Construindo Psychotria: conheça as 20 músicas que mais influenciaram o som da banda

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Quando uma banda se forma, as influências de cada um dos integrantes são inúmeras e variadíssimas. Essa mistura de músicas, artistas, discos e sons entra em um imenso caldeirão musical e traz algo totalmente novo e cheio de identidade. É nessa construção de identidade que a coluna Construindo vai focar: aqui, traremos 20 músicas que foram essenciais para que uma banda ou artista criasse seu som, falando um pouquinho sobre elas. Hoje temos a banda Psychotria, que está lançando seu primeiro EP, “Citrus”, e indica suas 20 canções indispensáveis. Não deixe de seguir o perfil do Crush em Hi-Fi no Spotify e ouvir a playlist desta semana, disponível no final do post!
Novos Baianos“A Menina Dança”
Jean Paz: Por mim, colocava todas dos Novos Baianos.  Aliás, o que eu mais queria na vida era ser um “Novo Baiano”. E o projeto nasceu disso. Dessa vontade de sair da cidade e ir morar em um sítio com uma galera massa, passar o dia todo fazendo um som e jogando bola, sem se preocupar com trânsito, Wi-Fi que não funciona ou ter dinheiro para a condução. Mas já que é uma música, vamos de “A Menina Dança”.  Porque a Baby tem a voz mais linda do mundo.
Planet Hemp“021”
Jean Paz: Essa letra tem a melhor descrição possível sobre a cidade do Rio de Janeiro.  E poucas bandas sabem colocar o dedo na ferida como o Planet Hemp faz. Essa voracidade está presente na segunda música do nosso EP, “Um Tucano Só Não Faz Verão”. Aproveito para confessar que compusemos essa música pensando no B.Negão.
(Se por acaso ele ler essa matéria um dia, é importante que saiba que está convidado a cantar conosco).
Mutantes“A Hora e a Vez do Cabelo Crescer”
Jean Paz: Essa música contém uma das minhas linhas de baixo preferidas. E Liminha é um Deus.  Ele e o Robinho Tavares são os professores que eu nunca tive. Nunca consegui executar nenhuma linha deles, mas aprendo muito. E essa música, em especial, abriu minha mente. Pois comecei ouvindo punk e grunge, e quando me deparei com esse baixo, em especial, foi um choque. E é uma referência nas nossas canções no momento em que o baixo assume o protagonismo.
Rage Against the Machine – “Zapatas Blood”
Jean Paz: Sim, o sangue de Zapata tem poder. E a questão colonização, regimes ditatoriais, latifúndio e distribuição de renda está muito presente na nossa obra. Devemos isso ao escritor uruguaio Eduardo Galeano. Inclusive, cogitamos chamar a banda de “Veias Abertas”, em homenagem a ele. Acabamos homenageando a sua obra, e a de Pedro Juan Gutierrez na canção “Trilogia Suja”. Isso sem falar na importância do Tim Commerford (ouçam Wakrat, outra banda dele que me desgraça as ideias) para meu trabalho e meus estudos (e minhas tentativas de cantar).
Body/Head – “Abstract”
Jean Paz: Body/Head é a banda que a Kim Gordon montou quando o Sonic Youth deixou de existir. A intro da música “Chacrona” é uma referência a esse som e ao Sonic Youth de um modo geral.  Meu primeiro contato com esse trabalho foi através dessa música. E a primeira vez que eu ouvi, pensei: “Bah, eu queria ter escrito isso”.
Zé Geraldo“Como diria Dylan”
Van Batuca: Essa música em especifica me permite sentir uma vitalidade que por sua vez endossa a ideia de que cada um de deve re-construir a própria história. Conhecendo a Banda Psychotria, e hoje fazendo parte da mesma, sinto que as diversas influencias, reunidas permitirá re-construir uma nova história escrita por cada.
Ramones“Blitzkrieg Bop”
Van Batuca: Uma das primeiras inspirações e inclinações internacionais para adentrar no mundo da música. Na minha opinião, essa música se tornou hino e uma das marcas da banda. Acredito que toda banda tem sua marca e sutilmente o seu hino. Desde o primeiro contato com a Banda Psychotria, compreendi que nosso hino e nossa marca
vêm sendo construído, o primeiro encontro foi inusitado, construir com o desconhecido criar a marca e se fazer conhecido.
Jean Paz: O punk está presente no nosso trabalho, seja na sonoridade, na atitude ou na estética.
Plebe Rude “Até Quando Esperar”
Van Batuca: Música que faz refletir e alimentar o pensamento crítico, que por sua vez reforça a ideia de que esperar não é o caminho. Sair da zona de conforto, fazer isso pulsar mais forte na vida de cada um, se encaixa em umas das propostas da banda.
Jean Paz: A Plebe é uma das bandas mais bacanas dessa geração que deixou Brasilia. E esse som é um hino.
“Maraka’anadê” (A festa dos nossos marakás) tradicional do povo Ka’apor – Adaptação Djuena Tikuna
Van Batuca: Ao passo que os povos originários seguem suas vidas com o espirito de luta, tal musica me soa com enorme vitalidade e assim a mesmo propõe a união entre os povos. Assim, acredito que á musica tem esse poder de unir os diversos povos, independente de gênero, raça, credo, com estilos variados, tudo isso e mais um pouco.
A música indígena me inspira, energiza e alimenta o meu espirito criativo.
Van Batuca: Maracatu Ilê Aláfia, Cia Caracaxá, Mucambos Raiz de Nagô e os diversos grupos e nações de Maracatu, que continuam fortalecendo a cultura tradicional de Recife, que ampliou meu olhar e permitiu misturar outros componentes dentro da proposta de musicalidade trazida pela Banda Psycotria.
Captain Beyond – “Myopic Void”

Felipe Nunes: Influenciou a bateria de duas de nossas músicas “mais soltas” (“Chacrona” e “Celofane”), em que conduzo a bateria de uma forma mais livre, sem perder a marcação.

