“Era Uma Vez” (2008), um “Romeu e Julieta” carioca com trilha de Luiz Melodia

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Era Uma Vez

Era uma Vez
Lançamento: 2008
Direção: Breno Silveira
Roteiro: Patrícia Andrade e Domingos de Oliveira
Elenco Principal: Thiago Martins, Vitória Frate, Rocco Pitanga e Cyria Coentro 

“Meu nome é Thiago Martins. Nasci numa favela, na zona sul do Rio de Janeiro.Moro lá até hoje. Faço parte do grupo de teatro Nós do Morro. Eu batalhei muito pra fazer esse filme, porque essa história, podia ser a minha.Nessa guerra não tem vencedor. Rico, pobre, todo mundo sai perdendo. Eu não sei se essa cidade tem solução, não sei, mas se as pessoas olhassem com mais cuidado uns pros outros, acho que seria diferente.”

A última fala do filme antes dos créditos, um depoimento de Thiago Martins, o ator que interpreta o protagonista.

Porrada. Muito porrada. E fofo, muito fofo.

A versão moderna de Romeu e Julieta dirigida por Breno Silveira tem um revestimento de contraste social bem mais intenso e violento que em Shakespeare. Dé (Thiago Martinsé um moleque do morro do Canta Galo que perdeu um dos irmãos quando era pequeno, morto por um cara que tava entrando no tráfico e outro irmão pra cadeia, preso inocente. Sem nunca ter conhecido o pai e sempre sendo companheiro fiel pra mãe, ele trabalha numa barraca de cachorro quente na praia de Ipanema e desafiando o dizer da mãe de que “pobre é pobre e rico é rico”, se apaixona pela Nina (Vitória Frate), a menina rica que o Dé fica espionando: ela na janela do condomínio, na orla da praia e ele no quiosque.

Dé criança e o irmão mais velho

Dum jeito bem fofo, a história se desenrola até eles ficarem juntos e aí surgem as mil tretas. O pai da Nina (Paulo César Grande), superprotetor, se opõe a relação dizendo que tem medo do que pode acontecer com a filha entrando no morro, que aquele não é lugar pra ela; a mãe do Dé (Cyria Coentro) também entra no jogo: diz que não quer polícia vasculhando filha de rico na casa dela, que aquilo ia ser problema. Óbvio que, no melhor esquema shakespeariano, os dois continuam juntos. A coisa é que além dos pais existem outras coisas… As complicações que surgem com a polícia e com os traficantes ao longo do longa, denunciam dum jeito lindo, e sempre acompanhado de Luiz Melodia, uma realidade que parece proibir em constituição legal, que a história seja fofa.

Ipanema vista do Canta Galo “- Nossa, é perto, né? – Acho longe…”

Aproveitando o gancho da última frase, já entro na parte musical. A trilha tem do batidão à Luiz Melodia, passando por Mart’náliaMartinho da Vila e Marisa Monte, fazendo um panorama no mínimo interessante da música brasileira.

A inspiração para a trilha sonora de “Era Uma Vez…” nasceu da trajetória do personagem Dé, o protagonista do filme. Surgiu, então, a idéia de compor e escolher canções em primeira pessoa, tornando-as mais intimistas. “O fio condutor da trilha original era passar ao espectador o que estava na cabeça do Dé, e não deixar a música como algo apenas decorativo”, revela o produtor Berna Ceppas, autor da trilha original do longa-metragem.”

É a partir desse relato que fica clara a importância da trilha no filme e o valor a ela atribuído pelos produtores. Foi composta exclusivamente para o filme, a música “Uma Palavra” da Marisa Monte em parceria com o Carlinhos Brown e o Arnaldo Antunes.

Foi ideia também da Marisa a inserção da música que eu entendo como sendo o carro chefe da soundtrack: “Minha Rainha”, no filme com a voz do maravilhoso Luiz Melodia, arranca suspiros de qualquer um e obriga um sorriso.

Ah, e outra que também não pode ficar pra trás é a composição do Carlinhos Brown, “Vide Gal”, no filme cantada pela Mart’nália e Martinho da Vila.

