Construindo Giovanna Moraes: conheça as 20 músicas que mais influenciaram o som da cantora

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Quando uma banda se forma, as influências de cada um dos integrantes são inúmeras e variadíssimas. Essa mistura de músicas, artistas, discos e sons entra em um imenso caldeirão musical e traz algo totalmente novo e cheio de identidade. É nessa construção de identidade que a coluna Construindo vai focar: aqui, traremos 20 músicas que foram essenciais para que uma banda ou artista criasse seu som, falando um pouquinho sobre elas. Hoje temos a cantora Giovanna Moraes, que está trabalhando atualmente seu mais recente disco, ‘Àchromatics’

“20 músicas que inspiraram ‘Àchromatics’? Queria ter mais do que só 20! É engraçado – de certa forma essas são músicas e pessoas que me inspiram ou inspiraram criativamente – algumas trago comigo desde criança da época quando não escolhia muito o que ouvir, já outras entraram em cena enquanto eu estava gravando o disco e procurando referências pra ajudar a criar meu som. Tem muitos outros sons que entraram em cena desde então – tudo é inspiração! De qualquer forma aqui vai minha tentativa”, diz.

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Ella Fitzgerald“Perdido” (“Live at Mister Kelly’s”)

Impossível não falar de Ella Fitzgerald. Amo a natureza com que ela canta, fazendo qualquer coisa parecer fácil. Essa música já escutei tanto que transcrevi o solo dela quase inteiro (risos). Tem um tom de felicidade e bom humor nela – acho impossível não sorrir ouvindo.

Esperanza Spalding“Good Lava” (“Emily’s D+ Evolution”)

Amo como a Esperanza mesclou jazz com rock nesse CD, mas, especialmente nessa musica, gosto muito dos slides vocais que ela usa. É um recurso que também utilizei no meu álbum e eu não conhecia antes de ouvi-la.

Hiatus Kayote“Molasses” (“Choose Your Weapon”)

Amo Nai Palm, acho que a voz dela incrível e essa música maravilhosa com uma pegada bem rítmica. Parece que tem uma novidade a cada compasso.

Fiona Apple“Hot Knife” (“Idler Wheel”)

Fiona arrasa, canta com uma emoção de um jeito que eu sinto o que ela quer dizer, mesmo se não escutei a letra. A música faz com que o idioma no qual ela canta não faça diferença.

Aurora“Murder Song (5, 4, 3, 2, 1)” (“All My Demons Greeting Me As A Friend”)

Admiro muito a voz da Aurora e suas linhas melódicas. Acho o trabalho dela lindo, uma referência para meu trabalho visual também. Aurora é das minhas, deixa você achar que entendeu o que está acontecendo e aí joga algo que você não esperava.

Gilberto Gil“Refazenda” (“Refazenda”)

Acredite ou não, mas acho que tem uma pegada de baião na parte C da minha canção “Dark”. Escutei muito à “Refazenda” treinando a rítmica para conseguir gravar.

Tom Zé“Toc” (“Estudando o Samba”)

Amo essa música doida. Escutando ela sinto que tem um mundo de coisas, pensamentos acontecendo em paralelo, em ciclo – variações do mesmo problema, pingando pela música até que acaba, do nada.

Gal Costa“Cultura e Civilização” (“Gal Costa”)

Adoro a Gal e sua flexibilidade vocal e acho que tem uma pegada de se arriscar no jeito que canta, adoro. Ela não tem medo de errar, porque ela sabe errar, e sabe que no erro vem algo de inédito, honesto e bonito. Acho que nesse sentido tenho algo de Gal também.

White Stripes“Seven Nation Army” (“Elephant”)

Amo White Stripes! Não é nenhum segredo (risos). Desde a estética e o “branding” do vermelho-preto-branco do Jack White, ao som e a química entre ele e Meg, me encanta a confiança de fazer um som tão grande com dois integrantes somente.

Jimi Hendrix“Foxey Lady” (“Are You Experienced”)

Amo essa música e amo Jimi. Já passei altos micos cantando e dançando essa música quando pensei que estava sozinha, rs. Para mim, Jimi tem uma pegada amarga e um som pesado, delicia, gravado em afinação 432Hz.

Patti Smith“Gloria: In Excelsis Deo” (“Horses”)

Acho a Patti incrível! Ela começa seu álbum de estreia, Horses, com essa musica, já deixando claro que ela se responsabiliza por tudo na sua vida, inclusive seus pecados. Uma mulher que canta pra caralho e que abriu mil portas mostrando que mulher pode ser e cantar do jeito que quiser. Mil brincadeiras de timbre, escuto muito como estudo.

Sepultura“Roots Bloody Roots” (“Roots”)

Eu adoro esse álbum todo – acho muito incrível a historia por trás desses brasileiros fazendo metal pesado em inglês e arrasando. Pelo que conheço da história, um deles teve um sonho tribal onde o índio chefe voltou irritado com o homem civilizado pela coisas completamente irracionais que ele fez sobre a terra. Adoro isso, de um álbum conceitual, acredito que o meu seja também. Descobri o que é “Drive Vocal” ouvindo Sepultura também.

Beach Boys“Wouldn’t It Be Nice” (“Pet Sounds”)

Falando de álbum conceitual, impossível não falar de Pet Sounds. Sinto que entendo a pegada de Brian Wilson, isso de querer usar tudo como instrumento – de fazer coisas que muitos poderiam achar estranho e feio, mas como num todo funciona de um jeito lindo.

Blondie“Hanging on the Telephone” (Blondie – Parallel Lines)

Mulher bandleader com cara de meiguinha (risos), já adorei. Foi um dos primeiros CDs que comprei, adoro sua mescla entre rock e pop.

The Runaways“Cherry Bomb” (“The Runaways”)

Meio riot grrrl, mulheres fodas, cansadas de ter que fazer o papel de menininha, quebrando tudo e ao mesmo tempo tirando um sarro. Adoro.