Led Zeppelin – “In The Evening”
Jean Paz: Na verdade, tudo começou com o Led Zeppelin. No início tudo era escuridão… Ai apareceu o Felipe, fã de Led e se juntou comigo, que também sou fã, e nasceu a cozinha da Psychotria. 

Black Sabbath – “Spiral Architect”
Felipe Nunes: Essa música me dá uma brisa e ajuda a aflorar a criatividade.
Raimundos – “Mas Vó” e Zeca Baleiro – “Babylon”
Felipe Santos: Me dão o ímpeto da pegada mais reativa e “raivosa” pra tocar musicas como “Um Tucano Só não Faz Verão” e “On the Road”.
Walter Cruz: Particularmente são exemplos de sons que me influenciam e inspiram em diversos processos criativos devido a suas altas cargas e características históricas de inovação, confluência de elementos étnicos, experimentalismos e psicanálise humano-social. O produto da fusão conceitual desses e outros sons são bases fundamentais para construção do nosso som psychotríaco.
Chico Science e Nação Zumbi“Da Lama Ao Caos”
Walter Cruz: Uma das maiores influências, com certeza. Pesado, Psicodélico. Necessário.
Talking Heads – “Psycho Killer”
Walter Cruz: Outro hino de outra banda que começou tocando no CBGB.
Einstürzende Neubauten – “Sehensucht”
Walter Cruz: Para não dizer que não citamos Pistols, segue uma versão alemã dos garotos do Malcolm McLaren. Com mais ruído e sujeira. E todo o experimentalismo que desejamos para nossas canções.
Gong – “How to Stay Alive”
Walter Cruz: Essa música tem um dos clipes mais inspiradores de todos os tempos. E isso vai de encontro à nossa proposta de estimular a Multisensorialidade e sinestesia durante nossas apresentações.
Fela Kuti – “Sorrow, Tears and Blood”
Walter Cruz: Para fechar a lista e a miscelânea sonora que nos influencia, segue esse som do rei do Afro Beat. Swing na medida certa e uma letra pesada.

Cantarolando o funk guerrilheiro de “Bucky Done Gun” (2004), da M.I.A

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M.I.A.

Aí um dia, em meados de 2005, passa um clipe na MTV de uma moça com cara e sotaque meio de indiana, cantando uma letra visivelmente política, embalada por um funk carioca. A batida – e a corneta, o sampler de um pedaço daquela música do Rocky Balboa – já eram muito familiares para nós, brasileiros, apesar de nunca ter sido tocada em um veículo de mídia mainstream antes. Era a faixa “Bucky Done Gun”, do disco de estréia de M.I.A.,“Arular” (2004).

Antes de fazer música, M.I.A era envolvida com artes visuais. De certa forma, isso reflete em seu disco “Arular”, que é bastante estético e com canções cujas estruturas lembram muito aquelas colagens e lambe-lambes políticos em muros coloridos. A estética de guerrilha e do “faça você mesmo” punk e hip hop também é refletida pela arte gráfica do disco e dos clipes.

M.I.A. teve seu primeiro impulso para começar a compor quando teve acesso ao pequeno sintetizador Roland MC-505, que conheceu através da cantora Peaches. Ela ficou inspirada pela autonomia e o impacto que Peaches tinha ao cantar sozinha com programações de sintetizadores, e conseguiu um emprestado de sua amiga Justine Frischmann, do Elastica.

M.I.A. em seu quarto produzindo seu primeiro disco

Logo M.I.A começou a compor em seu quarto e conseguiu, através do empresário de Justine, um contrato com a XL Recordings, uma das gravadoras independentes mais icônicas da Inglaterra.

A propósito, M.I.A não é indiana, mas britânica, com descendência do Sri Lanka, inclusive o nome do disco trata-se de um codinome utilizado por seu pai durante a guerra civil do Sri Lanka nos anos 70. Até hoje existem movimentos separatistas na ilha do Sri Lanka, onde os conflitos começaram desde a invasão britânica protestante no século XIX. Uma daquelas histórias longas, complexas e violentas, que sempre têm um colonizador no meio.

Apesar de as letras terem cunho politico, não são panfletárias e nem pesadas. Pelo contrário, elas são feitas para dançar e têm bastante apelo pop.

O funk carioca utilizado na música é “Injeção”, de Deise Tigrona. A funkeira, apesar de ter tido uma visibilidade consideravelmente razoável na época – ela chegou a fazer participações em alguns shows da M.I.A. e fez turnês na Europa em parceria com o DJ Diplo, que estava super em alta -, mas não ganhou um tostão com os samples de “Bucky Done Gun” e, pelo menos até o ano passado, estava trabalhando como gari. Infelizmente para Tigrona, os direitos autorais do sample de M.I.A. referem-se à produção da música, que pertence ao DJ Marlboro.

O fato é que o sucesso de “Bucky Done Gun” aqui no Brasil abriu os olhos dos hipsters de classe média alta para o funk carioca misturado com o eletroclash, e armou o terreno para surgirem aquelas bandas como Cansei de Ser Sexy e Bonde do Rolê, alguns anos depois. Mas o fato é que M.I.A. conseguiu abraçar justamente o elemento de periferia do groove funk carioca, o que faz com que o funk de “Bucky Done Gun” soe autêntico e não simplesmente uma emulação de algo distante de sua realidade.