Trailer:

Filme:

Mutantes melhores que os Beatles? Há quem diga que sim no documentário “Loki” (2008)

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Arnaldo Baptista
Loki
“Loki”
Ano de lançamento:  2008  
DireçãoPaulo Henrique Fontenelle
Duração: 2h

Mutantes são melhores que Beatles”. Se para você essa afirmação possa parecer exagerada, saiba de antemão que ela nesse documentário é confirmada por dois dos entrevistados. Saber que um deles é Sean Lennon, filho do John, talvez não mude a sua opinião. Mas ao final de “Loki”, com certeza mudou a minha, isso a pouco menos de um mês ter visto um show de Paul McCartney.

O peso das letras, da sabedoria mítica nas figuras dos irmãos Arnaldo e Sérgio Baptista. O alívio à censura. A inteligência que não existia na música brasileira que tentava emular o som que vinha de fora e que fez da banda grande expoente do movimento tropicalista. O doc nos mostra a ascensão e o declínio dos Mutantes após a saída de Rita Lee, que recusa em falar sobre o assunto (aqui ela só aparece em imagens de arquivo), além de ter se recusado participar da vindoura reunião comemorativa do grupo anos depois. Dai então segue Arnaldo sob o posto de vi vista de si próprio e de quem o conhece. Impulsionado e depois enlouquecido pelo amor, o líder dos Mutantes é filmado pelo diretor Paulo Henrique Fontenelle de forma mística, como um mago em seu ateliê pintando quadros. Seu semblante de criança denota ao menos tempo inocência e o peso do vício, do abuso, da depressão que lhe tomou parte da sanidade. Do rompimento até o testemunho da tristeza em sua obra prima “Loki”. Uma viagem de ácido sem volta. “Ele tem uma alma de criança”, diz um dos entrevistados em determinado momento.

Esquecido na década de 80. Redescoberto por Kurt Cobain na década de 90 e aclamado hoje por artistas como Sean Lennon e Devendra Banhrart, “Loki – Arnaldo Baptista” é certeiro ao descascar o artista “grupo” e o artista “solo” ambos geniais. Se os Mutantes são melhores que os Beatles, fica como diz o produtor, “ao gosto de cada um”. Mas não há de se negar que em termos criativos, nosso produto nacional sim, é bem melhor. Vale a pena conferir.

Festival LGBT Mix Music acontece de 15 a 26 de novembro em São Paulo

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Mix Music é o primeiro festival de música voltado para o público LGBT no Brasil e existe desde 2000, como o braço musical do festival de cinema e artes integradas Mix Brasil. Organizado pela Associação Cultural Dynamite e criado pelo produtor e ativista André Pomba , este ano, o festival completa 18 anos realizados ininterruptamente.

Desde a primeira edição, o festival sempre busca mesclar novos talentos com artistas consagrados como Liniker, que será a atração principal deste ano, num show que promete colorir o Parque do Ibirapuera em pleno feriado da Proclamação da República . Já os novos talentos participam de um concurso com prêmio de 1000 reais para cada uma das categorias: dança / coreografia , cantores(as) e drag queens . Confira a programação completa dessa edição:

15/11 quarta-feira (feriado) 16h- Liniker e os Caramelows @ Auditório do Ibirapuera (platéia externa)
17/11 sexta-feira 19h – Danna Lisboa e Saint-Hills @ CCSP
18/11 sábado 15h – Novos Talentos Coreografia @ CCSP
18/11 sábado 17h – Novos Talentos Cantorxs @ CCSP
18/11 sábado 19h – Novos Talentos Drag Queens @ CCSP
26/11 domingo 18h – Queer Explode, Gisele Almodóvar, Luana Hansen, Tiely Queen e Rimas & Melodias @ CCSP

Todos os eventos são gratuitos! No Centro Cultural São Paulo os ingressos devem ser retirados uma hora antes de cada evento. Aproveitamos a ocasião para conversar com o André Pomba, criador do Mix Music:

– Você idealizou o primeiro festival de música voltado ao público LGBT. Como surgiu essa idéia?