Talking Heads“Psycho Killer” (“Talking Heads 77”)

Gosto dessa pegada da letra, de não ser só significado, mas também uma sonorização. Um de minhas músicas também traz isso, no caso, “Dark”, onde no lugar de um “Fa Fa Fa” vem um “D-D-D”, mas com esse recurso.

Frank Zappa“The Walking Zombie Music

Sons mais experimentais e com essa pegada de improviso que eu adoro. Fora que ele é um performer maravilhoso! Gosto muito, tanto que fui ver a banda do filho dele, Zappa plays Zappa, sozinha, porque não achei ninguém pra ir comigo e me diverti pacas (acho uma delicia ir sozinha em show, aliás).

Queen“The Show Must Go On” (“Innuendo”)

Freddie Mercury não tem comparação. Gravada em um take, no final da vida dele, quando ele já estava bem mal e mesmo assim uma das músicas que ele canta com mais recursos vocais. Acho essa música treta.

Beatles“Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (“Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”)

Não só a música, o álbum como um todo redefiniu o que são os Beatles pra mim e o que é música popular. Mostrando que dá pra fazer algo complexo e conceitual, mas que ainda tenha um apelo popular ao mesmo tempo. Adoro o aspecto performático também, com o álbum sendo a peça toda.

Hermeto Paschoal“Quebrando Tudo”

Hermeto não pode faltar – meu compositor favorito! Inclusive tive o prazer de conhecê-lo enquanto estava gravando o disco em uma apresentação/bate papo dele na UNICAMP. Acho ele vital para qualquer um que tente fazer música de um jeito diferente. Para mim o Hermeto é um símbolo de inovação musical – mostra que existe muitos mais sons e instrumentos para descobrir. O projeto dele, de melodias inspiradas em sons falados, acho incrível também. Quando fui falar com ele, ele respondeu com a mesma melodia e rítmica que eu falei com ele (risos). Doidão, adoro ele.

“Fritz The Cat” (1972) – Crumb animado, musicado e sempre controverso

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Fritz, The Cat – O Gato Fritz
Lançamento: 1972
Direção: Ralph Bakshi
Roteiro: Ralph Bakshi
Elenco principal: Skip Hinnant, Rosetta LeNoire e Jonh McCurry

“Fritz, The Cat” é um filme de Ralph Bakshi, grande diretor de animações malucas das décadas de 70 e 80, uma adaptação pras telonas das histórias do personagem Fritz, The Cat, do cartunista rabugento Robert Crumb. Ligando as diversas que histórias que o Crumb escreveu sobre o personagem, o diretor apresenta pra quem assiste, uma paródia de toda a “vanguarda-hippie-artística-intelectual-revolucionária”, que na visão do autor, não passava dum bando de babacas com discursos vazios pra levar universitárias pra cama e suprir suas culpas burguesas.

Tirando um sarro também de todos as outras “tribos urbanas” da época (porque é isso que o Crumb, o senhor da rabugentice, faz deixando o Bukowsky no chinelo), a história se ambienta sempre num universo duma Nova York Junkie da década de 70, com pessoas em becos injetando heroína, policiais idiotas invadindo festas, pseudo-intelectuais discutindo drogas e etc. onde a música rola solta, sempre na pegada dum jazz bebop ou dum blues (o Crumb era apaixonado por ambos os estilos e chegou a escrever um quadrinho que é de fato uma pesquisa sobre toda a história do blues).

A maioria dos sons foi composta para o filme, pelos trilheiros Ed Bogas e Ray Shanklin, com direito a uma participação do próprio Crumb na composição da música tema do Fritz. Contudo, o filme ainda assim conta com outros sons, de artistas famosos tais como Billie Holliday e Bo Diddley e de alguns caras mais undergrounds, como Cal Tjader (um importante expoente do jazz latino), The Watson Sisters (um grupo de R&B do começo dos anos 60) e Charles Earland (multi-instrumentista de jazz, blues e funk).

O curioso, é que o Crumb odiou o filme. Logo após a estréia, o autor lançou tiras do personagem que satirizavam o diretor Ralph Bakshi e pouco depois disso, uma história com a morte do Fritz, já que o personagem havia sido “estragado” pela versão em cinema.

Segue em link o trailer e a trilha sonora.

Trailer:

Trilha sonora:

Quando a fé é genial – John Coltrane – “A Love Supreme” (1965)

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John Coltrane

Poucos trabalhos musicais conseguiram unir a devoção espiritual e uma proposta estética distinta com tanto êxito. É o caso de “A Love Supreme” (1965), talvez o grande disco de jazz da década de 1960.

A afirmação sonora do quarteto formado por John Coltrane, McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (baixo) e Elvin Jones (bateria) é de uma qualidade brutal, capaz de nos fazer refletir, meditar, sorrir e vibrar. Pensa aí, quantos discos você já escutou e sentiu várias coisas ao mesmo tempo? Esses poucos são sempre uma preciosidade particular, embora provavelmente muita gente concorde comigo quando falo desse disco, especificamente. Este é um LP obrigatório. Não há restrições quando se trata de “A Love Supreme”.

Tocando com Miles Davis em um grupo fantástico e se apresentando noite após noite, os abusos com álcool e heroína começaram a prejudicar sua vida. A tal ponto que em 1957 chegou a ser demitido pelo próprio Miles. A partir daí, iniciou sua batalha contra o vício que devastava sua vida pessoal e profissional. Nesse mesmo ano experimentou um “despertar espiritual”, que segundo ele o conduziu a uma vida mais plena. Voltou para o trabalho com Miles um período (a tempo de produzir aquele que talvez seja o ponto máximo do jazz até hoje: “Kind Of Blue”), mas no início de 1960 sai de uma vez para formar seu próprio grupo. E deste contexto saiu sua maior obra, cinco anos depois.

Além do talento praticamente único para tocar o sax tenor, John Coltrane também é conhecido pela sua peculiar espiritualidade. “Eu acredito em todas as religiões”, dizia.  A relação de Coltrane com temas relacionados é tão forte que até mesmo existe uma seita, a Saint John Coltrane African Orthodox Church. É sério. O reverendo Franzo Wayne King é o pastor da congregação que mistura liturgia Africana com frases e músicas do saxofonista. “A Love Supreme” é uma espécie de “bíblia” para os membros, e tratam o LP como um objeto de estudo e veículo para a devoção. Isso tem algum nexo?