Sit’n’Spin: o programa de rádio universitário de Nova Jérsei que virou banda

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Sit'n'Spin

A banda Sit ‘n’ Spin começou sua carreira da forma mais noventista possível: em uma rádio universitária em New Brunswick, Nova Jérsei. O programa de Heidi Lieb (guitarra e vocal) e Sue Stanley (baixo) chamava Sit ‘n’ Spin e como cada uma tocava um instrumento, chamaram a baterista Poot McKenna e a guitarrista Mony Falcone, reuniram suas infuências de RamonesRonettes, Link Wray e Chuck Berry e seguiram em frente com sua versão de carne e osso de Josie e as Gatinhas, fazendo um som que já foi descrito como “a epítome da diversão”.

Com três discos na bagagem (“Pappy’s Corn Squeezin” (1997), “Enjoy the Ride” (2000), e “Doin ‘Time with Sit n’ Spin” (2004)) e diversos singles, a banda agora faz shows quando dá na telha e não planeja o futuro. “Nenhum plano específico”, contou Heidi. Veja mais de minha conversa com a líder da banda:

– Como começou a banda?
A Sit n ‘Spin começou na cidade universitária de New Brunswick, Nova Jérsei, onde todos estavam em uma banda. Eu costumava fazer um programa de rádio com minha amiga Sue, que estava aprendendo baixo enquanto eu estava aprendendo guitarra. Sua colega de quarto era baterista. Nós três decidimos tentar escrever músicas, e assim fomos!

– E de onde surgiu o nome da banda, Sit n’ Spin?
Nosso programa de rádio na rádio da faculdade chamava Sit n ‘Spin. Uma de nós “sentava” e a outra “girava” os discos. Assim, Sit n ‘Spin. Sit n ‘Spin também é um brinquedo de criança no qual você se senta e gira. É incrível e divertido, como a nossa música.

Sit ‘n’ Spin

– Quais são as principais influências da banda?
São tantas. British invasion (The Kinks, The Who), rock’n’roll dos 50’s (Chuck Berry, Eddie Cochran), girl groups (Shangri-las, Ronettes) e um pouco de punk dos anos 70, como Ramones.

– Me contem um pouco mais sobre o material que vocês já gravaram.
Temos três discos: “Pappy’s Corn Squeezin” (1997), “Enjoy the Ride” (2000), e “Doin ‘Time with Sit n’ Spin” (2004). Além disso, temos um monte de singles e estamos em muitas compilações.

– E já estão trabalhando em novos sons?
Não, no momento não. Acabamos de voltar a nos reunir para comemorar o 20º aniversário do nosso primeiro CD, então estamos nos concentrando no nosso catálogo existente.

– Como é o processo de composição da banda?
Principalmente as letras primeiro, mas às vezes a melodia vem primeiro. Eu sugiro uma ideia, faço uma demo, trago para a banda, e então todos ajustamos juntos.

Sit ‘n’ Spin

– Qual é a sua opinião sobre a era de streaming em que vivemos?
Ótimo para os fãs de música! Bom para as bandas serem ouvidas sem precisar de uma gravadora. Ruim para bandas que não estão vendo dinheiro de downloads/streaming. O processo parece tão misterioso. Nós temos música para venda, mas não tenho idéia de quem está recebendo o dinheiro quando as pessoas compram do iTunes, Spotify, etc.

– Descreva um show para alguém que nunca viu.
O objetivo é se divertir – para nós e para o público. Principalmente para nós, aliás.

– Talvez possamos ver vocês no Brasil algum dia?
Se alguém quiser nos levar, gostaríamos de ir!

– Quais são os seus próximos passos musicais?
Nós estamos fazendo shows ocasionais. Nenhum plano específico.

– Recomende bandas e artistas independentes que chamaram sua atenção ultimamente.
Acabamos de ir para Atlanta para tocar com duas das nossas bandas favoritas, Tiger! Tiger! e Subsonics, ambos incríveis e também as pessoas mais bonitas da Terra.

“Procurando Sugar Man” (2013): o verdadeiro significado do sucesso

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Rodriguez

Ano: 2013
Direção: Malik Bendjelloul
Duração: 1h26min

Já imaginou como seria se Bob Dylan jamais tivesse alcançado sucesso? Ou se por alguma razão, ele seguisse por outros caminhos que não o mundo da música? É possível se ter uma ideia ao assistir “Procurando por Sugar Man” (“Searching for Sugar Man”, 2013), documentário vencedor do Oscar, que retrata a lenda em torno do músico Sixto Rodriguez, até então era um quase total desconhecido. Quase!

Existe um mito em torno de não ser reconhecido em sua época. Grandes artistas foram obliterados por inúmeras razões e circunstâncias. Mas no a grande particularidade no caso de Rodriguez é que ele foi reconhecido, ao menos parcialmente…

Na África do Sul, durante o Apartheid, o disco “Cold Fact”, que havia vendido nos Estados Unidos algumas poucas cópias, tornou-se um fenômeno aparentemente após uma versão K7 pirata cair na graças do público. A distribuidora então encomendou os discos e a febre se instalou. Com letras fortes, reflexivas e melodias maravilhosas, o artista parecia existir apenas na imaginação dos fãs sul-africanos, pois ninguém sabia quem era Rodriguez. A única notícia que se tinha era que ele havia cometido suicido, colocando fogo em si mesmo em cima do palco. A lenda estava formada.

Contar mais seria estragar a experiência. Basta de dizer que “Procurando por Sugar Man”, além de ser uma divertida investigação musical, é um retrato sobre o que é ser reconhecido, do verdadeiro valor do sucesso e o que é de fato ser um artista. Teria Rodriguez feito sucesso no mundo todo se na capa do seu disco aparecesse um homem branco e não ele próprio, um filho de imigrantes mexicanos? Essa é apenas uma das perguntas levantadas por esse excelente documentário. Para se ver e ouvir muito depois.