Na realidade a ideia não foi minha. O diretor do festival de cinema Mix Brasil, André Fischer, disse que queria expandir o evento e ter shows musicais. Assumi logo de cara o desafio e em 2000 foi criado o Mix Music.

– Manter um festival por 18 anos deve ser uma tarefa árdua num pais que não valoriza a cultura como deveria. Além dos habituais, quais desafios você enfrenta por se tratar de um evento LGBT?

O desafio é típico de qualquer produtor independente e ainda mais ativista da causa LGBT. Tem anos que temos apoio bom, anos que temos pouca verba, ano que não temos nenhuma verba e até já banquei do bolso algumas edições.

– O Concurso de Novos Talentos é sempre um destaque dentro da programação do Mix Music. Qual a sensação de abrir espaço para novos artistas? Como é a recepção do público?

Hoje em dia é a parte do Mix Music que eu mais me orgulho e me reciclo. No primeiro ano, foram somente 3 drag queens e quase ninguém na plateia e lembro de ter até feio um desabafo pela falta de compreensão. Porém a cada ano, essa parte aumenta de público, de disputa e agora temos 3 categorias (drag queen, cantorxs e coreografia/Dança).

– Eventos como o Mix Music ajudam a difundir o respeito as diferenças. Dentro da Militância LGBT, você enxerga uma união e avanços?

Não tenho dúvida que a cultura é a principal demolidora de preconceitos, é a forma com que tocamos a sociedade mais profundamente e a mudamos. Infelizmente, a militância LGBT se afundou numa guerra entre letrinhas de um lado e ideológicas/partidárias de outro. Num momento em que enfrentamos o conservadorismo nos atacando, sequer estamos unidos para combatê-los.

– Quais momentos você destacaria na trajetória do Mix Music? Sonha com alguma participação que ainda não aconteceu?

A primeira edição foi no próprio Centro Cultural, lembro até hoje do show da Vange Leonel (hoje falecida) que foi no formato piano e voz e só aconteceu lá. Teve os shows no SESC Pompeia com artistas como Perla, Maria Alcina, Ângela Rô Rô, inesquecíveis. Acho que meu sonho seria ter o Ney Matogrosso, por tudo o que ele representa para a música brasileira e a população LGBT. Teve um ano que ele estava de diretor de uma peça no Mix Brasil e assistiu a vários shows do Mix Music, sempre discreto e atento.

O Festival Mix Music é realizado com apoio do Edital de Apoio a Criação Artística Linguagem Música da Prefeitura de São Paulo

5 músicas de Gilberto Gil que você provavelmente não conhece

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Gilberto Gil

Gilberto Gil tem uma das obras mais extensas e diversas da música popular brasileira. Por mais que se escutem horas e horas de suas criações é quase impossível esgotá-las. No caminho muita coisa pode se perder ou pode ser esquecida. Hoje tenho cinco músicas destacadas pra dialogar um pouco sobre partes um tanto quanto inexploradas de sua obra (em teoria e no que eu sinto). Um pontapé inicial do que espero que sejam pesquisas mútuas e avanços na descoberta de novas surpresas.

1 – “Sala do Som”

A música tem duas versões até onde sei. Uma grata surpresa do álbum de raridades “Satisfação: raras e inéditas” e outra mais em tom de samba do álbum “Quanta”, de 1998. Fica a cargo de gosto pessoal escolher a melhor – fico com a de 77 que traz os ares da obra de Gil dos anos 70 – provavelmente a melhor fase de seu Gilberto.

É um exercício de imaginação interessante pensar Milton “Bituca” Nascimento entrando “sem bater, na sala do som”. A letra é um retrato de uma rotina de gravação e definição do roteiro de um show – uma metalinguagem inusitada. A melodia com ares da “trilogia Re” (“Refavela”, “Realce”, “Refazenda”) dá a tônica dessa surpresa musical.

As duas versões estão disponíveis no Spotify e no Youtube.

