ter somente bons momentos.
Porque se não sabem, disso é feito a vida, só de momentos.

Não percam o agora.
Se eu pudesse voltar a viver, começaria a andar descalço no começo da primavera e
continuaria assim até o fim do outono.

Daria mais voltas na minha rua,
contemplaria mais amanheceres e brincaria com mais crianças,
se tivesse outra vez uma vida pela frente.

Mas, como sabem, tenho 85 anos
e sei que estou morrendo.” Poema datado de 1935

Um clássico de Marisa Monte, “Amor I Love You” também bebe das fontes literárias. Se você já fez vestibular em algum momento de sua vida provavelmente lembrará do famoso trecho que Marisa homenageia na canção. Afinal de contas, “Primo Basílio” (1878) de Eça de Queiroz é recorrente nas listas de livros obrigatórios para o processo seletivo.

A canção que foi hit no ano 2000 em todo país chegou a ser indicada na categoria de melhor canção brasileira no Grammy Latino, foi tema da novela “Laços de Família” (TV Globo) e teve seu videoclipe premiado na categoria “Melhor Videoclipe de MPB” no VMB.

Na faixa o trecho é recitado pelo Arnaldo Antunes, ex-Titãs, de maneira poética:

“…tinha suspirado, tinha beijado o papel devotamente! Era a primeira vez que lhe escreviam aquelas sentimentalidades, e o seu orgulho dilatava-se ao calor amoroso que saía delas, como um corpo ressequido que se estira num banho tépido; sentia um acréscimo de estima por si mesma, e parecia-lhe que entrava enfim numa existência superiormente interessante, onde cada hora tinha o seu encanto diferente, cada passo condizia a um êxtase, e a alma se cobria de um luxo radioso de sensações.”

Para fechar escolhi uma música nada óbvia de um dos grandes artistas do Brasil, Zé Ramalho. “Admirável Gado Novo” (1979), consegue fazer a história da agricultura do interior do país dialogar com logo dois clássicos da literatura mundial: “Admirável Mundo Novo” (Aldous Huxley) e “1984” (George Orwell).

O romance de Huxley narra um hipotético futuro onde as pessoas são pré-condicionadas biologicamente e condicionadas psicologicamente a viverem em harmonia com as leis e regras sociais, dentro de uma sociedade organizada por castas.

Assim vemos o tom forte da canção criticando a falta de mobilidade social. A ilusão de que as coisas vão melhorar mesmo trabalhando abaixo de circustâncias sub-humanas. Em “Cidadão”, Zé também mostra o sofrimento e dificuldade da classe operária em conseguir cravar seu espaço na sociedade.

A canção ganhou um fôlego em 1996 quando entrou para a trilha da novela “O Rei do Gado”. Cássia Eller no ano seguinte regravou para o álbum Música Urbana” (1997).

Ecléticas e envolventes: conheça as pérolas escondidas nas trilhas dos jogos da FIFA

Read More
FIFA Soccer

Sinestesia, por Rafael Chioccarello

Hoje não vamos falar de cinema, muito menos de série. Mas nem por isso trilha sonora vai ficar de fora, é claro. Ainda em meio a clima olímpico e ouro inédito no futebol masculino vamos falar de outra paixão nacional: vídeo games.

ALLEJO
Allejo, o eterno “Pelé” do jogo International Superstar Soccer (SNES)

Recentemente vimos um vencedor de prêmio Puskas, o até então semi-desconhecido Wendell Lira, virar gamer profissional. O jogador que pouco tempo após o gol – marcado pelo Goianésia durante o modesto campeonato goiano –  foi dispensado do time que disputa a quarta divisão do campeonato nacional.

Após a fama “meteórica”, ele teve propostas de times do Brasil todo, acabou até fechando um contrato com o Vila Nova (Goiás) que após 3 jogos foi rescindido. Ele até teve propostas de outros clubes como o Audax (do Vampeta – ex-Corinthians e pentacampeão), mas aos 27 ele “aposentou as chuteiras” e migrou para o futebol de apartamento.

Sobre sua decisão, Wendell até falou um pouco para o Uol no fim de julho:

“Decidi que é hora de parar”, disse o jogador em vídeo promocional. “Várias situações me motivaram a essa decisão. O gol marcou minha carreira, foi inesquecível, mas eu tive muitas desilusões no futebol. Infelizmente há pessoas boas, mas há pessoas muito ruins no futebol, que não pensam na família ou no jogador.

Tive muitos problemas e como eu já era um apaixonado por games, recebi uma proposta muito boa para iniciar este projeto, que me levaria a ter um futuro melhor, já que no futebol teria mais três ou quatro anos de carreira em um nível intermediário. Todos sabem a dificuldade dos clubes menores. Foi a melhor decisão”

Caso se interesse por saber mais sobre o novo rumo de Wendell dentro das quatro linhas – virtuais – do FIFA fique por dentro através de seu canal de youtube WLPSKS.

FIFAR
“Os bugs” de FIFA costumam fazer sucesso na internet

No dia 27 de setembro (29 no resto do mundo) chegará ao mercado norte-americano a vigéssima quarta edição da franquia de games FIFA. Um game muito esperado, pois será a primeira que teremos o adendo do futebol feminino, algo que é pedido já a muitos anos e que FINALMENTE ganha espaço. Outra novidade será que veremos os treinadores “trabalhando” de dentro do campo e será possível interagir com eles.

Muita coisa mudou desde o início do jogo que foi ao mercado pela primeira vez no fim de 1993 e já passou por um número vasto de consoles, tendo até desdobramentos como Fifa Street e Fifa World Cup. Muitas ligas foram adicionadas, direitos de imagem foram negociados e os gráficos a cada ano que passam ficam mais realistas. Sem esquecer, claro, da jogabilidade, do modo “manager” de carreira e das trilhas sonoras. E é neste ponto que queria chegar: vocês já pararam para prestar atenção nas pérolas que as soundtracks de FIFA possuem?

Hoje irei fazer algo diferente: ao invés de dissecar faixa a faixa a trilha de uma edição, vou escolher algumas para destacar. Acredite se quiser, vocês irão se surpreender. E funcionará perfeitamente como aquecimento para revelação da trilha de FIFA ’17 – algo guardado a sete chaves pela equipe da EA SPORTS.

Em 2016 tivemos a aparição da banda brasileira sensação: Baiana System. Misturando o axé baiano, o som dos som sistemas, reggae, cumbia, afroxé e beats eletrônicos que têm conquistado não só o coração dos brasileiros, mas o mundo. No game, “Playsom” traz toda essa conexão Brasil-Kingston-Berlim para nossos ouvidos. Quem já pôde vê-los ao vivo nos conta que a energia da combinação destes ritmos é envolvente como a energia de uma escola de samba.

Ainda na trilha de 2016, quem traz a energia para as pistas de dança é o grupo colombiano Bomba Estéreo. Com a explosão do reggaeton e o sucesso de M.I.A., este tipo de som têm ganhado adeptos ao longo dos anos. Eles se denominam como eletro-tropical ou cumbia psicodélica. O que importa é que é ficar parado não é opção após o play:

Mas fiquem calmos que a última edição não tirou o espaço do rock alternativo – que sempre tem espaço nas trilhas do jogo – da área. E porque não uma banda portuguesa que tenho contato a alguns anos e transmite uma energia muito boa, o X-Wife?

A música que participa da soundtrack é “Movin Up”, que tem uma levada lo-fi descompromissada misturada com beats eletrônicos e metais. Segue aquela linha do Cansei de Ser Sexy e Bombay Bicycle Club. Certamente irá conquistar fãs de Arctic Monkeys, Kasabian e The Knife:

Direto da terra do Tame Impala e com influências de Of Montreal e Devendra Banhart e do polêmico Kanye West vem o The Griswolds. Aliás, ela é altamente recomendável para fãs de Passion Pit, tendo inclusive excursionado juntas. Na tracklist de FIFA ’15 eles aparecem com a festiva e inocente “16 years”.

Dez anos após o lançamento do icônico álbum de estreia, o duo canadense Death From Above 1979 lançou seu segundo disco. Muitas faixas estavam “engavetadas” do primeiro trabalho e soam como continuação do disquinho. Para coroar toda essa espera, a trilha de FIFA ’15 conta com “Crystal Ball”, uma canção para fritar na pista de dança.

Em 2014 quem chegou “tombando” tudo foi Karol Conka. Mas a canção que embala o tom da prosa não foi “Tombei”, e sim “Boa Noite”. A rapper curitibana mostrou seu poder e som contagiante desde então em uma subida que parece não ter limites:

Mas é nas diferenças que as trilhas de FIFA ganham seu brilho. Representando a música inglesa e seu rico cenário eletrônico temos o Crystal Fighters que em 2013 chegou junto com seu eletro-folk tribal. A festa ficou ainda mais contagiante ao som da eletrizante, “Follow”:

Misturando rumba, flamenco, música eletrônica e música latina direto da Espanha temos a Macaco. Assim como o Gogol Bordello, o conjunto catalão contém membros de países do mundo todo (Brasil, Suécia, Camarões, Venezuela e Espanha), e tem na mistura sua força motriz. No FIFA ’12, “Una Sola Voz” está presente na trilha. O grupo já esteve presente no FIFA ’09 e FIFA ’10 com respectivamente “Moving” e “Hacen Falta Dos”.