Triturador adianta “Beco Sem Saída”, faixa de seu novo álbum de inéditas

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Cada vez mais a banda gaúcha Triturador lança detalhes do seu mais novo disco de inéditas que será lançado neste ano. A banda santa-mariense já tem nome escolhido para o seu primeiro trabalho completo, mas preferem não revelar no momento.

Já a data pode ser esperada para o dia 31 de março, data em que, inclusive houve o lançamento do seu primeiro EP no ano passado.

Completando com chave de ouro, a banda disponibiliza a terceira faixa em versão “ao vivo” que estará presente no trabalho. A faixa “Beco Sem Saída” segue visceral, contendo riffs marcantes e a energia furiosa do vocalista que proclama a critica forte ao nosso país. Créditos da letra a parceria dos irmãos Gabriel e Rafael Miorin.

Construindo The Scuba Divers: conheça as 20 músicas que mais influenciaram o som da banda

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Quando uma banda se forma, as influências de cada um dos integrantes são inúmeras e variadíssimas. Essa mistura de músicas, artistas, discos e sons entra em um imenso caldeirão musical e traz algo totalmente novo e cheio de identidade. É nessa construção de identidade que a coluna Construindo vai focar: aqui, traremos 20 músicas que foram essenciais para que uma banda ou artista criasse seu som, falando um pouquinho sobre elas. Hoje temos a banda de Santos The Scuba Divers, que indica suas 20 canções indispensáveis. Não deixe de seguir o perfil do Crush em Hi-Fi no Spotify e ouvir a playlist desta semana, disponível no final do post!

Daniel Teles (Guitarrista e Vocalista)

Coheed and Cambria“Time Consumer”
Não consigo parar de ouvir os discos deles desde que conheci a banda há pouco mais de um ano atrás e isso obviamente exerceu influência no meu jeito de tocar e cantar. Abri meus ouvidos para o universo do emo e post hardcore, me levando a escutar outras bandas que agora são inspiração para mim como o Tricot e o Tosite Ling Sigure. A faixa “Weather Repport”, que ainda não foi gravada mas sempre marca presença nos sets ao vivo, é o exemplo mais claro dessa influÍncia emo na banda.

A Flock Of Seagulls“Modern Love Is Automatic”
Representando minha veia new wave, incluo a faixa de abertura do disco homônimo de uma das bandas mais injustiçadas dos anos 80. Os timbres espaciais e melodias marcantes de Paul Reynold exerceram significante influência no meu jeito de tocar guitarra. Troque o sintetizador da faixa por barulho e você terá algo próximo de “Snowflake”.

The Smiths“Still Ill”
Essa é uma banda que eu tenho certeza que se eu não incluisse qualquer um dos outros integrantes poderia o ter feito. Forte influência nas guitarras limpas, linhas de baixo, vocais, letras. O The Smiths está cravado no DNA da banda, por mais que nossos trabalhos mais recentes tenham se distanciado um pouco da influência britânica muito presente no debut, Johnny Marr me ensinou que uma guitarra limpa fazendo acordes de jazz pode ser muito mais empolgante que solos de guitarra.

Sonic Youth“Chapel Hill”
Antes de qualquer influência musical, a postura de palco, o barulho, o senso de liberdade que a banda transmite ao vivo e nos clipes foi fundalmente pra formação da nossa própria ideologia como banda. As primeiras vezes que escutei Sonic Youth eu não entendi nada pra ser bem sincero, mas algo neles me chamou atenção e eu continuava voltando pra escutar mais. Existe algo belo em ver uma banda dando tudo de si e se divertindo no processo. Eu só espero isso de todo show da Scuba: terminar o show exausto porém feliz em estar ali naquele palco tocando pra 5 ou 5 mil pessoas. E “Chapel Hill” é muito foda por sinal!

Rush“Afterimage”
Alex Lifeson é outro dos meus guitarristas preferidos e eu precisava incluir algo do Rush. Sou apaixonado por rock/metal progressivo, mas a maioria das bandas está longe demais do nosso som para existir uma influência que não seja algo pontual ou conceitual. Mas aí você tem o Rush oitentista, uma mistura perfeita do drama e intensidade post punk com a musicalidade do rock progressivo. O que mais eu posso dizer? Rush é uma das combinações mais inacreditáveis de músicos talentosos dentro de uma única banda.

Maurício Teles (Baixista e Vocalista)

The Smiths“Hand In Glove”
Eu poderia escolher uma cacetada de músicas do Smiths, mas essa com certeza foi a que mais me marcou de primeira. O vocal de Morrissey é dramático e inspirado e eu sempre tento trazer um pouco disso nas canções da Scuba. Além disso, qualquer coisa que o Andy Rourke faz no baixo me deixa pirado.

Iron Maiden“Purgatory”
Iron Maiden foi o principal responsável na minha vida por eu me interessar realmente por música. A velocidade, a agressividade, é tudo bem intenso. Steve Harris sempre me inspirou para que eu tocasse baixo da forma mais energética possÌvel e nessa track ele demonstra exatamente isso.

Placebo“Every You Every Me”
Brian Molko tem um timbre sensual quase feminino e isso sempre foi um atrativo pra mim. Ao mesmo tempo que é leve, é profundo. Eu busco sempre experimentar na forma como irei cantar e esse estilo mais “foda-se”, menos preocupado com técnica, é algo que eu gosto de implementar em algumas músicas da Scuba.

U2“Sunday Bloody Sunday”
A voz de Bono Vox sempre me impressionou. Desde criança eu tento reproduzir a emoção e a força que ele passa com seus refrões. Quem sabe um dia eu chego lá (risos).

Tears For Fears“The Working Hour”
Se algum dia alguém sentir o que eu sinto ao ouvir esta música com alguma música da Scuba eu já posso morrer feliz.