Gil e Milton Nascimento – 2001

2- “Máquina de Ritmo”

O álbum “Banda Larga Cordel” (2008) definitivamente traz boas surpresas, sendo o primeiro álbum de inéditas depois de “Quanta” (1997). “Banda Larga” provavelmente não traz consigo as melhores versões musicais, que provavelmente se consolidaram no DVD ao vivo no Teatro Municipal do Rio de Janeiro – “Concerto de Cordas e Máquinas de Ritmo”. Uma dessas é a que dá nome ao show: “Máquina de Ritmo”. Um desejo de continuidade dos samba, um pedido pra que “não se deixe o samba morrer”, uma defesa das máquinas de ritmo, afirmando: é samba sim! Dizer que não é samba é conservadorismo besta e que traz como consequência uma morte real do samba.

Na análise faixa a faixa do disco (disponível no Youtube) isso fica claro. Gil compara às máquinas de ritmo às guitarras elétricas, alvo de passeatas e perseguição nacionalista na década de 60. A escuta das duas versões, tanto a do Banda Larga quanto a do show de 2012 vale a pena (em especial a versão ao vivo), assim como a que se faz presente no documentário Outros Bárbaros de 2002 (outra super indicação).

Tudo disponível no Spotify e no Youtube.

Análise da faixa por Gil: https://youtu.be/1C5NYywEBX4

3 – “Rep”

Entramos agora num dos álbuns mais subestimados de seu Gilberto – “O Sol de Oslo”. Gravado em 1994 e lançado em 11 de Setembro de 1998, ao lado de Marluí Miranda e Rodolfo Stroeter em Oslo, na Noruega (em maioria). Um disco que traz surpresas interessantes para o ouvinte e boas reflexões e meditações.

O Sol de Oslo – 1998

Em “Rep”, Gil traz uma inquietação que se mantém atual. O povo sabe o que quer. Mas, sempre há algo a mais. O povo também quer o que não sabe! Será que o povo sabe o que quer? Será que o povo quer o que não sabe? Será que não sabe?

Com seu rap com “e” Gil traz vários questionamentos e provocações que, principalmente em 2017, se fazem necessárias. Sempre se faz necessário debater quando se toca nos tópicos povo, ciência, fome e conhecimento. Talvez não exista nada parecido com isso na discografia do artista como um todo. Sol de Oslo traz peculiaridades que só ele carrega consigo. Desde uma gravação em país nórdico até um rap de Gilberto Gil. Nisso esse álbum é sensacional.

É uma pena que o álbum não esteja disponível no Spotify. O Youtube “mata a fome” por hora.

E por falar em “Sol de Oslo”…

4- “Kaô”

Uma saudação à Xangô. Uma viagem celestial e espiritual. Para os que crêem e para os que não crêem, a melodia e a voz penetrante de Gil acalmam o coração e a alma. Como descrito perfeitamente por Tulio Villaça, um ponto de umbanda que não é um ponto. Um mantra que não é um mantra. Uma canção que é um mantra e também um ponto de Umbanda.

O sincretismo que Gil tanto admira se faz presente com Xangô e com a mitologia nórdica, pela figura de Thor, aproveitando todo o clima de Oslo. Melodia e percussão sutis, quiçá simples, porém incríveis. O álbum como um todo merece uma escuta atenta. O calor brasileiro e o frio nórdico fazem uma interessante combinação, que, aparentemente não fez e não faz muito sucesso. Uma pena. Nunca é tarde!

Texto de Túlio Villaça: https://tuliovillaca.wordpress.com/2010/08/13/em-feitio-de-oracao/

Análise do álbum por Rodolfo Stroeter: http://www.gilbertogil.com.br/sec_disco_interno.php?id=36 (opção “textos”)

5 – “Chiquinho Azevedo”

Guardo para o final uma grata surpresa que tive com um dos melhores canais de música do Brasil, o Alta Fidelidade de Luiz Felipe Carneiro. Em homenagem ao aniversário de 75 anos de Gil, fez um “top 5”, onde, surpreendentemente colocou “Chiquinho Azevedo”, do “Quanta”. Na realidade a música não é de 1997. Como o próprio Gil relata, era uma música que estava perdida em seus arquivos. Chiquinho Azevedo, seu companheiro de banda, havia sido preso junto com Gil no famoso episódio da prisão por porte de maconha em 76. Como o próprio Gilberto relata, esta música fora um “desafeto” para mostrar que Chiquinho era um “bom rapaz” – havia salvado um menino no Recife.