A  Ana Tijoux é francesa de nascimento mas escolheu o Chile como terra de coração e solta suas rimas com primor em “1977”, faixa que faz parte de seu quinto álbum solo, que teve sucesso tanto na América Latina como nos EUA. A soundtrack de FIFA ’11 não foi a única que a utilizou: a série Breaking Bad também adicionou a cantora a seus discos de cabeceira.

Uma das mais emblemáticas e importantes bandas do ska argentino não ia ficar de fora dessa festa: com todo gingado boleiro, Los Fabulosos Cadillacs faz um gol de placa – na trilha de FIFA ’10 – com “La Luz del Ritmo”.

O consagrado duo norueguês de música eletrônica Röyksopp dominou no peito e após driblar o adversário bateu para o gol com a viajante “It’s What You Want”. O som deles mistura o ambient, o house, o drum & bass com ritmos latinos. Um destaque que quem joga não verá – se não procurar no Google – é o visual excêntrico dos estranhões que em sua carreira tem uma indicação para o Grammy.

As descobertas não param e direto da Bélgica – um país que tem uma diversidade musical incrível – temos Zap Mama. Se eu não tivesse lido que a artista é de lá eu jamais chutaria que é belga, porém o som me deixou intrigado desde a primeira nota. É uma loucura sonora de um mistura interessantíssima: hip-hop, nu soul com elementos de jazz e pop. Com raízes musicais africanas, ela canta em inglês e em francês. Na trilha de FIFA ’10 ela aparece com “Vibrations”.

Voltemos ao bom e velho rock’n’roll: em 09′ quem deu as caras foram os escoceses do The Fratellis com “Tell Me a Lie”, canção presente no segundo disco do grupo – Here We Stand” (2008). O grupo liderado por John Fratelli ficou sem lançar nada até 2013, após neste período anunciar um longo hiato e John se arriscar em carreira solo.

Uma das canções mais conhecidas das gêmeas idênticas do The Veronicas, “Untouched”, está presente –  no jogo de ’09 – com seu eletropop/alternativo. Uma curiosidade é que , ex-Holly Tree, lá em 2008 tocou como guitarrista no conjunto.

Em 2008 uma das bandas que eu mais gosto da Australia, The Cat Empire, entrou na trilha do game com o hit “Sly”. O mais curioso é que o som da banda tem uma veia latina fortíssima com seu jazz que mistura ritmos latinos com o ska, o funk, o rock e até um pouco da salsa. Já pude presenciar o show deles em três oportunidades e digo e repito: Não perca de jeito nenhum em uma futura visita ao país.

No mesmo ano temos uma banda da Alemanha, mas calma: não vou anunciar mais um gol do Khedira, por mais que o grupo represente muito bem a música pop germânica. Lembro quando ouvi pela primeira vez a canção “Nur Ein Wort” na MTV Europa e ter escrito num post-it para baixar depois – em meados de julho de 2005 (9 anos antes do fatídico 7×1).

Enfim, na trilha temos Endlich Ein Grund Zur Panik”, canção que conta com um divertido clipe que “tira onda” com a imagem dos super heróis e vale a pena apertar o play. 

Em 07′ a Coréia do Sul foi representada pelos “bizarros” e aleatórios Epik High. A canção não é muito minha cara com seu hip hop made in Seoul. Porém a título de curiosidade segue o o clipe de “Fly”:

Mas se estamos falando de música diferente feita ao redor do mundo, porque não um Nu Metal italiano? E assim chegamos a soundtrack de FIFA 06′ com Inno All’Odio” do LINEA77. Eu não sei vocês, mas eu nunca tinha parado para imaginar Nu Metal feito em italiano e achei de certa forma cômico. 

Para fechar a lista de alguns dos muitos destaques e pérolas dos últimos 10 anos da trilha sonora da série de games FIFA, um clássico. Sim, já podemos afirmar tranquilamente que “Daft Punk Is Playing at My House” do LCD Soundsystem, um dos grandes clássicos dos 00’s.

E desta forma encerramos os trabalhos por hoje com novos sons para agitar sua playlist e também fazer a trilha daquela pelada no fim de semana. Arranje uma caixa de som e bom jogo!

“Death Proof”: a trilha de Tarantino à prova de críticas

Read More
Death Proof

Sinestesia, por Rafael Chioccarello

Hoje vamos falar de uma trilha sonora de tirar o fôlego. Sangrenta, voraz, perversa, dura, arriscada e à prova de morte. Pois é, hoje subimos a bordo do carro mais indestrutível de Hollywood em mais uma odisseia de Quentin Tarantino.

Quen

Antes de qualquer coisa temos que saber que Death Proof” (“À Prova de Morte” – 2007)  faz parte da saga “Grindhouse” (2007), que foi co-escrita, produzida e dirigida por Robert Rodriguez e Quentin Tarantino e que conta também com o filme Planet Terror” (“Planeta Terror” – 2007, de Robert Rodriguez).

Uma curiosidade à parte está na parte de divulgação do projeto, que inclui trailers fictícios para atrações, comerciais e anúncios de teatro, assim explorando ainda mais a transmídia do “produto final” e inovando esse segmento.

Grind House (Death Proof)

“Ao cair da noite, Jungle Julia (Sydney Tamiia Poitier), a DJ mais sexy de Austin, pode enfim se divertir com as suas duas melhores amigas. As três garotas saem noite adentro, atraindo a atenção de todos os freqüentadores masculinos dos bares e boates do Texas. Mas nem toda a atenção é inocente. Cobrindo de perto seus movimentos está Stuntman Mike (Kurt Russell), um rebelde inquieto e temperamental que se esconde atrás do volante do seu carro indestrutível.” (Sinopse por AdoroCinema)

O filme conta com uma fotografia incrível em tons mais escuros. Claro, em parte temos isso por ser um filme de terror. Alguns inclusive encaixam a saga “Grindhouse” como um filme B, porém refinado.

Briga

A narrativa e a velocidade dos acontecimentos e personagens com personalidades fortes também são uma marca do plot. Tarantino neste filme empodera os personagens femininos que, diferentemente dos roteiros convencionais, comandam o rumo da história.

Mas sem SPOILERS, pois é um filme que merece ser assistido mais de uma vez para não se perder um segundo desta trama que deixa tudo de cabeça para baixo – e seu queixo caído. Vamos então a uma das soundtracks mais elogiadas de toda carreira de Tarantino, por mais que a que tenha levado o Oscar tenha sida a de seu mais recente filme, The Hateful Eight” (“Os Oito Odiados” – 2015).

Logo de cara já temos a belíssima – e instrumental – “The Last Race”, uma antiga canção de Jack Nitzsche datada de 1965. As ondas surfadélicas dão todo o ritmo da prosa. A canção também é o tema do filme Village Of The Giants” (1965), que explora a ficção científica mesclada com o gênero da comédia.

Seguimos com “Baby It’s You” (1969) do A Group Called Smith, que foi uma banda californiana do fim dos anos 60 que bebia da fonte do blues e do melhor do groovie de artistas como Etta James, Tina Turner e beirava a psicodelia. A canção que estrela o filme é uma versão de Burt Bacharach, um pianista nascido no começo do século XX que ao longo da carreira ganhou 6 Grammys por suas composições.

O maestro preferido de Tarantino não poderia ficar de fora, não é mesmo? Em Death Proof” Ennio Morricone entra na trilha sonora com a canção “Paranoia Prima”. Vale lembrar que não é a primeira vez que ela aparece na sétima arte. Ennio compôs ela para o filme “O Gato de Nove Caudas” (1971), do lendário diretor de cinema italiano Dario Argento. Outra canção que também toca no filme – mas que não entrou para o disco da trilha – é “Violenza Inattesa”.

Para dar uma incrementada na narrativa da soundtrack, Tarantino coloca um diálogo do filme na quarta faixa do disco. Nele, o vilão do filme conta de seu plano macabro para “dopar” suas vítimas indefesas.

Quem chega chegando com um clássico literalmente sacado da cartola é Marc Bolan com “Jeepster”, um clássico do T.Rex. A canção está presente no disco Electric Warrior” (1971), o sexto lançamento do grupo, sendo considerado um dos discos fundamentais do rock inglês. Outro hit do disco é “Get It On”, ou seja, veredito: discaço!

Para deixar a atmosfera ainda mais feroz, Tarantino coloca um diálogo entre o personagem Stuntman – nosso motorista impiedoso – e uma de suas vítimas.