Bem, dizem que estava na ideia de concepção de “A Love Supreme” Deus e o físico alemão Albert Einstein, cujo trabalho John sempre manteve forte interesse. Unindo a ideia de uma força maior criadora, esoterismo e as infinitas possibilidades da Matemática, Coltrane tratou de fazer sua magnum opus: uma ode à sua fé no amor e em Deus.

Esse verdadeiro monumento é construído em quatro partes: “Acknowledgement”, “Resolution”, “Pursuance” e “Psalm”. São nesses 33 minutos, gravados em uma única sessão em 9 de dezembro de 1964, que John conseguiu o mais perfeito diálogo entre uma força sagrada e sua criatura, empregando a música como esse idioma tão misterioso. Quebras de tempo, improvisação, fraseados que beiram a fala, sutileza e potência… Não cabem adjetivos para o que fez aquele quarteto.

Em “Acknowledgement” Coltrane experimenta empregar a voz, entoando o nome do álbum como uma espécie de mantra, enquanto a banda entra em uma atmosfera cheia de groove latino. A voz do sax é apaixonada, determinada, de modo que parece um pastor pregando um evangelho. Pode parecer viagem, mas se você pensar que Coltrane tinha em mente justamente tocar sobre o “amor supremo”, me parece bastante razoável essa perspectiva.

As cores da música árabe (o que não é necessariamente coincidência, pois sabe-se que John flertou com o islamismo fortemente) dão forma ao belo desenho que é “Resolution”. A banda brilha com uma intensidade absurda. É uma música sem falhas, executada em sua perfeição. Ninguém poderia fazer melhor que aquelas quatro pessoas. Esse tempero do Oriente Médio com o escuro que o jazz evoca faz do tema irresistível. É como um riff de rock, pode morar na sua cabeça por dias.

“Pursuance” já começa com um solo destruidor de bateria e descamba para o virtuosismo sem soar excessivo. O tempo é rápido, a força é total e aqui o sax de Coltrane soa como o fluxo de consciência, mas de alguém que sabe pra onde ir. Sua dicção através de seu instrumento é fantástica. Destaque também para o belo solo de baixo que encerra a faixa.

Eis que chega “Psalm”, que talvez seja a mais refinada demonstração artística de uma fé pessoal, livre de imagens pré-concebidas. De fato, a faixa que encerra “A Love Supreme” é um arranjo baseado em um poema que Coltrane fez para Deus e imprimiu no álbum. Ele toca quase exatamente cada nota para cada sílaba do poema, baseando suas frases nas palavras.

Eis aqui o poema. É de chorar:

Depois disso, o que mais precisa ser dito? Ouça já esse gênio!

Construindo Zé Bigode: conheça as 20 músicas que mais influenciaram o som da banda

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Quando uma banda se forma, as influências de cada um dos integrantes são inúmeras e variadíssimas. Essa mistura de músicas, artistas, discos e sons entra em um imenso caldeirão musical e traz algo totalmente novo e cheio de identidade. É nessa construção de identidade que a coluna Construindo vai focar: aqui, traremos 20 músicas que foram essenciais para que uma banda ou artista criasse seu som, falando um pouquinho sobre elas. Hoje temos a banda Zé Bigode, que indica suas 20 canções indispensáveis. Não deixe de seguir o perfil do Crush em Hi-Fi no Spotify e ouvir a playlist desta semana, disponível no final do post!

Criolo“subirusdoistiozin”
Primeira musica que ouvi do Criolo, logo de cara achei o nome bem diferente, quando conferi o som ouvi uma base bem orgânica com uma pegada jazz, com aquele som de Fender Rhodes curti de cara e depois fui baixar o disco nó na orelha que foi bem importante pra mudar minha visão musical

Gil Scott Heron“Lady Day and John Coltrane”
Uma das minhas musicas favoritas do disco “Pieces of a Man”, clássico do Gill Scott Heron, essa musica toda vez que me sinto meio pra baixo serve de estímulo, assim como na letra ouvir “Lady Day and John Coltrane” levam os problemas pra longe, Gill Scott também o faz muito bem.

Oasis“Live Forever”
Ouvi muito Oasis na minha vida, e essa música sem duvida é uma das que mais escutei deles, lançada em 1994 no disco de estreia, o “Definitely Maybe”, escrita por Noel Gallagher, é uma homenagem a estar vivo.

John Coltrane“Acknowledgement”
Uma das músicas mais perfeitas da história da humanidade. É só isso que consigo dizer quando a ouço, muitos sentimentos nesse som aí! Sem contar que faz parte de um dos maiores discos da história, o “A Love Supreme”.

BaianaSystem“Playsom”
Só quem já foi num show do Baiana sabe a energia que é, e essa música pra mim é a que melhor define o som deles. Pedrada pura!

Nina Simone“I Put a Spell on You”
Nina Simone, né? Dispensa comentários, rainha!

Gilberto Gil“Drão”
Já era fã da musica desde sempre, quando descobri que era uma musica falando da separação dele com a Sandra Gadelha, um pedido de desculpas, tem vários jogos de palavras geniais.

Céu“Lenda”
Essa tem um groove que pega de primeira ouvida, lembro que quando descobri esse som e o disco de estréia dela, ouvi sem parar.

Elton John“Razor Face”
Eu podia indicar qualquer faixa do disco “Madman Across The Water”, que é um dos meus discos favoritos, mas vai “Razor Face”. Acho que é a que melhor representa essa fase do Elton John, quando ele tinha o timbre de voz bem agudo e lançava um clássico atrás do outro.

Gal Costa“Tuareg”
Se não me engano essa musica é do Jorge Ben. “Tuareg” mostra quanto o Brasil estava num ótimo momento musical no fim da década de 60, experimentando sonoridades de várias regiões do mundo e mesclando com a nossa musica tradicional. Os anos 60 foram bem intensos pra musica popular, apesar de politicamente estarmos em um dos piores momentos de nossa história.