“Quanta” (1997) – onde a música foi ressuscitada em estúdio 

A agonia do salvamento do menino toma aquele que escuta a música. Embora a letra seja simples, junto com a melodia, é difícil não ficar na espera por cada nova estrofe e pelo desfecho da história. A revolta com o médico anônimo é igualmente inevitável. É incrível como o tempo passa e as mesmas questões, paradigmas, impasses e conflitos morais vistas em 1977 se mantêm. Incrível e triste. O salvamento de Chiquinho poderia ter acontecido na semana passada em qualquer praia do Brasil. Com sua simplicidade que cativa é uma música fantástica e imperdível.

Disponível no Spotify e no Youtube

Vídeo do Luiz Felipe Carneiro: https://www.youtube.com/watch?v=D27yVTsFNxU

Construindo Arnaldo Tifu: conheça as 20 músicas que mais influenciaram o seu som

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Quando uma banda se forma, as influências de cada um dos integrantes são inúmeras e variadíssimas. Essa mistura de músicas, artistas, discos e sons entra em um imenso caldeirão musical e traz algo totalmente novo e cheio de identidade. É nessa construção de identidade que a coluna Construindo vai focar: aqui, traremos 20 músicas que foram essenciais para que uma banda ou artista criasse seu som, falando um pouquinho sobre elas. Hoje temos o rapper Arnaldo Tifu, que indica suas 20 canções indispensáveis. Não deixe de seguir o perfil do Crush em Hi-Fi no Spotify e ouvir a playlist desta semana, disponível no final do post!

Pepeu“Nome de Meninas”
Foi um dos primeiros rap que escutei na vida, e pelo fato das rimas serem genuínas é simples incentivou a brincar de fazer rima e estimulou, uma grande referência.

Racionais MCs“Fim de Semana no Parque”
Esse som veio como as vozes das periferias, narrando características fortes do cotidiano. Quando eu escutava essa música e olhava pro bairro, eu via tudo que a música falava: a descrição, a base e a poesia forte, representatividade.

Consciência Humana“Tá na Hora”
Esse rap me ensinou que eu poderia falar do meu bairro, foi uma referência que incentivou fazer rap também, me influenciou a escrever meus primeiros versos.

MC Cidinho e Doca – “Rap da Felicidade”
Esse funk, além da batida miami bass que parece um sampler do Afrika Bambaata da música “Planet Rock”, tem a voz forte que clamava por paz nas favelas. Na época em que foi lançado a linguagem simples e batida dançante contagiou a juventude das favelas do Brasil, e pra nós não poderia ser diferente.

Kool Moe Dee“Go See the Doctor”
Lembro das festinhas de garagem, da casa de máquina do Dudu tocando os flashback e os flash raps que bombavam… O Dudu me deixava limpar os discos em troca de uma ficha e uma Tubaína e ficava me falando como eram os bailes do Clube House e ensinando como eles dançavam em passinhos.

Tim Maia“Ela Partiu”
Música que me ensinou o que era o sampler, por que a primeira vez que ouvi os arranjos desse som foi na música “Homem na Estrada” dos Racionais. Depois que eu escutei Tim Maia entendi como podia se fazer rap através do sample e a importância que o rap tem em resgatar músicas através da arte de samplear.

Raul Seixas“Maluco Beleza”
Meu pai curtia bastante as músicas do Raul, ele tinha várias fitas K7 e sempre colocava essa música em alto e bom som pra gente escutar e cantar, e depois usei as fitinhas tudo pra gravar rap (risos).