Com uma veia mais sagaz, espírito do funk/blues e soul music temos “Staggolee” (1970) do grupo Pacific Gas & Eletric. Os vocais mais melódicos e bem cantados têm origem na música gospel americana. Inclusive o maior hit da banda está presente nesse mesmo disco, mais precisamente na faixa “Are You Ready” que tem essa levada mais espiritualizada.

Na sequência temos Joe Tex com a balada romântica cheia de groove e melodia “The Love You Save”, canção datada de 1966 e um dos destaques do southern soul americano das décadas de 60/70. Funk, blues e gospel é a essência do som do texano.

Do Alabama, mas criado no estado do Michigan, temos outra lenda viva na trilha que atende pelo nome Eddie Floyd. Com as mesmas raízes musicais do Pacific Gas & Eletric e Joe Tex temos uma tríade que bebe do southern soul e do R&B. Tarantino escolheu para o filme “Good Love, Bad Love”.

Uma das cenas imortalizadas na memória dos fãs de Tarantino com certeza é a cena de lap dance de Death Proof”, tanto pela sensualidade explícita como pela incrível trilha de “Down In Mexico” do The Coasters.

Não é à toa que a canção escrita por Jerry Leiber e Mike Stoller chegou ao oitavo lugar da parada R&B em 1956. Uma curiosidade: a versão que entrou no filme é uma regravação feita em 1970.

Para chegar chutando tudo para o alto e aumentar o volume quem chega é Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich com o clássico garageiro “Hold Tight”. O single foi lançado em 1966 e chegou ao quarto lugar das paradas britânicas e foi escrita por Ken HowardAlan Blaikley.

Mais uma vez de olho na Itália, Tarantino nos traz o pianista Pino Donaggio com a dramática “Sally & Jack”. A canção também está presente no filme Blow Out” (1981) de Brian De Palma, estrelando John Travolta e Nancy Allen, um slasher movie. Bons entendedores de filmes de terror lembrarão.

Para deixar tudo mais rock’n’roll e caótico temos “It’s So Easy” do Willy Deville, um músico que viveu de sua guitarra com seu blues que mesclava ritmos latinos, country e uma infinidade de estilos folclóricos. A canção também está presente na soundtrack do filme Cruising” (1980).

Chegando à beira do abismo, Tarantino apimenta a trilha com um diálogo mais ríspido entre as garotas do filme. Para deixar o clima lá no alto com uma percussão marcante de tambores, cítara e muita tensão em seguida temos Eddie Beram com “Riot In The Thunder Alley”, canção instrumental que também figura na soundtrack do filme Thunder Alley” (1967).

A cartunista April March, nascida como Elinor Blake é uma cantora que canta tanto em inglês como em francês. Inclusive, Elinor inclusive atua no filme e vou deixar a tarefa de descobrir quem é a personagem dela para vocês. Acharam que iam ter tudo de mão beijada? No filme a canção escolhida é “Chick Habit” (1995). A versão francesa da canção também está na trilha mas não entrou no disco.

Também figuram a trilha e não foram incluídos no disco: Guido & Maurízio com a fugaz e funkeada “Gangster Story”,  a trilha a la 007 de Franco Micalizzi com “Italia A Mano Armata”, Stelvio Cipriani com a orquestrada “La Polizia sta a guardare”, o funk good vibes “Funky Farfare” de Keith Mansfield e “Twisted Nerve”, que também aparece em “Kill Bill” e reforça ainda mais a teoria apocalíptica de que todo filme do Tarantino é interligado.

American Pie: a primeira trilha sonora adolescente é inesquecível

Read More
American Pie

Sinestesia, por Rafael Chioccarello

Em 1999, o mundo conhecia “American Pie – A primeira vez é inesquecível”. Na mesma linha de filmes como Não é Mais um Besteirol Americano” (2001) e “Cara, Cadê Meu Carro?” (2000), o filme foi uma espécie de blockbuster. Para vocês terem uma ideia do sucesso estrondoso, o orçamento do filme era de 11 milhões de dólares e a bilheteria arrecadou US$ 235.483.004,00. Ou seja, sucesso absoluto entre o público jovem!

Com a direção dos irmãos Paul e Chris Heitz, o filme conta as aventuras de um grupo de cinco jovens: Jim Leveinstein (Jason Biggs), Kevin Myiers (Thomas Ian Nicholas), Chris “Oz” Ostreicher (Chris Klein), Paul Finch (Eddie Kaye Thomas) e Steve Stifler (Sean William Scott).

American pie

“Às vésperas do baile de formatura, quatro amigos virgens – Jim (Jason Biggs), Kevin (Thomas Ian Nicholas), Oz (Chris Klein) e Finch (Eddie Kaye Thomas) – fazem um pacto para perder a virgindade, custe o que custar, nas 24 horas seguintes.” Por: Adoro Cinema

Sim, o tema central do filme – como a maioria já sabe e provavelmente já viu – é o sexo. Neste primeiro filme do que mais tarde se tornaria uma saga, ele fica mais em evidência ainda, visto que o tema central é o da virgindade e sua luta incessante para perdê-la.

pai

Mais do que apenas mostrar o lado dos adolescentes o filme também mostra através do pai de Jim, Nohan Levenstein (Eugene Levy) os conflitos de gerações e a dificuldade de estabelecer um diálogo equilibrado sobre “sexo” dentro de casa.

A epopeia da turma acaba falando muito mais de como chegar lá. Os conflitos causados por essa ansiedade experiências traumáticas dão o rumo da jornada. Um fato engraçado é também notar que vemos o poder de um viral já em 1999 no início da popularização da internet, quando Jim é vitima de seu vídeo tendo uma “ejaculação precoce” viralize e vire motivo de chacota perante toda sua turma.

calcinha

Mas nem tudo é trauma na trama, cada um de certa forma de maneira mais convencional ou não, consegue. Claro, com aquela dose milimetricamente calculada de bom humor e entretenimento.

Depois desse filme ainda viriam American Pie 2″ (2001), American Wedding” (2003) e American Reunion” (2012) que fecha o ciclo e conseguiu deixar muito marmanjo chorando com a despedida de uma geração que pode acompanhar de perto.

Entre uma torta de maçã – uma piada do Stifler – e outra, também temos o destaque pela trilha sonora, é claro! E essa vem recheada com muitas curiosidades, hits radiofônicos e marca muito bem a época.

stif

A soundtrack do filme alcançou a posição número 50 na parada Billboard 200, um feito. Aliás, filmes nessa linha surpreendem por geralmente conseguirem estabelecer boas trilhas e como resultado boas vendas. Ou seja, lucro em dobro!

Da maneira mais descontraída e representando bem aquele espírito moleque skatista sossegado bicho grilo anos 90, temos logo de cara o Third Eyed Blind com “New Girl”. Música presente no terceiro disco da banda, Blue” (1999). A curiosidade é que nesse disco quem assume as baquetas é o baterista de outra banda que representa bastante esse fim de anos 90, Smash Mouth.

Misturando o pop de grupos como Backstreet Boys e NSync a uma levada próxima do new metal temos a desconhecida Tonic, com “You Wanted More”. Se vocês já ouviram falar de uma banda chamada Semisonic, provavelmente vão entender a levada “inofensiva” e descartável da canção.

O clipe inclusive é de certa forma bastante tosco e mostra a rotina de um colégio, com a banda tocando na quadra poliesportiva. Mais anos 90 do que isso só o Máskara sambando na nossa cara.

O Blink 182 foi a banda que realmente pôde ter seus 15 minutos de fama através de uma “pontinha” dentro do filme. E isso rolou quase por acaso. O agente de Tom Delonge comentou que o filme “precisava de uma banda”. E foi assim que surgiu o convite para eles estrelarem uma cena dentro do enredo.

Uma curiosidade: Nos créditos, Travis Barker é creditado como o ex-baterista do Blink 182, Scott Raynor. Mas a participação do Blink não ficou apenas por esta dramatização, a canção “Mutt” também entrou na soundtrack. E disso vem outra curiosidade que parece até perseguição com o Travis: seu nome nos créditos da canção está como Travis Barkor. A pergunta que fica é: o que o baterista tatuado aprontou para tanto?

Outra banda colecionadora de hits pop/rock dos anos 90 também se faz presente na trilha sonora. O que espanta é não ter sido uma canção que realmente “fez sucesso” dos tão californianos Sugar Ray.

Apesar disso, as raízes latinas que caracterizam o grupo ainda estão presentes na faixa “Glory” que explora o lado mais pop punk mesclado com pedais wah wah e brincam com o new metal mesmo sem ter “tato” para isso.

Em seguida temos Super TransAtlantic com “Super Down”. A desconhecida banda de Miami conseguiu estrelar na trilha do filme fazendo um som melódico e praieiro, mas totalmente descartável. Se tiver coragem, clique aqui e ouça.

Uma outra banda que marcou época e é citada diversas vezes em How I Met Your Mother” e que conseguiu emplacar canções em diversos filmes e séries como “The Avengers” (1999), Smalville”, The O.C.”, e NCIS” é a Dishwalla!