Belchior“Alucinação”
Faz parte do álbum de mesmo nome, eu citaria o disco todo, mas escolho essa, que mostra o Belchior na sua melhor forma poética, dando o papo reto numa crítica ácida e certeira. “A minha alucinação é suportar o dia a dia”.

Chico Science e Nação Zumbi“Manguetown”
Chico Science talvez seja uma das minhas maiores influências, a sensacional analogia da parabólica fincada na lama… A música é isso, é universal, é um pouco de tudo que já escutamos nessa vida independente de território. Poucos souberam mesclar o tradicional com a vanguarda como Chico Science fez, um verdadeiro alquimista.

Jorge Ben“5 Minutos”
Falando em alquimista musical, aqui temos outro. “5 Minutos” chama minha atenção pela harmonia dela, diferente de quase tudo que ele fez. É torta mas tem groove, vê se pode?

Metá Metá“Oyá”
Metá Metá é uma das melhores coisas que a musica brasileira nos proporcionou nesse novo século. É punk? É samba? Música de terreiro? Escolhi “Oyá” por ter uma dinâmica entre a porrada e a calmaria.

Planet Hemp“Stab”
Nunca tive uma formatura, mas se tivesse certamente entraria com essa música. Escutei bastante quando andava de skate, me dá uma motivação enorme pra enfrentar as dificuldades.

Fela Kuti“Army Arrangement”
Essa música é quase um disco (risos). Com quase meia hora de duração, algo muito comum pro Fela Kuti, icone negro de resistência contra as opressões do governo e do imperialismo eurocêntrico.

Herbie Hancock“Dolphin Dance”
Uma mistura entre musica modal e musica tonal, um tema bem complexo de se improvisar, mostrando a verstatilidade harmônica do Herbie, uma lenda do jazz.

Miles Davis“So What”
Faz parte do essencial “Kind Of Blue”. Recomendo escutar esse disco a todos que querem saber mais sobre jazz. Ou melhor: a todos que gostam de ouvir música, recomendo a audição. Uma guinada que mudou o jazz, quebrando o virtuosismo técnico e cheio de progressões do bebop, inserindo o modalismo.

Led Zeppelin“Going To California”
Essa musica faz parte do clássico disco “IV”, amo todas desse disco, mas essa me marcou positivamente por bons momentos que tive embalados por esse som.

Milton Nascimento“Travessia”
Escolher uma do Milton é complicado, poderia fazer essa lista só com musicas dele que ainda faltariam mais 20! Mas “Travessia” é a minha favorita, desde a letra do Fernando Brant, que é uma das coisas mais lindas já musicadas, quanto a harmonia e arranjo. O trompete nessa faixa é algo de outro mundo.

“On The Road” – Um romance beatnik numa adaptação pro cinema cheia de jazz

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  • On The Road (Na Estrada)
  • Lançamento: 2012
  • Direção: Walter Salles
  • Roteiro: José Rivera (baseado no romance de Jack Kerouac)
  • Elenco Principal: Sam Riley, Garrett Hedlund e Kristen Stewart

O filme do diretor brasileiro Walter Salles, é uma adaptação do que é muito provavelmente, o mais importante romance da geração beatnik e um dos mais icônicos do século XX. A história conta das primeiras viagens pelas estradas americanas do jovem Kerouack (no livro sob o pseudônimo de Sal Paradise) e sobre sua amizade com Neal Cassady (no livro sob o pseudônimo de Dean Moriarty). Com a aparição de personagens que incorporam importantes figuras do círculo social do autor Jack Kerouack, como Allen Ginsberg e Wiillan Burroughs, o livro (e o filme) trazem toda uma ideologia de liberdade que foi a percursora da filosofia hippie.                                              

À esquerda – Sal Paradise e Dean Moriarty no filme de 2012. À direita – Jack Kerouac e Neal Cassady em 1952

Junto disso tudo, um dos elementos centrais na história é a música. Sendo Sal Paradise e seu amigo Dean Moriarty dois fanáticos pelo jazz dos bares baratos, a história é carregadíssima de referências ao gênero e o filme cheio de bebop na trilha sonora. Mas de todas as referências, a mais importante é bem possivelmente o Slim Gaillard.

Slim é citado como sendo o herói de Sal e Dean, (“Sim! Ele saca todas, ele saca todas!”), como um cara que entendeu o mundo. Ele é dito na história como uma espécie de xamã, um cara que entra num transe espiritual enquanto toca e meio que “viaja entre mundos”. Também conhecido como McVouty, o jazista ficou marcado por apresentações que misturavam seu talento multi-instrumental a uma comédia desencanada e pela invenção duma língua chamada “Vout-O-Reenee”, pra qual ele chegou a escrever um dicionário!

O filme ainda conta com uma série de outras de artistas citados no livro como Billie Holliday, Ella Fitzgerald, Charlie Parker e Dizzy Gilespie e também com músicas compostas especialmente pro longa pelo compositor argentino Gustavo Santaolalla, como a intrumental “The Open Road”, levada quase que inteiramente na percussão.

Segue em link o trailer do filme e a trilha sonora no Spotify:

Trailer:

“Fluxo” mostra a força orgânica e colaborativa do som instrumental jazzístico de Zé Bigode

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Zé Bigode
Zé Bigode

“Fluxo”, novo trabalho da banda Zé Bigode, é uma divertida e orgânica junção de jazz com música brasileira pelas mãos de diversos músicos comandados pelo compositor e instrumentista José Roberto Rocha, guitarrista e mentor do projeto. Além dele, a formação atual da big band conta com Daniel Bento (baixo), Thiago DaGotta (bateria), Victor Hugo (percussão), Rodrigo Maré (percussão), Victor Lemos  (saxofone), Thiago Garcia (trompete), Tiago Torres (trombone), Ingra da Rosa (poesia e spoken word), Pedro Guinu (teclados) e Jayan Vitor (guitarra). Ufa!