Fundo de Quintal“Amor dos Deuses”
Vim do berço do samba e essa música a gente já tocava desde pivetinho nas rodas de samba com meus primos e lideradas pelo meu tio avô, o Tio Cido, que já fazia a gente empunhar um balde, um prato ou uma frigideira pá tocar um samba. Já naquela época a gente ficava encantado com a poesia desse samba.

Facção Central“Artista ou Não?”
Rap de mensagem forte me ensinou desde a primeira vez que eu escutei a identificar o rap como arte.

Rage Against the Machine“Killing In The Name”
Vixi! Essa música marcou meus circuitos de skate, quando tava na febre e ia correr os campeonatinho, já pedia pro DJ tocar essa. Já até me aventurei em cantar numa banda cover do Rage e Beastie Boys (risos).

Planet Hemp“Mantenha o Respeito”
Teve uma época que o hardcore ficou bem forte na minha vida, principalmente com o surgimento de bandas nacionais com a pegada do rap e do rock. O Planet foi muito significante nesta época, foi a época que comecei a ficar mais cabeção no skate e sair mais do bairro pra curtir com outras quebradas e dialogar com diferentes tribos.

Fugees“Killing Me Softly”
A voz feminina do rap/R&B forte e representativa demais, marcou minha vida apaixonado em escutar as música dessa mulher.

Wu Tang Clan“Triumph”
Abriu minha mente pra prestar atenção nos diversos modos de se versar num rap, cada um rimando nessa banca com suas peculiaridades e o boom que foi quando surgiu o Wu Tang, nós curtimos muito.

Criolo“Ainda Há Tempo”
Ainda quando o Criolo era doido, vi um show dele e quando ele cantou essa música ele se emocionou e comoveu o público que estava presente no evento, cerca de umas 70 pessoas. Mas o sentimento e a verdade versados nessa música foi impactante, foi um hino pra minha vida.

Cassiano“Onda”
Música que hipnotiza, mais instrumental e realmente parece que a música é o oceano em movimento, uma das música que me trazem paz.

Herbie Hancock“Chameleon”
Original funk, este groove me inspirou a criar vários versos, levadas e flows, pra mim uma aula. É inspiração e toda vez que escuto fico com vontade de criar.

Arnaldo Tifu“Simplicidade”
Essa música minha é uma obra pela qual eu tenho muito carinho, acho que eu consegui transmitir a simplicidade que vivo no meu cotidiano e que eu almejo para as pessoas do mundo.

Thaíde e DJ Hum“Afro Brasileiro”
Tá aí uma música que me ensinou sobre a minha descendência, orgulho, alto estima e luta.

John Coltrane“Blue Train”
Essa música é sensacional, tipo um teletransporte. Me inspirou a criar alguns personagens, uma nova maneira de explorar a música e introduzir isto no meu universo criativo.

Emicida“Triunfo”
Esse som foi as vozes das ruas da minha geração no rap. Quando Emicida lançou e estourou com este som, me mostrou a possibilidade de fazer a parada acontecer de verdade, pela vitória e pelo triunfo. E como vivíamos todos bem próximos nas rodas de rima de freestyle, esse som foi um hino pra nós. Emicida provou que é possível. E essa música marcou!

Uma viagem ao desconhecido: Barba Ruiva lança disco homônimo com influências de jazz e rock alternativo

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foto: Tai Fonseca

A banda carioca Barba Ruiva lançou recentemente seu primeiro álbum homônimo, que faz um panorama do trabalho em progresso desde sua formação, em 2005, até hoje. O trio Rafael Figueira (lead vocal e guitarra), Leonardo de Castro (baixo e voz) e Aline Vivas (bateria e voz) selecionou algumas canções que criaram desde o começo e que ainda dialogam com o atual momento do grupo, fazendo a gravação em duas etapas.