A melancólica e acústica “Find Your Way Home”, que tem um clima bem californiano, figura na trilha. Alguns rotulam o som da banda como pós-grunge… seja lá o que isso for.

“Good Morning Baby” é a sétima canção que contempla o disco, uma parceria entre Dan Wilson, vocalista do Semisonic, e Bic Runga, uma artista pop da Nova Zelândia que é conhecida por ser multi-instrumentista. Pelo que li, ela é tão conhecida quanto a Sandy por lá.

Com um pézinho no punk/alternativo, temos Shades Apart, que sinceramente para mim me soou como um Creed um pouco mais “pesado”. O trio de New Jersey é mais conhecido pelo seu hit “Valentine” e uma versão de “Tainted Love” do Soft Cell. “Strangers By Day” foi a escolhida para o filme.

Com o visual cafona, sem medo de passar vergonha e com o ritmo e a brisa do mar temos Barchelor N0 One com “Summertime”. Sério, reparem nessas roupas coloridas e tão anos 90, de tênis na areia com óculos de lente colorida. Pode isso Arnaldo?

Com toda essa atmosfera, não dava para deixar o Goldfinger de fora. Califórnia, praia, skate, ska: Goldfinger. A canção dos ska punkers que estrela o filme é “Vintage Queen”.

John Feldman, que também é produtor nas horas vagas – produziu o novo disco do Blink 182, California” (2016) há pouco – tem muitos mais hits do que “Superman” e “Mable”. Vale a pena ir a um show, aproveitem que eles tem vindo direto para o Brasil!

Bic Runga também conseguiu emplacar uma canção solo na trilha. “Sway” é um single e ganhou um clipe. A canção saiu alguns anos antes do filme no disco Drive” (1997) e tem uma atmosfera parecida com o som da Norah Jones e da Alanis Morissette.

Colocando mais ritmo no caldeirão, temos um skacore na mesma linha do Reel Big Fish na trilha com os ska punkers do The Loose Nuts. A energia é contagiante e os metais dão a letra do ritmo da canção. Sinceramente eu não lembro de ter ouvido a canção no filme, mas fato é que ela entrou no disco.

Para deixar tudo em ritmo de dancehall, temos The Atomic Fireballs com toda a atitude de bandas como Voodoo Glow Skulls. O grupo foi formado por Bunkley, frontman de uma outra banda de ska chamada Gangster Fun.

Não é difícil não tirar os pés do chão ao ouvir a canção que sabe bem usar o piano, o vocal rouco e os metais para entreter feito uma parada. Talvez tenham sido influenciados pelo som do The Mighty Mighty Bosstones que vem pela primeira vez ao país agora no começo de agosto. Imperdível!

A banda, apesar de desconhecida para o público em geral, além da trilha de “American Pie” chegou a estrelar as trilhas de Scooby Doo”, Mansão Mal Assombrada” e Dawson’s Creek”.

Porém, a soundtrack também conta com injustiças que valem ser frisadas. Boas canções que tocam efetivamente no filme porém não compõe o disco da trilha sonora oficial. Por isso vou destacar algumas, outras vocês precisaram ir atrás para saber mais, mas é só clicar aqui.

“Walk Don’t Run” de uma das mais lendárias – e essenciais – bandas de surf rock de todos os tempos, The Ventures está presente na chamada. A fundamental banda garageira The Brian Jonestown Massacre incrivelmente tem trecho no filme – e não ganhou destaque. A canção é “Going To Hell”.

Outra das músicas que SIMPLESMENTE não conseguimos entender como um hit me fica de fora da coletânea que eterniza o filme é “Semi-Chamed Life” do Third Eyed Blind. Pois é, eles têm ao menos outra canção na trilha, mas essa é anos luz melhor. Um puxão de orelha no diretor artístico da soundtrack oficial para ontem.

Mas um erro compensa um acerto não é mesmo? Por isso ficou de fora do disco a presente no filme “I Walk Alone” da pouco conhecida Oleander, outra que também é rotulada como pós-grunge. Ah, os anos 90.

Outro dia mesmo falamos sobre trilhas pornôs por aqui, e claro que a cena de sexo de Jim ia ter um funk pornogroovesco de fundo. Para honrar os pornôs dos anos 70, The SEX O-RAMA band com a canção “Love Muscle” chega chegando de mansinho para dar aquele clima.

O maior hit do grupo da polêmica Courtney Love não poderia ficar de fora do filme. O Hole passa pela telona dos adolescentes cheios de hormônios com “Celebrity Skin” que dispensa apresentações, mas também ficou fora do álbum. Também deixados de lado, temos uma dobradinha de grupos noventistas que somente poderiam ser frutos da época como Everclear com “Everything To Everyone” e Harvey Danger com o indiscutível hit “Flagpole Sitta”.

Duke Daniels também tem rápida participação no filme com “Following A Star” com sua atmosfera rock caipira. A trilha é tão boa que conta até com um clássico da música mundial, “Mrs. Robinson” do Simon & Garfunkel em sua versão original e não a do Lemonheads, o que eu não entendo, porque Lemonheads encaixaria ainda melhor na trilha. A classe de Etta James também figura com a sensual e apaixonada “At Last” trazendo à tona todo o clima de romance dos casais do filme.

No campo da e-music temos o trance “Calling Your Name” do Anomally. Agora, injustiça mesmo de não estar nesta trilha oficial mas felizmente estrelar o longa é “Rockafeller Skank” do Fatboy Slim. Um dos maiores hits da década, com uma good vibe ímpar dentro do mundo da música.

Talvez a música que mais me lembre a saga ficou também de fora do disco. “Laid” do James é a canção que toca no desfecho e no fim tanto do primeiro filme, como no Reencontro (2012). E é quase uma música-tema para a primeira MILF a ser chamada por essa sigla, a popular mãe do Stifler.

Anos 90 sem Norah Jones dentro da música pop simplesmente não existem. A cantora cansou de emplacar hit atrás de hit e ser queridinha em diversas trilhas sonoras de Hollywood. No filme ela encaixa a dramática “The Long Day Is Over”.

Não existe filme sem muita dose de amor e xaveco na dose certa sem alguma canção do rei das baladas mais quentes ao pé do ouvido. E olha que Marvin Gaye não precisou nem colocar apelação para “Sexual Healing” alcançar este status. Neste filme, “How Sweet It Is (to be Loved By You)” dá o tom do puxar da valsa.

Outra campeã de trilhas e diretamente dos anos 80 vem “Don’t You Forget About Me” do Simple Minds. Inclusive já falamos sobre o hit por aqui, pois ele também está presente em “Donnie Darko”. E “Clube dos Cinco”, é claro. Talvez por isso tenha ficado de fora do disco…

Menções honrosas: As baladas românticas “I Never Thought That You Would Come” de Loni Rose, “Midnight At Oasis” de Maria Muldaur.

Muito além do 5 contra 1: As trilhas sonoras icônicas dos filmes pornôs 🌚

Read More
Ron Jeremy
Ron Jeremy

Sinestesia, por Rafael Chioccarello

O pornô é uma das indústrias mais rentáveis do planeta. Seu alcance e interesse é absurdo. Um mercado que movimenta todo ano trilhões de dólares e se reinventa a cada minuto. Altamente explorado, ele tem seus altos e baixos mostrados em documentários que você pode ver no Netflix ou na TV a cabo.

Não é incomum ver comentários “aleatórios” nos vídeos na internet. Aliás, hoje em dia é onde seu mercado mais é consumido através de filmes, cam girls e até via Oculus Rift. Pois é, agora a moda é ver tudo em 4D como se você mesmo estivesse interagindo com a cena – coisa de louco e só possível imaginar para alguém que viveu os anos 80 via filmes Sci-Fi.

4d

Mas o nosso foco aqui é a música! Quase sempre me esqueço com tantos detalhes e informações interessantes ao redor para estender a pauta… E olha que música em filmes pornôs desde as fitinhas VHS dá o que falar, meu amigo! Fique tranquilo, não vou comentar sobre aquele blues “frouxo” que estrela vários quadros do Sexytime do Multishow, mas de música boa – numa hora que em teoria a música é o que menos importa.

E porque não começar por um clássico do pornô? É – quase – impossível fazer uma lista de filmes pornôs sem falar sobre um dos maiores sucessos tanto de vendas como de ~polêmicas~: Garganta Profunda” (“Deep Throat” – 1972).

O filme sobre o caso do delator do Watergate teve o custo de 25 mil dólares e após se tornar Cult gerou algo em torno de 20 milhões. Aliás, a grande estrela Linda Lovelace tem uma história de vida bem triste e que vale pesquisar depois.

Em seu livro, ela alega que nunca recebeu um tostão por “Garganta Profunda” e o seu ex-marido teria sido pago com apenas 1250 dólares, embora o filme tivesse rendido aos seus produtores 600 milhões de dólares. Sua carreira após este filme começou a ir para filmes mais “hardcore”. Depois disso veio a decadência e teve seu fim abreviado.