Gabriel Ramacciotti (Baterista)

Sufjan Stevens“Come On! Feel The Illinoise!: The World’s Columbian Exposition / Carl Sandburg Visits Me In A Dream”
Uma música de enorme exercício de criatividade. Seu resultado sonoro é brilhante não só pelo seu ritmo em 5/4, mas também por sua instrumentação e arranjo sensacionais.

XTC“Senses Working Overtime”
Outra música que ouvi muito quando comecei a estudar música. Apesar de ser uma música simples, Andy Partridge (vocalista e compositor) consegue criar um arranjo típico de um new wave, porém tendo um resultado carismático e estonteante.

Weezer“No Other One”
“Pinkerton” é de longe o melhor álbum do Weezer (polêmica). Poderia colocar todas as tracks do álbum porém essa em especial me traz lembranças de quando comecei a tocar bateria, em meados de 2013, e como nunca conseguia tocar o começo da música.

American Football“Never Meant”
Apesar de sua temática não fazer jus à sua propriedade sonora. Os timbres de guitarra e pureza sonora tornam a música mais atrativa, fazendo-a fluir bem. As viradas e levadas de bateria são pontos importantes que absorvi, inclusive tocando o começo em alguns ensaios (risos).

Dave Matthews Band“The Stone”
Uma das poucas músicas que cultivo desde quando comecei a estudar música. As linhas melódicas e o groove da bateria são pontos que aprecio na música.

Iury Cascaes (Guitarrista e Vocalista)

Nirvana“Lithium”
Essa música eu escolho porque sem ela não existiria muito bem um Iury compositor, um Iury que trabalha em termos de música, um Iury numa banda. Já ouvi várias vezes que o Nirvana é uma daquelas bandas que fazem as pessoas criarem bandas, e atesto a veracidade desse rumor: a “Lithium” é a música deles que eu mais gosto, e facilmente a música mais importante da minha vida. A voz rasgada e ao mesmo tempo bela do Cobain, a bateria simples e poderosa do Grohl, o baixo na faixa do Krist – tudo isso junto com a letra genial, que retrata a indecisão de uma mente convulsiva, me atinge com um espanto musical absurdo que sempre acompanha a minha escuta desse som: “In a daze, I’ve found God” (deslumbrado, encontrei Deus) É simplesmente surreal! Se não fosse Cobain, eu não teria criado o gosto por dizer as coisas em formato de poesia, de música.

Tool“Eulogy”
Se o Nirvana me é a banda mais importante no sentido de que me introduziram ao barato de compor e se expressar, o Tool me é a banda mais foda e única do planeta porque através deles eu conheci uma expressão musical não só exatamente auditiva, mas integral, considerando a arte uma secreção que tem que vazar por todos os poros e de todas as maneiras possíveis: os caras do Tool tocam em tempos quebrados, têm uns clipes visual mente surreais, montam palcos incríveis, gigantes, com configurações que nunca são óbvias; o Maynard se veste com umas roupas bizarras, já tendo tocado até de lingerie – porra! Até o site dos caras foi artisticamente pensado! O Tool me trouxe essa coisa totalidade, da coerência de estilo, do alargamento das fronteiras da unidade estética, de uma integração artística entre tudo aquilo que diz respeito a uma banda. Eu poderia ficar falando horas do Tool – mas pra encurtar eu digo algo dessa música especÍfica: que vocal do caralho! Inspirador!

George Harrison“My Sweet Lord”
Se o Tool me ensinou isso da unidade, o George vem me ensinando (pois comecei a ouvi-lo recentemente) da preocupação de grandeza que tem que ter o artista na hora da composição, da escrita. Com preocupação de grandeza quero dizer uma preocupação de que o tema abordado pela música não seja raso, mas profundo; uma preocupação de que aquilo de que diz a música fale ao mesmo tempo de tudo, do infinito, e humildemente. Devemos botar tudo de nós em nossas composições – e botando tudo de nós, botamos tudo do mundo todo… O dever de dialogar com a seriedade da falta de fundo que é a existência. “My Sweet Lord” é uma música gospel hippie… Um hino àquilo que, por diversos motivos chamamos Deus, é independente de seu nome maior que nós e misterioso. Além do mais, estes violões estão entre os acordes mais pesados que já ouvi. E não é só nessa música, mas sim no CD todo! O George é foda, lendário, iluminado.

The Doors“The End”
Esse som do The Doors é épico demais. Talvez seja daí que vem meu gosto por músicas grandes e meio hipnóticas. Hoje conheço algumas coisas do Krautrock que muito me agradam mas o The Doors, que conheço já há muito, foi a primeira coisa psicodélica que eu pus na minha mente, e a coisa mais dionisíaca que eu já escutei. O Jim Morrison é um animal maluco. A “The End” me chama atenção porque quando você ouve ela parece que você tá chapado de LSD… Não precisa nem dropar! Possível sentir a loucura em cada acorde, subindo, subindo, ficando cada vez mais pesada. Essa porra é um ritual de índio, cara! A influência que tem em mim é justo essa duração estendida em que, por causa da batida e do acorde, você fica estendido, em transe. Ultimamente tenho buscado essa impressão com minhas composições.

Rancore“Mãe”
O Rancore é uma das bandas brasileiras que mais admiro. Os caras tem um som que eu não vi em outro lugar. Como o Tool, os julgo bem únicos. Mas o que amo do Rancore mesmo são os seus shows. Fui em um no Bujas no começo de 2017 ou final de 2016 (não me lembro) que era o último de sua turnê de despedida. Imagina? Eu nunca senti algo tão incrível: todo mundo ali se massacrando, agindo feito uma massa enfeitiçada por música, se debatendo, botando tudo o que fosse possível para fora, largando a goela ela mesma jogada no chão, em meio ao vapor que era o conjunto de todos os suores daquela galera. As paredes escorriam, o calor era imenso. E a energia era descomunal. Naqueles momentos me dei conta de que eu gostaria de fazer shows daqueles, antológicos, imperdíveis, memoráveis. Nessa música específica há a importância das guitarras do Candinho – me é uma inspiração o jeito que ele toca -, das letras e da voz do Teco, forte e cristalina. Vale conferir o clipe, que é muito bom!