Primeiro, no Estúdio Superfuzz, em 2013, com Lisciel Franco, eles registraram bateria, vozes e algumas guitarras. Posteriormente, em 2017, com o produtor musical Maurício Negão (Marcelo D2, Frejat) e produtor executivo Dudu Oliveira, que colaboraram na regravação, remixagem e masterização das faixas, e junto do técnico de som Pedro Montano, do Estúdio Kultrix, onde foram gravados o baixo e as demais guitarras. O resultado é um disco diversificado e cheio de personalidade, com influências notáveis de rock alternativo, o popular rock oitentista, com uma pitada de jazz e blues, estilos que a banda adora. Conversei com o trio sobre o primeiro trabalho, a história da banda e suas influências:

– Vocês acabaram de lançar um disco. Podem me contar um pouco mais sobre ele?

Aline: As músicas foram criadas a partir de poesias do Rafael. As composições também são dele. Somente uma música foi em parceria comigo, “Praia”. Gravamos a bateria e vozes no estúdio Superfuzz, com Lisciel Franco e Elton Bozza, depois gravamos baixo e guitarras no estúdio Kultrix, sob a produção musical de Maurício Negão. A mixagem e masterização foram de Pedro Montano.

Leon: As composições são do Rafael e os arranjos e desenvolvimento foi um processo coletivo. Esse álbum é uma compilação de músicas que tocamos desde 2005. Isso faz com que tenhamos um vasto repertório gritando pra ser gravado já!

Aline: A gente compôs muitas músicas nesses anos de banda. Acabamos selecionando essas canções de uma forma bem orgânica. Eu acho que elas são bem diferentes entre si, mas de certa forma têm conexão e afinidade. Ah, tivemos também a produção executiva do Dudu Oliveira, na segunda etapa da gravação do álbum e assessorando nossa divulgação.

– E como vocês descreveriam esse disco pra quem ainda não ouviu?

Aline: Uma viagem pra dentro de si. Difícil essa pergunta! (risos) Eu colocaria para ouvir no carro… Talvez durante uma viagem. Tem momentos bem humorados e outros de introspecção.

– Quais as maiores influências musicais da banda?

Aline: É legal perceber algumas influências de estilos diferentes que se misturam ao rock
nas músicas do álbum. Elas têm uma influência do jazz, blues, samba, rock psicodélico, entre outras.

Leon: Influências bem diversas: eu, por exemplo, me alimento muito mais da MPB raiz, do blues e jazz, do que do rock em si.

Aline: Podemos citar aqui alguns artistas bandas e estilos. Bob Dylan, Nirvana, Doors

Rafael: Sim, minhas influências são bem próximas às da banda, pois também tem o fato de sermos uma “familia”, bebermos nas mesmas fontes.

Aline: Miles Davis!

Leon: Tenho ouvido muita coisa meio rural… Xangai, Marlui Miranda, coisa de índio, João Bosco (risos).

Aline: John Coltrane, Milton Nascimento, Smiths

Leon: Mas eu bebi MUITO da fonte do jazz instrumental.

Aline: Janis Joplin, Nina Simone

Tai Fonseca

– De onde surgiu o nome Barba Ruiva?

Leon: Estávamos procurando um nome quando descobrimos que a BARBA do meu irmão (Rafael) e a minha era RUIVA. Foi uma surpresa. Tava começando a ter barba.

Aline: Quando resolvemos montar uma banda, há muito muito tempo (risos), fizemos uma longa viagem citando nomes possíveis.  Quando eles falaram barba ruiva, acabou a conversa! (risos) Não conseguimos pensar em mais nada! Encaixou como uma luva. Foi amor à primeira ouvida. Tem uma imagem de pirata nesse nome que a gente curte muito. Tem a ver com essa jornada que estamos fazendo na vida rumo ao desconhecido. E também a um certo aspecto bruto que tem a ver com nosso som.

– Então a banda começou faz tempo. Como foi esse começo?

Aline: Nós dividimos uma casa nos Estados Unidos, há muitos anos. Lá mesmo, eu e Rafael estávamos imaginando como seria legal criar uma banda de rock no Brasil. Num impulso, voltamos para o Brasil pra correr atrás de realizar esse sonho. Naquele momento, não podíamos imaginar como seria difícil! (risos) Doideira.