Mas para os admiradores do funk/R&B temos uma tremenda pérola em sua soundtrack logo na música tema, “She’s Gotta Have It”, um single de T.J. Stone lançado no ano de 1974 como single após o sucesso do filme – quem sabe tentando ganhar mais uns trocados com o sucesso comercial da trama.

Fato que a canção tem uma estrutura que mescla aquela groove do Funk que flerta com a soul music. Logo de cara percebemos a composição como forte, já no encaixe dos instrumentos de sopro indo de encontro com o piano que chora e narra sensualmente a proposição.

Após perceber um padrão no funk/blues/R&B nos filmes pornôs dos anos 70, o ~destemido e ousado~ Don Argott decidiu prestar sua homenagem ao pornô. Uma lenda urbana diz que ele e Ron Jeremy se conheceram em 71 e gravaram uma porção de faixas que ficaram perdidas no tempo e espaço até serem achadas no fim dos anos 90. Utilizando suas próprias mãos (calma, não pense besteira) e criando em parceria com outros músicos um álbum chamado “Pornosonic – Unreleased 70’s Porno Music (1999)”.

ron

Sim, são trilhas sonoras para filmes que JAMAIS viram a luz do dia. Ao invés de tentar fazer releituras, ele traz um funk moderno com ambientações que poderiam muito bem conduzir cenas mais calientes e pegajosas. Para deixar tudo ainda mais no – esquema – ele foi logo chamar o astro do cinema pornô Ron Jeremy para fazer a locução entre as faixas, o que resultou hilário e totalmente imersivo.

E eles não pararam por aí, e em 2000 saía a trilha “perdida” de outro clássico do “sobe e desce”: “Cream Streets”, que brinca com funk, música latina, tribal, Jazz, groove e muita intensidade. Afinal de contas, tentar reeditar os hits da Motown não é um desafio muito fácil de ser alcançado. Tem que ter muito exercício, abusar das preliminares e se jogar de cabeça. As canções são jocosas, o swing e o malemolência se dão a cada beat que ecoa da percussão e do chorar dos instrumentos.

A franquia pornô “The Devil In Miss Jones” começou no ano de 1973 e foi dirigido por Gerard Damiano. A grande estrela do filme é Georgina Spelvin, talvez uma das mais renomadas atrizes pornôs da era do “Pornô Chic” – o rótulo que o pornô clássico ganhou ao longo dos anos entre uma “pornochanchada” aqui e outra acolá.

E para combinar com o clássico, porque não uma música elegante a base de voz e piano? Quem ouve pensa que se trata de um filme de sofrimento/melodramático, mas a canção quase que de igreja emendava com o swing da sétima arte do pornô. A canção mais marcante do filme é a tema “I’m Comin Home” da Linda November.

Já no outro extremo da indústria do pornô no “Softcore” temos a saga de Emmanuelle de Just Jaeckin. O primeiro filme foi gravado na França em 1974, mas a lolita atravessou as décadas sendo a musa do gênero.

Emmanuelle já foi loira, ruiva, morena, foi ao deserto, ao espaço, a diversos lugares mas todas que a interpretaram sempre honraram o nome. Aliás, se Emmanuelle tivesse estrelado alguma capa de algum disco do É o Tchan, eu não ia estranhar. Já que nos anos 90/00 podia quase tudo.

Quem lê pensa que a franquia foi um sucesso. Porém, no segundo filme de 1975, após diversas críticas, seu criador original largou o barco. Mas foi o suficiente para imortalizar seu tema “clássico” do cinco contra um.

A canção de Pierre Bachelet foi um dos seus maiores hits da carreira. Ele que era meio que um Roberto Carlos/Julio Iglesias francês e estrelou a trilha de outros filmes através de suas canções apaixonadas. 

Mas não se vive apenas de pornô gringo quando aqui tivemos as embriagadas e saudosas pornochanchadas, que nosso querido Canal Brasil sempre lembra com a frase “Como Era Gostoso”.

Vera Fisher era uma das estrelas das pornochanchadas
Vera Fisher era uma das estrelas das Pornochanchadas

Eis que em 2004 tivemos uma grande homenagem à essas musas. Che decidiu fazer um grande tributo cheio de diálogos e brasilidades para embalar essas noites que ficavam ainda mais gostosas após uma sessão de chanchada. O disco foi lançado pela YB Music e distribuído pela Tratore.

“‘Sexy 70’ é o tributo musical do terceiro milênio aos fãs da pornochanchada brasileira clássica. Bossa-funk-lounge-soul-samba-bolero tocados com o verdadeiro espírito desleixado e elegante das grandes trilhas sonoras do gênero. Ideia e competência do Che (ex-Professor Antena) com participação charmosíssima da musa Helena Ramos e do gênio Paulo Cesar Pereio. Serve para festas, jantares elegantes e para clima de sedução. Mil e uma utilidades!”

Para passar a régua e deixar o clima em órbita temos direto dos anais do ano de 1999, um pornô estrelado por ninguém mais ninguém menos que Silvia Saint. E para essa viagem intergalática foi convocado uma das maiores lendas da e-music mundial: O Prodigy.

O “The Uranus Experiment” teve a ousada – e de outro planeta – missão de fazer o primeiro pornô além dos limites da gravidade, ou seja gravidade Zero. O cérebro do Prodigy Liam Howlett foi o responsável por fazer o som para explorar os orgasmos nas “alturas”.

Desbravar a trilha sonora de How I Met Your Mother? Challenge Accepted!

Read More
How I Met Your Mother

Sinestesia, por Rafael Chioccarello

Hoje vamos falar sobre uma série que vocês não apenas amam: vocês cultuam. De 2005 para cá passaram a torcer para que aquela turma de amigos… wait for it! …conseguisse conquistar todas suas metas tanto profissionais como amorosas. Afinal de contas, não é nada fácil ser um jovem naquele miolo entre fim de universidade e primeiros empregos. Automaticamente fica difícil não se identificar com os dramas, com as roubadas, com as repúblicas… Com os romances mais rápidos que um piscar de olhos, com as promessas, com os porres, com as inconsequências e com as apostas. Com as vitórias e frustrações de jovens tão normais para mim e para você que está lendo.

high

Talvez a série tenha se estendido demais depois do sucesso. Tendo sido programada inicialmente para serem de 3 a 5 temporadas, o sucesso fez a aventura de Ted Mosby e sua turma se arrastar um pouco mais do que deveria. “How I Met Your Mother” foi a ar pela CBS de 19/09/2005 e teve sua última temporada finalizada no dia 31/03/2014, tendo polêmicas e uma porção de teorias vinculadas na internet nas vésperas de seu final. Entre meus amigos, alguns amaram o final e outros ficaram decepcionados. Tanto que foi feito um take com um final alternativo que foi lançado uma semana depois. Sinceramente, eu gostei mais do final original. Afinal de contas, cara, a vida é isso. Às vezes idealizamos tanto algo que o relógio não pára. Ele cobra, os imprevistos acontecem e é o curso natural da vida lidar com derrotas, dor, alegrias e vitórias.

Bang

Não é difícil olhar para sua turma de amigos – da vida real – estando próximos da casa dos 30 e não enxergar um Ted Mosby (Josh Radnor), um casal como Marshall Eriksen (Jason Segel) e Lily Aldrin (Alyson Hannigan) e dois solteirões convictos e que da maneira deles sabem curtir a vida – Barney Stinson (Neil Patrick Harris) e a canadense Robin Scherbatsky (Cobie Smulders).

Aliás, como rimos com as canastrices e enrascadas que Barney Stinson arranja. Como vemos a falta de equilíbrio de um casal que se ama – e que as vezes cai na rotina – refletido em Lily e Marshall. Enxergamos aquele amigo que acha que seu sonho vai dar certo para ontem, mas ninguém ter interesse pelo seu trabalho. Que no fim do dia você dá aquele tapinha nas costas e fala: “calma, uma hora vai rolar”. O que importa no fim das contas é respeitar o BRO CODE e Suit Up enquanto prepara uns martinis ou uma dose de gin. Não é mesmo, Mr. Stinson?

BS1

A trilha de How I Met Your Mother por si só é um tremendo golpe baixo na vida de qualquer apaixonado por música. Além de torcermos para que Ted Mosby encontre logo sua amada, de aceitarmos de pés juntos todos os desafios que Barney Stinson propõe para si mesmo (Challenge Accepted!), somos agraciados por incríveis bandas na trilha. Na idealização da mulher perfeita, Ted descreve sua amada como uma baixista talentosa com uma voz angelical – estaria ele sonhando com Kim Deal (Pixies, The Breeders)? Pela trilha da série, deixa essa questão em aberto. Porém ao longo das arrastadas 9 temporadas, nos deparamos com um vasto conhecimento musical recheados de lados B e hits indies.

É hit atrás de hit, destacando:

“I’m Gonna Be 500 Miles” do The Proclaimers, que toca na viagem inesquecível de Ted e Marshall atravessando os EUA e morrendo aos poucos. Aliás, como esquecer da versão que o Toy Dolls fez desse hit?