O disco foi gravado ao vivo no Estúdio Cia dos Técnicos em Copacabana ao vivo, para capturar toda a essência da banda, que é o trabalho musical em grupo, utilizando a cooperação entre os membros e seus instrumentos se entrelaçando de forma fluida. “O nome do álbum veio baseado na concepção de que as coisas acontecem naturalmente e foi o que rolou: reuni a banda, fomos pro estúdio e em dois dias saímos com 90% dele pronto, apenas seguimos o fluxo”, explica José. Conversei com ele sobre o trabalho, a carreira da banda, a cena musical hoje em dia e muito mais:

– Me contem um pouco mais sobre “Fluxo”, que vocês lançaram este ano!

José Roberto: “Fluxo” foi o marco inicial da banda, o primeiro trabalho já com a formação que dura até hoje. O nome dele veio baseado na concepção de que as coisas acontecem naturalmente e foi o que rolou: reuni a banda, fomos pro estúdio e em dois dias saímos com 90% dele pronto, apenas seguimos o fluxo.

– Como foi a gravação desse trabalho?

José Roberto: Foi gravado ao vivo no Estúdio Cia dos Técnicos em Copacabana. Pegamos duas sessões de 6 horas e gravamos as músicas. Foi tudo ao vivo, pra captar melhor a energia das musicas ao vivo, no nosso caso música instrumental mais voltada ao jazz e raízes populares. A energia está muito concentrada na troca de se tocar junto e isso influencia muito o som final, então era inviável fazer do jeito que a indústria tem feito nos últimos anos, que é um grava de cada vez depois junta tudo e está pronta a música.

– E como foi a criação das músicas que estão no disco?

Victor: O Zé chegava nos ensaios e nos apresentava a ideia inicial da composição, o esqueleto dela e então nós juntos trabalhávamos nela, no arranjo. Acho que todas elas foram feitas mais ou menos dessa maneira. E além disso tem os improvisos que saíram na hora da gravação mesmo.

– E como estão sendo os shows?

Victor: Tão sendo bem maneiros. O repertório é basicamente as músicas do “Fluxo”, quase todas, e algumas novas!

José Roberto: Os shows tem como base de repertório o disco “Fluxo”, porém tem rolado algumas musicas novas que sairão no formado de single no ano que vem. Ao vivo contamos também com a Ingra da Rosa que faz intervenções poéticas.

– Me contem como a banda começou.

José Roberto: A ideia do projeto veio comigo, no final de 2015 numa viagem a Recife, quando senti que era hora de fazer um trabalho que fosse mais na onda das coisas que eu vinha ouvindo e não tentar entrar em uma outra gig ou coisa do tipo. Assim que cheguei no Rio comecei a trabalhar em algumas músicas e gravei um EP chamado “Zé Bigode”, que foi basicamente feito todo por mim e contou com algumas participações como o Lucas Barata, o Rodrigo Maré e o Victor Caldas. Não sabia como o EP ia ser aceito, então deixei pra montar a banda depois do lançamento, e aí fui chamando os amigos dos quais tinha afinidade e vontade de trabalhar. As coisas foram acontecendo, mais gente foi chegando pra somar, até que a banda se formou.

– E como é a dinâmica em uma banda que tem tantos integrantes?

José Roberto: De uma forma geral é tranquila. Nós temos as coisas bem definidas, como dia e hora de ensaio. A grande maioria é parceira de sair pra beber e essas coisas, e todos tem interesses similares em relação ao que a música representa. De um tempo pra cá tem rolado uma formação reduzida pra alguns eventos que se constitui em um quinteto, mas é só quando o local em que vamos tocar não comporta todos da banda, ou caso role alguma viagem que seja mais na correria e dependa de um esforço financeiro maior dos músicos. O famoso “tirar do bolso” (risos).

– Hoje em dia vemos que existe um crescimento das bandas instrumentais no meio independente. Como esse formato foi redescoberto?

José Roberto: É, não sei se redescoberto é a palavra certa, porque sempre rolou som instrumental, só que agora a galera tem investido mais em outras coisas além da música, numa arte legal, num conceito, em como fazer a musica instrumental ser algo rentável… Muita gente tem na cabeça que música sem voz é apenas pra músico, o que às vezes tem um certo fundo de verdade. Muito músico se preocupa apenas em ser um bom músico tecnicamente e afins, e esquece que a música instrumental é também uma forma de expressão. Dá pra você fazer um som instrumental e estar inserido no contexto, afinal é tudo música. Quem vem com esse papo aí de separar as coisas por etiqueta é o mercado, né…

– Quais as principais influências da banda?

José Roberto: Acredito que não tem uma influência soberana, todos procuram escutar bastante música e coisas novas, então as referências estão sempre mudando. Mas rolam os pontos em comum, que é o lance de cultura popular como Maracatu, o Fela Kuti, Miles Davis, Rumpilezz, Moacir Santos, Lauryn Hill, e essa galera que tem feito o som contemporâneo, Abayomi, Nômade Orquestra, Bixiga 70

– Como vocês veem o mundo da música hoje em dia, especialmente no meio independente?

José Roberto: Tem muita coisa rolando, muita coisa boa, o que é ótimo. Hoje qualquer pessoa pode gravar suas musicas, não precisa de uma gravadora nem nada. Democratizou nesse sentido, mas o que acaba rolando é que o fluxo de novos artistas é tão intenso que muitos passam batido e acabam não sendo “visualizados”. Aí volta um pouco a antiga lógica: quem tem grana pra investir é quem aparece mais, ou quem tem os contatos. Se todo dia tem uma pá de disco novo, como é que tu vai aparecer? Claro que a musica é fundamental nesse processo, o independente é mais sincero nesse sentido, mas ainda vale um pouco daquela lógica quem tem grana sai uns passos na frente de quem não tem.

– Ou seja: mesmo sem as gravadoras, ainda continua do mesmo jeito. Quem tem o bom e velho apoio de alguém grande segue uns degraus acima.

José Roberto: Sim, sem contar os filhos de fulano e beltrano que automaticamente já elevam o status a algo que vale a pena, sendo que muitas vezes a pessoa nem tem um trabalho pronto. É complicado, mas acho que faz parte, né? É nesse sistema que nós vivemos, mas da galera que eu tenho visto aí circulando a grande maioria tem uma boa música e uma boa mensagem pra passar. Então, a balança equilibra, coisa que no mainstream é raro encontrar.