Stevan Zanirati leva o ouvinte em uma viagem em seu disco “Álbum Aleatório “

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O cenário independente está cada vez mais forte. São muitos os meios do artista levar ao forno seu trabalho. Hoje, como um exemplo claro deste avanço musical, trago o músico Stevan Zanirati com seu primeiro disco, “Álbum Aleatório”. Artista e compositor, teve inicio na musica autoral em 2010 formando as bandas Atrás de Verbas, Atomic Yellow e Os Liverpoa. Desde 2014, como artista solo, tocando com bandas de apoio ou voz e violão, reúne suas composições para formar seu álbum de inéditas com a devida parceria do produtor e músico Maestro Sujo.

Gravado na Casa de Insetos (Viamão, RS ) e com produção do Maestro Sujo, o “Álbum Aleatório” é um trabalho que foi formado aos poucos, com precisão em sua elaboração, o que o torna único. A obra traz grandes refrões, riffs psicodélicos com pegada popular e até surf music.

Essa parceria entre Stevan e Maestro Sujo realmente foi algo inédito e que deu super certo. Conseguiram transformar as composições em um encontro de doses de psicodelia, balada e overdrive, o que tornou o disco leve e gostoso de ser ouvido. A faixa “Ao Som da Maçã” traz uma introdução do que é a base do disco, solos de guitarra e overdrive encorpando a letra que viaja aos ouvidos. A segunda faixa, “Repertório da Noite”, na minha opinião é a grande surpresa do disco, pois apresenta um swing diferenciado no som com aquele surf psicodélico, seguindo esta viagem musical muito bem feita pela dupla. A faixa “Valer a Pena” traz uma elaboração maior no vocal e maior presença do backing vocal. Noto que a utilização de novos elementos no álbum começa a surgir com maior presença, mantendo o psicodelismo.

Então chegamos na faixa “Quando Parar de Chover”, um som mais rock’n’roll com maior presença de influência dos Beatles. Já na faixa “Mary”, o artista dedica um som mais romântico, me lembrando o saudoso Júpiter Apple, com elemento da ”corneta artesanal” feita pelo Maestro Sujo para completar a sonoridade. Depois do groove mais romântico, o disco volta a ser mais enérgico na faixa “Não é uma Canção de Amor”. “Não Durma no Ponto” é uma faixa mais crítica e pesada que traz uma letra forte sobre a sociedade e marca muito bem o encerramento desta bela obra musical. Um disco que realmente me surpreendeu e me levou às veias psicodélicas novamente. A dupla Stevan Zanirati com Maestro Sujo fluiu muito bem, o que deixam bem claro aqui.

 

Tecnomacumba: 15 anos de festa e fé embalados por Rita Benneditto

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Rita Benneditto é uma das mais criativa e talentosa intérprete da MPB contemporânea. Considerada por Caetano Veloso como “a cantora que impressiona pela voz encorpada, de timbre cheio e naturalidade na afinação”, Rita é também a idealizadora do projeto Tecnomacumba, uma intervenção cultural que reafirma a importância da cultura africana na musica brasileira através da fusão dos cantos de terreiro com a eletrônica. Tecnomacumba em 2018 completa 15 anos, e a cantora realizará uma turnê pelas principais cidades brasileiras, para reafirmar a importância da valoração da cultura afro-brasileira.

A turnê teve inicio no último final de semana na Comedoria do SESC Pompeia e teve seus ingressos esgotados para as duas sessões. A apresentação começou com a cantora sozinha na percussão interpretando a canção “Divino”, em seguida a banda Cavaleiros de Aruanda juntou-se e o clima começou a esquentar com “Saudação – Abertura”. O público presente vibrava e saudava com a cantora as entidades homenageadas na música.

Tecnomacumba é também um resgate da música brasileira, foi responsável por apresentar ao público mais novo a canção “Cavaleiro de Aruanda”, gravado por Ronnie Von em 1972, e que foi o carro-chefe no inicio da Tecnomacumba. “Babá Alapalá” de Gilberto Gil, impressiona pelo peso da guitarra inserida na canção.

A saudosa Clara Nunes se fez presente, com as versões de Rita para os clássicos “Deusa dos Orixás” e “Coisa da Antiga”. Aliás, podemos considerar a Clara como uma inspiração para o Tecnomacumba, pois a cantora atingiu o grande público promovendo a cultura religiosa africana em suas canções e nos seus famosos video clipes produzidos pelo Fantástico nas décadas de 70 e 80.

Também destacaram-se as canções “É D’Óxum”, “Oração ao Tempo”, “Jurema” e “Iansã”. Ao interpretar “Cocada” saudando as crianças, a cantora aproveitou para realizar um discurso sobre mudança. Segundo ela, 2018 será um ano regido por Xangô e devemos aproveitar isso para realizar a mudança que desejamos ao nosso país. Não faltaram manifestações da plateia, insatisfeitos com o atual cenário político brasileiro.

“Tambor de Crioula” apontava para o final da apresentação mostrando a cultura musical maranhense. O bis ficou por conta de “Canto pra Oxalá” e após uma rápida troca de saia, Rita Benneditto encerrou cantando para a Pomba Gira versos que diziam “é só pedir que ela dá”, e dando a oportunidade de algumas pessoas presentes na platéia manifestarem seus desejos.