“Thirteen” do Big Star. Sinceramente, quando eu ouvi essa canção pela primeira vez na minha vida foi como ver passar um filme feito um flashback na minha cabeça. Ela é triste, reflexiva, densa e única. Alex Chilton tinha mesmo uma das melhores vozes daquela Memphis que não deu tanto reconhecimento. A história da banda é marcada por tragédias, desentendimentos e uma promessa do que poderia ter sido.

No documentário sobre eles, que conta também um pouco dos problemas da Ardent Records, podemos entender mais dessa banda que deveria ter sido colocada no patamar de grupos como Beatles e Rolling Stones e nunca viu seu lugar ao sol.

“Alright” do Supergrass, ao menos para o mainstream, é um one hit wonder. O grupo australiano fez a alegria dos anos 90 com um tom debochado, que para mim sempre remeteu ao som do The Jam + Beach Boys sendo revitalizado para as massas. É difícil você nunca ter ouvido ela ser tocada nas pistas de dança ao longo da Rua Augusta ou ter se deparado com o carismático clipe na programação da antiga MTV Brasil.

“Spit On a Stranger” do Pavement, talvez é uma das que melhor encaixe com a trajetória de Ted Mosby indo ao encontro de sua amada e seu gosto pela música alternativa e linhas de baixo mais trabalhadas. Afinal de contas ele, assim como Billy Corgan (The Smashing Pumpkins), é apaixonado por mulheres conduzindo a canção suavemente através de suas linhas de baixo.

“Better” da Regina Spektor também está na trilha. A cantora que também empresta a voz para o tema de Orange Is The New Black tem seu momento no drama nova iorquino.

“Glad Girls” do Guided By Voices: a canção do músico Robert Pollard e sua crew mostra que a juventude dos anos 90 tem papel fundamental na trilha. Não me surpreenderia ter entrado alguma canção do Superchunk e do Lemonheads na trilha. Afinal, a trinca é sempre bem vinda.

“How To Flight Loneliness” do Wilco – que FINALMENTE no Brasil depois de 10 anos de campanha Is Wilco Coming To Brazil? – não é novata em uma trilha sonora. A canção já fez parte da soundtrack de Garota Interrompida” (1999) e toca a alma com a sua delicadeza, arranjos e contemplação.

A ousadia também faz parte da trilha de HIMYM, e eles apostaram em uma banda até então desconhecida do público, o Real Estate. “Beach Comber” está presente no disco de estreia dos lo-fi/shoegazers – de Ridgewood, Nova Jersey – “Real Estate” (2009). Dois anos depois eles viriam a assinar com a poderosa Domino Records o que até agora rendeu dois grandes discos: Days” (2011) e Atlas” (2014).

E waiiit for it…tem clássico da música nova iorquina na trilha, please sir! “Guiding Light” do Television, faixa presente na obra prima:Marquee Moon” (1977).

“Inside Of Love”, canção do Nada Surf, banda que inclusive é apaixonada pelo Brasil e sempre quando pode aparece por aqui, também marca presença na chamada. Uma canção acústica sobre amor. Nem tem como encaixar melhor na trilha de HIMYM usando essa combinação, não é mesmo? Não é à toa que eles também também estão na trilha de The O.C. – Um Estranho no Paraíso.

Uma linda canção, triste mas que eu não poderia deixar de comentar, é “Funeral” do Band Of Horses. Este ano a faixa completa 10 anos de seu lançamento feito em parceria com o selo Sub Pop e tem uma dose de nostalgia que te transporta para outros tempos. Te força a reavaliar cada decisão de sua vida. Como se você estivesse deitado em seu caixão olhando para seus amigos e parentes enquanto faz o balanço sobre seus acertos e erros. No fim das contas a vida é isso: erros e acertos. Alegrias e tristezas. Derrotas e conquistas.

Temos também a inglesa Florence Welsh e seu The Machine dando cores e uma veia pop a série com a dramática “Shake It Out”.

Quem teve a responsabilidade de compor a canção que encerra a série foi a banda The Walkmen. Eu sei que vocês assistiram o último episódio com um lenço ao lado e quando tocou “Heaven”, o chororô começou.

Na trilha ainda contamos com nomes de peso como Pixies, Bob Dylan, Grizzly Bear, The Decemberists, Violent Femmes, The Replacements, The Shins, Otis Redding, Roxy Music, Radiohead, Pretenders, Death Cab For Cutie, Foo Fighters

Ao longo das 9 temporadas foram executadas 432 músicas e você pode ter o conhecimento de cada faixa clicando aqui.

A viagem no túnel do tempo da trilha sonora de “As Vantagens de Ser Invisível”

Read More
The Perks Of Being a Wallflower

Sinestesia, por Rafael Chioccarello

Hoje vamos falar sobre um filme voltado para o público adolescente. Mas nem por isso a trilha deixa a desejar. Muito pelo contrário, assim como “500 Dias Com Ela”, apesar de ser um drama/romance que flerta com comédia, a trilha é uma tremenda viagem no tempo e traz excelentes hits do dream pop, new wave e do rock alternativo.

“The Perks of Being a Wallflower”, em português “As Vantagens de ser Invisível”, é um longa metragem lançado em 2012 pelo diretor Stephen Chbosky. Dessa vez ele não procurou ou foi procurado por ninguém para fazer o filme. Afinal de contas, ele é baseado num livro de sua autoria lançado em 1999. Foi sucesso comercial devido a alguns fatores além de uma boa história sobre a juventude com todos seus dramas, passagens e percalços: a boa escolha do elenco e a sua trilha sonora. Afinal de contas, para quem já viu o filme, fica difícil esquecer o momento em que Sam (Emma Watson) sai pelo teto solar do carro – dentro do túnel – e começa a cantar “Heroes” do David Bowie, não é mesmo?

Emma

Sinopse por AdoroCinema: “Charlie (Logan Lerman) é um jovem que tem dificuldades para interagir em sua nova escola. Com os nervos à flor da pele, ele se sente deslocado no ambiente. Sua professora de literatura, no entanto, acredita nele e o vê como um gênio. Mas Charlie continua a pensar pouco de si… até o dia em que dois amigos, Patrick (Ezra Miller) e Sam (Emma Watson), passam a andar com ele.”

O filme se passa em Pittsburg, na Pensilvânia, e alguns de seus dramas passam por temas “bobinhos” como o dilema do primeiro beijo, as paixonites de adolescência, fins de relacionamento e o drama da dança de formatura (Saddie Hawkins Dance), temida e amada por muitos americanos, super tradicional e “cafona”, diga-se de passagem. Mas tradições, né? Vamos falar o quê? Apenas aceitamos. Mas também temos bons ganchos, como quando a turma no colégio ensaia para apresentar sua versão da peça The Rocky Horror Picture Show. (Inclusive aqui na SINESTESIA já falamos sobre a novela original que deu origem a peça, o musical, suas homenagens, tributo, filme e remake a caminho!)

Porém, a trama também toca em temas bastante delicados e importantes, como a homofobia e o abuso sexual sofrido durante a infância. Esses conjuntos de fatores que eu acho super importantes de serem discutidos nessa faixa etária para que a intolerância aos poucos vire um problema do passado. Tão triste ver os acontecimentos recentes e a estatística alta de mortes e agressões por motivo de opção sexual. Um dia chegamos lá!

O filme conta com uma trilha maravilhosa – que você pode conferir direto da página da IMDB. Vamos focar nas 12 faixas que compõe o disco lançado pela Atlantic Records no dia primeiro de agosto de 2012. Impressiona, pois esta coletânea chegou a sétima posição das melhores trilhas sonoras publicadas no período entre 2012/2013 da Billboard.

Cantar

A faixa que abre o disco é do The Samples com Could It Be Another Change, que sinceramente eu desconhecia. São da época do college rock pelo que parece, uma mistura de The Police com Grateful DeadAgradável, mas nada de mais. Influências de folk e reggae são perceptíveis em sua sonoridade. A banda existe até hoje, mas com apenas um membro original, o vocalista Sean Kelly.

Em seguida temos uma canção tão clássica que periga você estar na Tiger Robocop 90 (que rola no Lab Club) e ouvir tocando a versão que a banda de ska – Save Ferris – fez nos anos 90. Bem, na trilha contamos com a versão original da banda de Birmingham Dexy’s Midnight Runners, que impressiona pela versatilidade de estilos, abraçando o folk, o ska, influenciado pelo “Combat Rock” do The Clash, e a música folclórica irlandesa, popularizada pelo The Pogues naquela década. Com o artifício de violinos, batida new waver, teclados e um pouco de música caipira a canção justifica a fama das pistas de dança. É envolvente como os vocais dialogam e você se vê levado pela canção sem titubear.