– Quais os próximos passos da banda?

José Roberto: Estamos finalizando as datas de show aqui no Rio, iremos participar de uma coletânea em homenagem ao Guilherme Arantes no inicio de 2018, e irão vir uns 2 singles com clipe um no primeiro semestre e outro no segundo semestre e tocar fora do Rio. Alô Recife, alô Nordeste: chama nóis! (risos)

– Recomendem bandas e artistas independentes que chamaram sua atenção nos últimos tempos!

José Roberto: Tem o pessoal do O Quadro da Bahia, IFÁ, da Bahia também, Orquestra Contemporânea de Olinda em Pernambuco… Aqui no Rio tem a Foli Griô Orquestra, Relogio de Dali, Amplexos… Em Sampa tem a Nômade Orquestra, a Xenia França, Luedji Luna, Rincon Sapiência, em BH o pessoal do Zimun… Como eu disse, muita coisa rolando.

https://open.spotify.com/album/1ksBypufTDA6n88DP9ZT3U

Construindo Arnaldo Tifu: conheça as 20 músicas que mais influenciaram o seu som

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Quando uma banda se forma, as influências de cada um dos integrantes são inúmeras e variadíssimas. Essa mistura de músicas, artistas, discos e sons entra em um imenso caldeirão musical e traz algo totalmente novo e cheio de identidade. É nessa construção de identidade que a coluna Construindo vai focar: aqui, traremos 20 músicas que foram essenciais para que uma banda ou artista criasse seu som, falando um pouquinho sobre elas. Hoje temos o rapper Arnaldo Tifu, que indica suas 20 canções indispensáveis. Não deixe de seguir o perfil do Crush em Hi-Fi no Spotify e ouvir a playlist desta semana, disponível no final do post!

Pepeu“Nome de Meninas”
Foi um dos primeiros rap que escutei na vida, e pelo fato das rimas serem genuínas é simples incentivou a brincar de fazer rima e estimulou, uma grande referência.

Racionais MCs“Fim de Semana no Parque”
Esse som veio como as vozes das periferias, narrando características fortes do cotidiano. Quando eu escutava essa música e olhava pro bairro, eu via tudo que a música falava: a descrição, a base e a poesia forte, representatividade.

Consciência Humana“Tá na Hora”
Esse rap me ensinou que eu poderia falar do meu bairro, foi uma referência que incentivou fazer rap também, me influenciou a escrever meus primeiros versos.

MC Cidinho e Doca – “Rap da Felicidade”
Esse funk, além da batida miami bass que parece um sampler do Afrika Bambaata da música “Planet Rock”, tem a voz forte que clamava por paz nas favelas. Na época em que foi lançado a linguagem simples e batida dançante contagiou a juventude das favelas do Brasil, e pra nós não poderia ser diferente.

Kool Moe Dee“Go See the Doctor”
Lembro das festinhas de garagem, da casa de máquina do Dudu tocando os flashback e os flash raps que bombavam… O Dudu me deixava limpar os discos em troca de uma ficha e uma Tubaína e ficava me falando como eram os bailes do Clube House e ensinando como eles dançavam em passinhos.

Tim Maia“Ela Partiu”
Música que me ensinou o que era o sampler, por que a primeira vez que ouvi os arranjos desse som foi na música “Homem na Estrada” dos Racionais. Depois que eu escutei Tim Maia entendi como podia se fazer rap através do sample e a importância que o rap tem em resgatar músicas através da arte de samplear.

Raul Seixas“Maluco Beleza”
Meu pai curtia bastante as músicas do Raul, ele tinha várias fitas K7 e sempre colocava essa música em alto e bom som pra gente escutar e cantar, e depois usei as fitinhas tudo pra gravar rap (risos).

Fundo de Quintal“Amor dos Deuses”
Vim do berço do samba e essa música a gente já tocava desde pivetinho nas rodas de samba com meus primos e lideradas pelo meu tio avô, o Tio Cido, que já fazia a gente empunhar um balde, um prato ou uma frigideira pá tocar um samba. Já naquela época a gente ficava encantado com a poesia desse samba.

Facção Central“Artista ou Não?”
Rap de mensagem forte me ensinou desde a primeira vez que eu escutei a identificar o rap como arte.

Rage Against the Machine“Killing In The Name”
Vixi! Essa música marcou meus circuitos de skate, quando tava na febre e ia correr os campeonatinho, já pedia pro DJ tocar essa. Já até me aventurei em cantar numa banda cover do Rage e Beastie Boys (risos).

Planet Hemp“Mantenha o Respeito”
Teve uma época que o hardcore ficou bem forte na minha vida, principalmente com o surgimento de bandas nacionais com a pegada do rap e do rock. O Planet foi muito significante nesta época, foi a época que comecei a ficar mais cabeção no skate e sair mais do bairro pra curtir com outras quebradas e dialogar com diferentes tribos.

Fugees“Killing Me Softly”
A voz feminina do rap/R&B forte e representativa demais, marcou minha vida apaixonado em escutar as música dessa mulher.

Wu Tang Clan“Triumph”
Abriu minha mente pra prestar atenção nos diversos modos de se versar num rap, cada um rimando nessa banca com suas peculiaridades e o boom que foi quando surgiu o Wu Tang, nós curtimos muito.

Criolo“Ainda Há Tempo”
Ainda quando o Criolo era doido, vi um show dele e quando ele cantou essa música ele se emocionou e comoveu o público que estava presente no evento, cerca de umas 70 pessoas. Mas o sentimento e a verdade versados nessa música foi impactante, foi um hino pra minha vida.

Cassiano“Onda”
Música que hipnotiza, mais instrumental e realmente parece que a música é o oceano em movimento, uma das música que me trazem paz.

Herbie Hancock“Chameleon”
Original funk, este groove me inspirou a criar vários versos, levadas e flows, pra mim uma aula. É inspiração e toda vez que escuto fico com vontade de criar.