Se for pra pedir, peço que Tecnomacumba continue circulando pelo país com essa turnê comemorativa e que chegue em locais que ainda não tiveram o prazer de acolher o projeto. Manter um show em circulação por 15 anos não é uma atividade corriqueira e muito menos simples. Rita, junto com sua irmã Elza Ribeiro, são idealizadoras desse projeto, e foram responsáveis pelo excelente trabalho de resgate, e mais que isso, deram voz a uma grande parcela da nossa população.

Fotos: Riziane Otoni 

Vídeo: Klaudia Alvarez

Conheça as canções cheias de mistério e humor afiado do Compositor Fantasma no EP “Avenida Contramão”

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Compositor Fantasma

De onde saiu Compositor Fantasma, que lançou seu primeiro EP, “Avenida Contramão”, neste mês? Ninguém sabe, na verdade. Aliás: Gabriel Serapicos pode até saber, mas pra nós, disse que não. Ele que encontrou o material perdido, em um lugar que ele prefere não revelar, na forma de calhamaços de partituras e letras empoeiradas. Conversei com ele sobre o misterioso artista desconhecido, o EP com a voz de Laya, Zi Vasconcellos e Natália Pavan e as outras diversas canções que ainda estão na gaveta:

– De onde surgiu o Compositor Fantasma?

Encontrei calhamaços de partituras e letras empoeiradas em um lugar que prefiro não revelar ainda. Acho muito cedo. Conforme fui tocando ao piano essas músicas, vi que havia algo interessante ali, um personagem. Todas estão assinadas como Compositor Fantasma. Não é possível afirmar que todas as canções foram escritas pela mesma pessoa mas, pelo senso de humor, é bem provável.

– E foi você que gravou tudo? Ou já havia alguma fita ou outro material já registrado?

Gravei tudo com ajuda da Laya, Zi Vasconcellos e Natália Pavan que interpretaram essas primeiras canções. Não havia registro de áudio então foi meio como reinterpretar uma sonata de Beethoven, guardadas as devidas proporções.

– E como rolaram essas gravações?

Rolou tudo no meu estúdio ao longo de novembro/dezembro. Foi bem agitado em paralelo com a melancolia de final de ano. Queria terminar todas as gravações em 2017 como meta pessoal.

– Então todas as músicas já foram gravadas? Ou ainda tem material?

Ainda tem muito material. Calculo que dá para produzir 500 canções. Algumas não estão em perfeitas condições materiais então talvez precisem ser restauradas. Outras são curtas e podem ser encaixadas como uma centopéia para gerar uma música maior na linha rock psicodélico. É um trabalho, em parte, de arqueólogo.

– E como você escolheu quem iria te acompanhar nesse projeto?

Já conhecia as cantoras e gosto muito do forma que cantam e interpretam. O trabalho acaba sendo uma experimentação para trabalhar com novas pessoas. Em cada novo lançamento, vou chamar intérpretes diferentes. Mulheres e homens.

– Já tem uma previsão pra esse próximo lançamento?

Depois do EP de estréia “Avenida Contramão”, já tem um single engatado para o Carnaval. o interessante da obra do Compositor é a enorme abrangência de temas.

– E como rolou esse primeiro clipe?

eu não posso informar como conseguimos as imagens mas posso assegurar que não foi fácil. O Marcelo Perdido fez um ótimo trabalho de montagem com o material que tínhamos a disposição. São filmagens reais do Compositor Fantasma em estúdio mas é difícil precisar a data.

– Me fala mais dessa gama de assuntos que os materiais se referem. Como são essas composições que ainda não saíram?

Ainda estou escavando os papéis, muitos são fragmentos de idéias. São rascunhos de uma vida inteira, então, as músicas falam sobre assuntos pertinentes a fases boas e ruins. Para o próximo, escolhi letras que falam sobre dívidas, términos de namoro e fracassos pessoais. Não foi uma vida fácil.

– Quando veremos esses novos sons?

Um EP a cada 2 meses até o final do ano. Eventualmente, vão pipocar uns singles como o do Carnaval.

– Pode adiantar algo sobre esse single de Carnaval?

O cantor é um cara bem carismático. E é uma canção melancólica mas positiva. Poderia ter sido um hino religioso.

Festival Guaiamum Treloso ataca de CarnaIndie Feminista e agrada o público

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Cidadão Instigado

Prévia carnavalesca do Recife, a capital do frevo, apostou em artistas da cena independente para o line up e contou com discurso feminista

Fantasias, looks ousados, glitter e muita música boa. Foi assim o Festival Guaiamum Treloso, que aconteceu na Fazendo Bem-ti-vi, em aldeia. A festa, que é uma prévia carnavalesca tradicional em Pernambuco, nesta 18ª edição resolveu apostar em um line up diferenciado, trazendo para a terrinha do frevo sons da cena independente brasileira. Deu certo!

O Festival aconteceu em uma grande fazenda no meio de uma área de mata e armou uma grande estrutura com três palcos, uma tenda, praça de alimentação, bares, lojinhas e muitos banheiros para recepcionar e impressionar bem os seres da mata que habitaram o local. Esse espaço, embora seja distante da cidade e cheio de vibes boas, deu trabalho para a produção conseguir a liberação de alvarás, mas, como dito, além de Treloso, o Guaiamum é teimoso e manteve o endereço, o que acabou afetando um pouco a estrutura do evento. Os palcos acabaram ficando muito distantes e mal ornamentados. O público sentiu.

Festa pronta, os seres da mata chegaram cedo no evento, que estava previsto para começar às 13h. Mas, os shows atrasaram! E muito! Dessincronizou os horários e alguns shows aconteceram simultaneamente. Também aconteceu de não tocar nada por mais de meia hora em nenhum dos palcos principais. Mas, a magia do lugar e o astral da festa não deixou o público abatido.