Em seguida temos um verdadeiro clássico do dream Pop/shoegaze, “Tugboat”, da emblemática e meteórica Galaxie 500. Influenciados por Velvet Underground, Spacemen 3 e Jonathan Richman, em apenas 5 anos viram sua estrela cadente virar história. O grupo durou de 1986 a 1991 e deixou um legado de bandas que foram influenciadas pelo som deles como Sonic Youth, Liz Phair, Neutral Milk Hotel, British Sea Power, Joanna Gruesome, The Submarines e tantas outras. A canção tem uma atmosfera meio My Bloody Valentine encontra The Pastels enquanto toma um café com Lou Reed. Ou seja: coisa mais do que boa.

A próxima música é do New Order, a dançante e emblemática “Temptation” que inclusive também entrou na trilha de Trainspotting. (filme que comentamos a trilha outro dia por aqui). Lançada originalmente em 1982, ela ganhou em 2013 este clipe:

“Evensong”, da pouco conhecida The Innocence Mission tem uma atmosfera densa a la Cocteau Twins, Mazzy Star e PJ Harvey. Ou seja, aquela vibe rock alternativo/dream pop flutuante do começo da década de 90. Cheia de angústia, a canção controla os ânimos do espectador, já que é sofrida e introspectiva. 

The Smiths

O clássico ~das bads~ “Asleep” do The Smiths não poderia ficar de fora da confusa e triste história de Charlie. É o hino dos dilemas pessoais, das desilusões com o mundo exterior. A vontade de se isolar, se trancar no quarto, deitar na cama e nunca mais acordar. A faixa foi originalmente como um B-Side do single “The Boy with the Thorn in His Side” e mostra uma atmosfera mais dark que o piano que acompanha Morrissey nos leva direto para o fundo do poço. Talvez um dos seus trunfos seja fazer com que os ouvintes chorem e afoguem suas mágoas.

Ainda no ritmo do slowcore/dream pop – e provavelmente da adolescência do diretor do filme – temos Low com “Cracker”. Influenciados por post-rock, blues e Neil Young, vemos os contrastes que isso adiciona ao som que tem a cara da época pré explosão do grunge.

Logo em seguida vem uma canção que eu sou mais do que suspeito para comentar, “Teenage Riot”. De um disco que eu tive que comprar o box de vinil para apreciar todas versões e mixagens, Daydream Nation” (1988). A canção é o primeiro single escolhido para divulgar o disco produzido pelo emblemático produtor Nick Sansano, um cara que pouco antes tinha se envolvido com bandas de rap do calibre do Public Enemy e quando pegou essa encrenca não manjava nada do tipo de som do Sonic Youth. Segredo para o sucesso? Talvez. O grupo teve um ganho criativo que depois desse disco os conduziu para o estrelato. Depois ele foi até chamado para produzir o Goo” (1990) e o resto é história.

“Dear God” do XTC é daquelas músicas que eu conheci assistindo as madrugadas da MTV Brasil – ah, que saudade desses tempos. Um one hit wonder de uma injustiçada banda com outros potenciais hits pops. Uma letra forte e dura sobre ateísmo e uma levada folk/new waver/pop barroco lançada em 1986, sendo censurada e proibida em diversas rádios ao redor do mundo por fazer apologia ao ateísmo com sua falta de Deus. Sem usar nenhuma palavra de baixo calão. Quão punk é isso?

E de clássico em clássico do rock alternativo a lista do disco vai ficando ainda mais interessante. O próximo é Pearly Dewdrops’ Drops”, a banda de post-punk inglês Cocteau Twins é fruto da mistura de influências de The Birthday Party com Siouxsie and The Banshees e a delicadeza da estrela do pop Kate BushPara quem desconhece a origem do nome do grupo, eis a resposta: vem de uma canção do Simple Minds. O Cocteau Twins nesta canção tem sua marca no vocal que ecoa no ar – a la coral de igreja – e traz os beats e as trevas dos sintetizadores. Ah, os anos 80!

A próxima canção no filme chamada de “Charlie Last Letter” foi composta pelo guitarrista de música ambient, experimental e instrumental Michael Brook. Ela é rápida e meio “chatinha”. Originalmente ela chama “Pouter”, mas para o filme foi renomeada para encaixar com a parte mais dramática da trama. Michael é conhecido por gravar guitarras para trilhas de filme e por ter colaborado com artistas como David Sylvain e Brian Eno. Inclusive já ganhou um Grammy por co-compor “Night Song” do paquistanês Nusrat Fateh Ali Khan e teve a trilha de “Into The Wild”, composta por ele, nomeada como melhor trilha.

Para fechar a trilha com chave de ouro, temos talvez uma das canções mais fantásticas escritas do rock: “Heroes”, do David Bowie. Para quem não sabe, a música fala sobre um amor dividido pelo nefasto muro de Berlim, onde o namorado e a namorada estão separados pelo muro, um morando na Berlim Oriental e outro na Berlim Ocidental.

A música é tão poderosa e emblemática para a cidade de Berlim que em janeiro deste ano, após saber da morte de David Bowie, o governo da Alemanha agradeceu ao artista com os seguintes dizeres: “Por ter ajudado a derrubar o muro de Berlim”. E dizendo: “você agora está entre os heróis”.

E é dessa maneira emotiva e cheia de sentimentalismo que terminamos o post de hoje. Afinal de contas, “Heroes” entrou na trilha não só por ser uma simples canção de amor sem limites mas como uma canção de emancipação do ser sem limites. É, o cara sabia compor como poucos.

A epopeia musical de “O Lobo de Wall Street” de Martin Scorsese

Read More
O Lobo de Wall Street
Leonardo DiCaprio em "O Lobo de Wall Street"

Sinestesia, por Rafael Chioccarello

Hoje vamos falar sobre a trilha de um filme que é um tremendo absurdo ter saído do Oscar de mãos vazias. Perseguição por parte da academia de seu diretor? Talvez. Ter um ator da magnitude de Leonardo DiCaprio no elenco e até então – Antes do O Regresso” não ser premiado? Outra possibilidade válida. Ter competido com um filme em que todos apostavam as fichas (Gravidade”)? Provavelmente um belo de um azar no quesito timing.

Já que o filme foi indicado para o Oscar nas categorias:

1- Melhor Filme
2- Melhor Diretor
3- Melhor Roteiro
4- Melhor Ator (Leonardo Di Caprio)
5- Melhor Ator Coadjuvante (Jonah Hill)

O filme não ganhou em nenhuma categoria. O prêmio de consolação de DiCaprio foi ter sido nomeado – e vencido – na disputa para melhor ator na categoria filme musical ou comédia na edição daquele ano (2014) do Globo de Ouro. Porém, entre os críticos, o filme foi bastante aceito e prestigiado. O roteiro é agressivo e bem anti-heroi, algo que Hollywood não costuma premiar. Prefere dar prêmios para os bons “moços”, vai entender, né?

Ao menos eu não engoli até hoje terem dado Oscar para o vazio – metido a intelectual mas comum – Her” e deixarem esse tremendo drama/comédia biográfica que foi “O Lobo de Wall Street” (2013). O filme é baseado no livro The Wolf Of Wall Street”, uma autobiografia escrita por Jordan Belford, lançada em 2007.

Leonardo DiCaprio is Jordan Belfort in the movie THE WOLF OF WALL STREET, from Paramount Pictures and Red Granite Pictures. TWOWS-FF-002R

Para não me alongar muito em descrever o roteiro do filme e dar maior atenção para a trilha, segue a sinopse redigida pelo pessoal do excelente AdoroCinema:

“Durante seis meses, Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio) trabalhou duro em uma corretora de Wall Street, seguindo os ensinamentos de seu mentor Mark Hanna (Matthew McConaughey). Quando finalmente consegue ser contratado como corretor da firma, acontece o Black Monday, que faz com que as bolsas de vários países caiam repentinamente. Sem emprego e bastante ambicioso, ele acaba trabalhando para uma empresa de fundo de quintal que lida com papéis de baixo valor, que não estão na bolsa de valores.

É lá que Belfort tem a ideia de montar uma empresa focada neste tipo de negócio, cujas vendas são de valores mais baixos mas, em compensação, o retorno para o corretor é bem mais vantajoso. Ao lado de Donnie (Jonah Hill) e outros amigos dos velhos tempos, ele cria a Stratton Oakmont, uma empresa que faz com que todos enriqueçam rapidamente e, também, levem uma vida dedicada ao prazer.”

A montagem, a escolha de elenco, a trama, a narrativa dos altos e baixos e a energia de instantâneo Blockbuster já deveria ser aplaudida. Além de claro, sua trilha. Aliás trilha sonora é a praia de seu diretor, Martin Scorsese. Não é de se surpreender que ele neste ano tenha se envolvido com Mick Jagger para o audacioso e ferroz “Vinyl”, série transmitida pelo HBO.

A trilha sonora do filme conta com 54 canções ao longo das mais de 3 horas de trama. Destas 54, 16 foram selecionadas para estrelar a versão física do disco que foi lançado em dezembro de 2013 via Virgin. Logo, antes de adentrar ao seleto grupo das 16 que contemplam o disquinho, falarei por alto das que não entraram no álbum, porém estão no filme.