Arnaldo Tifu“Simplicidade”
Essa música minha é uma obra pela qual eu tenho muito carinho, acho que eu consegui transmitir a simplicidade que vivo no meu cotidiano e que eu almejo para as pessoas do mundo.

Thaíde e DJ Hum“Afro Brasileiro”
Tá aí uma música que me ensinou sobre a minha descendência, orgulho, alto estima e luta.

John Coltrane“Blue Train”
Essa música é sensacional, tipo um teletransporte. Me inspirou a criar alguns personagens, uma nova maneira de explorar a música e introduzir isto no meu universo criativo.

Emicida“Triunfo”
Esse som foi as vozes das ruas da minha geração no rap. Quando Emicida lançou e estourou com este som, me mostrou a possibilidade de fazer a parada acontecer de verdade, pela vitória e pelo triunfo. E como vivíamos todos bem próximos nas rodas de rima de freestyle, esse som foi um hino pra nós. Emicida provou que é possível. E essa música marcou!

“Cowboy Bebop” (1998): um anime futurista e cheio de jazz

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Cowboy Bebop
Cowboy Bebop

Sinestesia, por Guilherme Gagliardi

Cowboy Bebop
Lançamento: 1998
Direção: Shinichiro Watanabe
Elenco Principal: Steven Blum, Beau Billingslea e Koichi Yamadera


“Cowboy Bebop” se passa em 2068, um futuro muito loko com portais intergalácticos que permitem viagens em minutos e numa estilera Blade Runner, cheio de jazz e meio blazè gostosão, Spike, um caçador de recompensas, vive junto do amigo/sócio no que parece uma espécie de trailer espacial. Com um cigarro na boca e um cabelo muito style, o personagem anda sempre atormentado pelo seu passado, que vai se revelando de modo meio misterioso a cada encontro que acontece, seja com quem vai ficar pro resto da história, seja com quem aparece só em flashbacks… (Meio clichê, mas da hora pacarai!)

Perfeito pra quem tá a fim de assistir uma coisa de boa e que não exija muito da cabeça, o anime de 98, apesar de se apropriar duma série de elementos e soluções de roteiro bastante mainstream, é com certeza uma delícia, e se não impressiona pela originalidade da estrutura, a trilha deixa qualquer um que assista boquiaberto.

O adjetivo escolhido pra caracterizar o cowboy no título da série é o que leva os fãs do beat Thelonious Monk a clicar no play. Com um jazz bebop fantástico, às vezes intercalado com algum delta blues, a série japonesa ataca com aquele climinha smooth que dá sempre uma ótima sensação.

Devo dizer, contudo, que a minha música favorita da trilha é uma valsinha no melhor estilo valsa-jazz, tipo “Waltz for Debbie” do Bill Evans: “Waltz for Zizi”, música que toca várias vezes ao longo da série, acompanhando as cenas de reflexões nostálgicas e lhes empresta um lindo caráter felizinho good vibes.

Além disso, a música também está presente no título dos episódios, muitas vezes referentes à icônicas faixas do jazz, do blues e do rock, como no episódio “Honky Tonk Women”, que leva o nome do som dos Stones.

Foi feita em 2014 pelo Adult Swim uma série chamada Space Dandy, uma referência/plágio/homenagem ao anime noventista, porém sem a trilha jazz bebop que enfeita a série do Cowboy.

Em cima: Bebop; embaixo: Dandy.

Segue em link o primeiro episódio legendado e a trilha sonora completa.

Ep.1: http://mais.uol.com.br/view/tyccl3p7nhf5/cowboy-bebop-01-04024C99376AE0A14326?types=A&

Trilha completa:

O Século XX animado e musicado na animação “American Pop” (1981)

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American Pop

Sinestesia, por Guilherme Gagliardi

American Pop (American Pop)
Lançamento: 1981
Diretor: Ralph Bakshi
Roteiro: Roni Kern
Elenco Principal: Mews Small, Ron Thompson, Jerry Holand

O bisneto no fundo; o bisavô na frente.

Fugindo do Pogron russo de 1903, uma mãe e seu filho chegam nos EUA sem nada e começam a trabalhar: a mãe com costura e o filho distribuindo panfletos num bar. Ela morre e a criança passa a viver com o homem que o contratara. A partir disso, o órfão começa a frequentar os palcos do bar, sempre na cochia, até que por convívio com o universo dos shows começa a se apresentar. Vai pra primeira guerra, volta vivo, continua a cantar, se envolve com a máfia (seu “tutor” era parte dessa), se casa e tem filhos.

Seus filhos tem filhos e esses também tem. É por esse fio genealógico que corre o filme, contando a história americana do século XX (até a década de 80, quando o filme foi feito), através de hits da música pop de cada época, sempre se encaixando na vida do protagonista da vez (o filme conta com um protagonista para cada uma das quatro gerações), misturando o som com as situações vivenciadas por cada um, que de modo geral representam as vivenciadas pelos jovens da geração representada.

Desde um jazz que antecede (e muito) o be-bob do Thelonious Monk até uma proto new-wave, o filme passa por músicas famosas (afinal, foram hits), de conhecimento mais que popular, como “Sing, Sing Sing”, de Benny Goodman, “Somebody to Love” de Jefferson Airplane, “This Train” de Peter, Paul and Mary, “Take Five” de David Brubeck Quartet, “Turn Me Loose” de Fabian e “Don’t Think Twice” de Bob Dylan, dentre várias outras, sempre compondo junto a ilustração fantástica dos filmes de Ralph Bakshi (que faz uma ponta no filme, como o pianista que diz à mulher do órfão que seu som será um hit), cenas psicodélicas e absurdamente lindas. Contudo, é interessante dizer que nos créditos, a autoria das músicas é dada a personagens ficcionais!