A banda Marsa, que tocou com mais de 1h de atraso, reuniu um grande número de fãs. Tocaram as músicas do seu disco “Circular Movimento” e levou os Seres da Mata ao estado de êxtase. A voz única, doce, suave e especial de Tiago Martins causou grandes emoções. O show da Marsa foi um dos melhores do festival.

No outro palco, subia Jorge Cabeleira, banda da carrada do manguebeat, que passou muitos anos em stand by. Mas, que está de volta à cena. Esse ano estão com previsão de lançar disco novo. O show estava quente e quem viu gostou. No repertório, Dirceu Melo apresentou as músicas clássicas do Jorge e apresentou uma inédita.

O dia já era noite quando Cidadão Instigado subiu no palco e fez um show impecável. Mas, o público do Recife tem uma certa particularidade de ser difícil de ser conquistado. As bandas sentem isso e as produtoras mais ainda, quando nem sempre podem arriscar trazer nomes diferentes porque o público não comparece. Não tem interesse pelo novo. Um ponto negativo do Recife, que se diz uma capital multicultural. Homem velho, besouros e borboletas e outros sucessos da banda de Fernando Catatau embalou os fãs e os curiosos que lotaram o espaço ao redor do palco Bem-ti-vi.

Metá Metá subiu no Palco Skol e não surpreendeu. A incrível Juçara Maçal fez um show muito tímido, que não empolgou e nem atraiu muita gente. Fizeram uma apresentação curta e deixaram de lado o hit “São Jorge”, que o público tanto esperou. Aqui, não decolou.

Era a vez dela, a mulher do fim do mundo, mostrar porque está em dias com os palcos apesar da avançada idade. Deslumbrante, Elza Soares apareceu no palco como uma verdadeira rainha para apresentar seu show “Elza e a Máquina”. Ela, como sempre, chegou recheada de discursos feministas, e levou público a loucura. O show em particular não empolgou tanto o público no início. Essa versão de Elza remix pegou o público de surpresa e dessa vez não agradou a gregos e troianos. Mas, levou sua mensagem da melhor forma. “Maria de Vila Matilde” foi o ápice da apresentação. Seu show foi um verdadeiro ato de discurso feminista, enquanto embalava os Seres da Mata com as músicas, vídeos eram exibidos falando os dados do feminicídio. O conjunto da obra foi incrível!

Em tempo, a produção foi muito feliz na escolha do line up. Artistas com discursos engajados, fortes e grandes influenciadores. Todo o festival teve uma pegada feminista e é disso que precisamos mais.

Di Melo subiu ao palco Skol e mostrou que ainda vive. Não trouxe a sua banda oficial, mas representou bem. Levou o público a cantar em coro seus grandes clássicos como “Pernalonga” e “Kilariô”, entre outras. Nada de inovador, mas como dito, o público do Recife gosta do que já conhece. E Di Melo acaba sempre agradando.

Chegou a hora do Baco Exú do Blues mostar porque stá estourado. Um show esperadíssimo e que superou às expectativas. ‘Te Amo Desgraça’ levou o público ao delírio. O show foi empolgante e dançante o tempo inteiro. O Baco é realmente incrível e colocou o povo para pular, abrir roda, se tocar, sentir a energia. Por falar em roda e voltando ao discurso feminista, esse Exú abriu uma roda de mulheres. Só mulheres e glitteres. Um momento de reflexão. Uma ideia certa e muitos aplausos! Baco causou e ganhou, apesar de novidade, o carinho do recifense. Ponto altíssimo do festival.

Nação Zumbi chegou e chegou destruindo tudo. Fez um show instigante e afinadíssimo, o que ficou devendo desde a sua apresentação no Réveillon. O clima do carnaval colocou os mangueboys a dar o melhor e lacrar no palco. O batuque das alfaias em sincronia com as batidas do coração. Tocaram poucas músicas do seu último disco “Radiola”, que não empolgou muito. Mas, a versão “Refazenda” de Gilberto Gil ficou sensacional. “Da Lama ao Caos”, “Banditismo Por Uma Questão de Classe”, “Um Sonho”, “A Melhor Hora da Praia” e mais uma sequência de pedradas tirou o público do chão. Um dos melhores shows do dia.

Letrux e Francisco El Hombre, colocados como headliners do festival, acabaram tocando simultaneamente. Letrux, a feminista, rainha do soud out, a musa do climão, subiu incrível no palco e, se não fossem por atrapalhos técnicos no som, teria feito uma apresentação impecável. Ela estava lá, linda e perfomática representando a ala feminista e mandando a real com seus discursos. “Que Estrago”, “Vai Render”, “Ninguém Perguntou por Você” e quase todas do seu disco solo embalaram seu público fiel que estava ali afim de um climão. Que mulier é essa?!

Francisco El Hobre lacrou com chave de ouro. Que apresentação empolgante, feliz, extraordinária e agradável. Eles fizeram um dos melhores shows da noite, quiçá o melhor. “Calor da Rua”, “Bolso Nada”, “Soltas Bruxas”, “Triste, Louca ou Má”. Pera, uma pausa para esse momento. Ju foi incrível cantando esse hino: “Triste, Louca ou Má”. Deu uma aula de feminismo e pediu: “Homens falem menos e escutem mais as mulheres”. Ela foi ovacionada. Sem contar que ela arrasou com o seu gogó! Ápice da festa. Melhores momentos ever. Francisco El Hombre. Um lacre, é um lacre. Aqui, as portas vão estar sempre abertas!

A 18ª edição do Guaiamum Treloso Rural representou como prévia. Apresentaram uma grade de apresentações dignas de um verdadeiro carnaindie. A produção está de parabéns por ter conseguido realizar, apenas das brigas judiciais, o festival, como ter lotado e agraciado o público com uma vibe de paz e alegria. Pequenos ajustes na produção e a certeza de que a 19ª edição vai entrar para a história. Que venha!