Temos a clássica “Dust My Broom” e “Dust My Blues” de um dos reis da guitarra, Elmore James, “Hit Me with Your Rhythm Stick” do astro do punk Ian Dury e seus Blockheads e “Movin’ Out (Anthony’s Song)” do clássico The Stranger” (1977)  de Billy JoelMalcolm McLaren, um dos maiores ícones da música mundial – empresário dos Sex Pistols e de uma vasta legião de bandas – em 1983 lançou Duck Rock” este que continha a canção “Double Dutch”, que Scorsese escolheu para a trilha do filme.

A refinada “No Greater Love” (1958), do pianista de jazz Ahmad Jamal Trio, também figura na trilha, assim como John Lee Hooker com o clássico do blues “Boom”, uma das 500 músicas da lista da fama da revista Rolling Stone. Johnn Lee inclusive ganhou 2 Grammys como melhor álbum de blues tradicional pelos trabalhos I’m in the Mood” (1990) com Bonnie Raitt e Don’t Look Back” (1998). Teve a sorte de ter seu trabalho reconhecido em vida. Faleceu em 2001.

“Mongoloid” dos nerds mais cools do rock, o DEVO, e seus sintetizadores e epifanias preenchem uma das cenas mais malucas do filme. Me First And The Gimme Gimmes aparecem na trilha fazendo cover de Beach Boys, Mais precisamente da canção “Sloop John B”, escrita pelo lengendário Brian Wilson. O filme se passa em Nova Iorque e seria uma tremenda bola fora deixar a galera do rap fora dessa. Então vamos de clássico! Scorsese escolheu “Hip Hop Hooray” do grupo Naughty By Nature para deixar tudo nos conformes. Outro grande pianista do jazz também entra na trilha, Charles Mingus, com sua envolvente “Wednesday Night Player Meeting”.

O hit do italiano Umberto Tozzi, “Gloria” de 1979, também faz parte. Duvido que nunca escutou a canção do músico na Antena 1. Mas temos new wave também, sim, por favor! Com o grupo francês Plastic Bertrand e “Ça Plane Pour Moi” (1978), um hit de discoteca que tem versões interessantes de grupos como Sonic Youth, Nouvelle Vague The Presidents Of The United States Of America. Uma curiosidade é que poucos meses antes dos vocais da canção serem gravados, a gravadora usou a mesma trilha com os mesmos músicos para lançar “Jet Boy, Jet Girl”. Os vocais da versão em inglês são de Alan Ward, que para quem não sabe é o vocalista do Elton Motello.Uma curiosidade é que poucos meses antes dos vocais da canção serem gravados, a gravadora usou a mesma trilha com os mesmos músicos para lançar “Jet Boy, Jet Girl”. Os vocais da versão em inglês são de Alan Ward, que para quem não sabe é o vocalista do Elton Motello

Uma das curiosidades da trilha foi essa participação do ator Matthew McConaughey na faixa “The Money Chant” composta por ele em parceria com Robbie Robertson, um dos fundadores do The Band. Saiba mais aqui.

A dupla de eletrônica Dimitri Vegas & Like Mike inclusive fez uma versão insana e a apresentou no Tomorrowland de 2014.

Caso queira saber mais sobre a trilha completa, basta uma rápida pesquisa na rede social, IMDB. Então, finalmente vamos chegar ao seleto grupo das 16 faixas do disco da Virgin.

Lançado logo após o filme, no dia 17 de Dezembro de 2013, é em geral uma coletânea bastante eclética, assim como as anteriores que falamos por aqui. O que só deixa ela ainda mais interessante.

“Mercy, Mercy, Mercy” do Cannonball Adderley Quintet, liderado por Julian Edwin “Cannonball” Adderley, um jazzísta e mestre do saxophone da hard bop era (50’s, 60’s). Inclusive este é o single que mais o tornou conhecido, além, claro, de seu trabalho ao lado de Miles Davis – ele fez parte do lendário álbum Kind Of Blue” (1959) do astro do jazz. A canção conta na banda com seu irmão na corneta, Nat Adderley, e foi lançada no formato de quinteto no ano de 1966, gravada no Capitol Studios de Los Angeles. É um jazz classudo e visceral, um clássico.

Em seguida temos Elmore James com a canção que já falamos acima, a belíssima “Dust My Bloom”. A próxima é “Bang, Bang” de Joe Cuba, um americano descendente de porto riquenho que com sua ginga fez a América dançar com sua envolvente salsa!

“Movin’ Out (Anthony’s Song)”, de Billy Joel, é a seguinte na trilha, e na sequência temos a maravilhosa canção burlesca que flerta com jazz “C’est Si Bon” da americana Eartha Mae Keith. Uma voz delicada e autêntica, ela tem origens do teatro e era cantora de musicais, comediante de stand-up, ativista e dançarina. Ufa, alguém com muito a nos acrescentar e de quem vale a pena conhecer a história. A canção em francês foi lançada no ano de 1953.

“Goldfinger” é um cover, originalmente estrelada por Shirley Bassey na trilha de 007, tema do filme de mesmo nome. Porém, a versão que captou o coração de Scorsese feito uma flecha foi a performada por Sharon Jones & the Dap-Kings, um grupo de funk/soul do bairro do Brooklyn, com influência do melhor do gênero nos anos 70. Um ano após o lançamento da trilha, o grupo foi nomeado para o Grammy.

Sou suspeito demais para falar sobre a próxima faixa, pois envolve um dos meus músicos favoritos de todos os templos, o mestre Bo Diddley. A canção do bluseiro escolhida pelo diretor foi “Pretty Thing”, de 1955. Curiosidade: Foi seu primeiro single a emplacar nas paradas do UK.

O pianista de jazz Ahmad Jamal emplacou mais uma faixa na trilha, Moonlight In Vermont”, uma densa faixa trabalhada no piano e com potencial de te levar para outro plano. É calma, cadenciada, ao mesmo tempo em que é criativa.

A próxima faixa é uma tremenda covardia com as demais, um senhor hit do melhor do blues já feito em Chicago: Smokestack Lightning”, performada por uma das vozes mais marcantes daquela geração, Howlin’ Wolf. A canção está presente no álbum do músico From Moanin’ In The Moonlight” (1959).

Se a próxima música não te colocar para dançar, nenhuma outra o fará. Quem vem com seu funk/disco energético direto do túnel do tempo dos anos 60 quebrar tudo é o saxofonista Jimmy Castor Bunch com “Hey Leroy, Your Mama’s Calling You”, do ábum Leroy” (1968).

Em seguida temos a já comentada “Double Dutch” de Michael McLaren. Logo depois temos mais uma canção new wave/post punker: “Never Say Never”do Romeo Void de 1981. Vocal feminino, beats dançantes e muita fúria degenerativa direto dos criativos anos 80. Voltamos para os dias de hoje com a ultrajante, american rock & blues, caipirona e competente banda 7horse. Recomendo ouvir Meth Lab Zoso Sticker” bebendo um drink com Jack Daniels – ou depois de uma maratona de Breaking Bad. A vibe se transforma no meio do caos hibilly. O primeiro álbum do grupo, Let the 7Horse Run”, veio ao mundo no ano de 2011 e te convida a balançar os quadris.

Eu vou até vou dispensar comentários sobre “Road Runner” de Bo Diddley, pois acredito que um clássico fala por si só.

“Mrs. Robinson” é uma canção originalmente composta pelo duo Simon & Garfunkel em 1968 – e teve seu álbum altamente premiado. Porém, a versão que marcou a geração dos anos 90 foi a dos The Lemonheads, e esta foi escolhida pelo time de Scorsese para o filme. Já para quem é mais velho, deve lembrar da belíssima versão que Frank Sinatra fez em My Way” (1969). Os estranhos do folk/punk Andrew Jackson Jihad também tem uma versão digna. Já os hard rockers do Bon Jovi vira e mexe em shows costumam tocá-la.

Para fechar a trilha com dignidade, calmaria e classe temos Allen Toussaint, um mestre da soul music/R&B/funk/blues/jazz da cidade da música, New Orleans. “Cast Your Fate To The Wind” (1962) do astro do jazz Vince Guaraldi e seu Trio. Através dela mostram o poder da música em expressar sentimentos através de suas notas. 

wolf

A trilha merece ser ouvida e reouvida com certa periodicidade para que assim seja possível extrair seu melhor. Ela é difícil para pessoas que não estão acostumadas com o encanto do jazz, do blues e da soul music, porém ela é urgente. Não deixe de também usar esse texto como abertura para se aventurar pelo jazz. Em São Paulo, por exemplo, temos O JazzB (Vila Buarque) e o Bourbon Street (Moema), onde podemos desfrutar do estilo. No sábado (18), no Dia da Música, o Parque Villa Lobos receberá a segunda edição do festival BB Seguridade de Blues e Jazz, mais uma dica para quem quer aproveitar a cultura da cidade com entrada 0800. E agora o que nos resta é saber qual vai ser a próxima epopeia musical de Martin Scorcese