Os filhos e netos, porém, apesar de sua sempre muito forte relação com as notas (de qualquer instrumento que fosse), nunca conseguem alcançar a fama e passam a vida nos bastidores, por motivos diversos, relacionados à guerras, abuso de drogas, máfia e etc. (Vale dizer, os mesmos que os levam ao universo musical). Cabe ao bisneto tentar virar o jogo…

Segue o link para o filme completo (numa versão meio bosta, mas tá aí…):

5 Pérolas Musicais escolhidas a dedo por Mirella Fonzar, editora do Universo Retrô

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Mirella Fonzar, do Universo Retrô
Mirella Fonzar, do Universo Retrô

Todo mundo tem seus gostos, preferências e, é claro, seus garimpos no mundo da música. Com certeza tem alguma banda ou artista que só você conhece e faz de tudo para espalhar o som entre seus amigos e conhecidos. “Todo mundo precisa conhecer isso, é genial!” Se você é aficionado por música, provavelmente tem uma pequena coleção pessoal de singles e discos que não fizeram sucesso e a mídia não descobriu (ou ainda vai descobrir, quem sabe) que gostaria que todo o planeta estivesse cantando.

Pois bem: já que temos tantos amantes da música querendo recomendar, o Crush em Hi-Fi resolveu abrir esse espaço. Na coluna “5 Pérolas Musicais”, artistas, músicos, blogueiros, jornalistas, DJs, VJs e todos que têm um coração batendo no ritmo da música recomendarão 5 músicas que todo o planeta PRECISA conhecer. Hoje, a convidada é Mirella Fonzar, editora do Universo Retrô! “PS: Todos os sons são retrô, porém atuais”, frisou ela.

Pokey Lafarge“Close The Door”

Gênero: Country Blues e Western Swing

“Conheci Pokey Lafarge por acaso, vendo o line-up de um festival que eu tinha interesse em ir nos Estados Unidos. Então, tive a oportunidade de vê-los ao vivo no Muddy Roots 2014 e confesso que viciei. Adoro essa roupagem de jazz/swing dos anos 20, com letras ácidas super contemporâneas, e uns toques de blues/hillbilly. Atualmente, a banda pertence à gravadora Third Man Records, de Jack White, e anda fazendo bastante sucesso nos EUA, mas ainda não chegou aqui no Brasil. Vale a pena conferir “Close The Door”, uma crítica super interessante sobre o sistema de saúde americano!”

Omar Romero “Have A Ball”

Gênero: Rockabilly

“Há quem chame o Omar Romero de Elvis Presley latino. Não sei se dá pra comparar, pois acredito que os dois, apesar de fazerem rockabilly, têm pegadas bem diferentes. O Omar faz parte atualmente da gravadora Wild Records, especializada em Rockabilly e Rock ‘n Roll 50’s, e como a maioria dos contratados, ele é descendente de mexicanos e vive em Los Angeles. Ele é um dos responsáveis atualmente por ressaltar a presença latina nesse gênero que nasceu com os brancos americanos, porém dando aquela apimentada que eu, particularmente, adoro. É um som mais rápido e diria até mais selvagem que o rockabilly tradicional. Dá vontade de sair dançando!”

Jai Malano“Shuck’n’Jive”

Gênero: Rhythm and Blues

“Conheci a Jai também bem por acaso. Rolou um show dela no The Orleans, aqui em São Paulo, e uns amigos meus me chamaram para ir, pois sabiam que ela faz sucesso entre o pessoal do retrô. Ela é americana, negra e tem aquela voz poderosa que te arrepia a alma e te faz querer sair pulando. Ela canta Rhythm and Blues tradicional dos anos 50 e até hoje eu não consigo entender por que tem tão pouco material disponível pra se ouvir online, tanto no youtube quanto em plataformas de streaming musical. Foi um show inesquecível; ela é uma artista que eu realmente gostaria que tivesse mais visibilidade do que tem hoje. Portanto, mundo, ouça Jai, agora!”

Lance Lipinsky & The Lovers“So Real”

Gênero: 50’s & 60’s inpired

“Sabe aquelas bandas que são amor à primeira vista? Pois foi isso que aconteceu com Lance Lipinsky & the Lovers. Eles me seguiam no Instagram e costumavam curtir minhas postagens, já que compartilhamos o amor pelo retrô. Então, resolvi stalkear a banda. O som deles é tão variado que fica difícil colocar um rótulo de gênero. Esse som, por exemplo, que escolhi abaixo – “So Real” – te transporta pra uma Era em que reinavam Elvis Presley e Roy Orbison com suas “love songs” ricas em detalhes e super trabalhadas; são vários instrumentos clássicos, como arpa e violino, backing vocals femininos maravilhosos, além do piano, voz e toda produção impecável de Lance. Vale ressaltar que ele fez o Jerry Lee Lewis no musical “Million Dollar Quartet””.

Kitty, Daisy and Lewis“I’m Coming Home”

Gênero: Música retrô de modo geral

“Tá aí a verdadeira família Dó-Ré-Mi. Os irmãos britânicos Kitty, Daisy & Lewis, que cantam e tocam instrumentos variados (muito bem, por sinal), montaram uma banda nos anos 2000 com seus pais Graeme Durham (guitarra) e Ingrid Weiss (baixo). Eles são realmente incríveis, principalmente pra quem não curte rotular a música e gosta de experimentações. Eles tocam de blues, folk e rockabilly a funk, swing, ska e soul. Mas, infelizmente, apesar da banda já ter mais de 15 anos, ainda são pouco conhecidos na América do Sul. Quem sabe se a gente divulgar mais eles não venham se apresentar no Brasil? #Sonho!”

Bônus

Nick Curran “Kill My Baby”

Gênero: Rock ‘n Roll e Rhythm and Blues

“Como eu não ser brincar de ser concisa, tive que trazer a cereja do bolo pra finalizar: Nick Curran. Infelizmente ele faleceu em 2012 (super jovem), mas deixou uma obra incrível pra quem curte Rock ‘n Roll. Ao ouvir pela primeira vez, parece que você volta nos tempos áureos de Little Richard e os poderosos vocais de Rhythm and Blues (apesar de ser branco), mas com um som forte e moderno que não deixaria uma pista de dança parada nunca. Se você curte a garageira do Sonics e sons dos anos 40 e 50, com certeza vai amar Nick Curran”.