– Me contem um pouco mais sobre o que vocês já lançaram antes do primeiro disco.

Leon: Já havíamos gravado algumas demos que ajudaram a gente a amadurecer musicalmente e em todo o processo de gravação, composição e atitudes de uma banda perante o mercado/cenário musical.

– Então vocês estudaram bastante o cenário independente antes de se jogar de cabeça.

Leon: Não. A gente viveu o cenário independente, um bom tempo, antes de perceber algumas coisas que são necessárias pra de profissionalizar.

Aline: Foi uma imersão mesmo. Estamos vivendo toda a luta de ser uma banda independente.

– E como vocês veem essa cena hoje em dia?

Leon: No Rio de Janeiro rola uma escassez de espaços pra tocar. Falta remuneração. Falta reconhecimento da música autoral como fonte de entretenimento. Por outro lado, vejo bandas e artistas movimentando os próprios eventos, formando coletivos e alguns até conseguindo se bancar com isso, dando mil piruetas. Tocando na rua, dando aulas… Além do mais, estamos vivendo um período de dificuldades, com o prefeito e Governo vetando a cultura.

– Porque vocês acham que isso tem acontecido e como pode melhorar?

Leon: Acredito na profissionalização do trabalho. Acredito que possamos ser valorizados como arte e entretenimento. Mas tenho certeza que isso não pode ser concentrado no Rio de Janeiro somente. Tem que haver um planejamento legal de circulação. Acredito que no mundo inteiro tem gente que se interessaria pelo nosso trabalho. Temos que chegar neles.

– Vocês já estão em turnê do novo disco? O que o público pode esperar de uma apresentação do Barba Ruiva?

Leon: Estamos preparando um novo show e começando a planejar a turnê. O novo show será surpresa, mas certamente esperamos causar emoções, sensações de prazer e reflexão. Nosso show costuma ser bem visceral em termos de interpretação, e até hipnótico em certos pontos. Estamos desenvolvendo essa questão do show, pra tentar seduzir o público e tentar atingir não somente os ouvidos. Assim como eu espero ser arrebatado quando vou a algum espetáculo.

Rafael: Ainda não estamos em turnê. Podem esperar cada dia um novo show, com bastante espontaneidade e muito suor, sempre há muita entrega da banda nos shows. Procuramos não deixar um show muito “fechado” , sempre com possibilidade do inusitado e do imponderável.

– Recomendem bandas e artistas independentes que chamaram sua atenção nos últimos tempos!

Rafael: Apanhador Só, Astrovenga, Facção Caipira, Wagner José.

Leon: Amplexos, Duda Brack.

Aline: Whipallas, Sound Bullet, Taranta, Gabriel Gerszti, Negro Leo, Chico Chico, Ventre, Tacy de Campos

A importância do sampling: como ele nasceu e os processos envolvendo Kraftwerk

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Como vimos semana passada, o ato de samplear uma música sempre existiu, apesar de só ter recebido este nome lá pela década de 80, quando o processo explodiu de forma tão maluca com a popularização do hip-hop e outros ritmos que “pegavam emprestado” loops de bateria, ou guitarra, ou voz, ou qualquer coisa proveniente de alguma música lançada há alguns anos, para se criar uma nova música.

Em 2010, Adam “Ad-Rock” Horovitz, dos Beastie Boys, deu uma entrevista à Propellerhead onde ele conta como que ele criou seu processo de sampling. “Pause tapes é basicamente quando você possui aqueles rádios com dois toca-fitas, e aquilo era o equipamento mais avançado que você tinha, ao menos era o que eu tinha, que eu podia comprar. Você basicamente fazia loops com a batida tocando do lado esquerdo, o lado que tocava, e gravando no lado direito, o lado que gravava. Você precisava apertar o botão de pausa exatamente no momento que a batida começava e apertava pausa de novo quando a batida terminava, exatamente antes da música começar. Então você voltava a fita esquerda e fazia de novo, repetidamente, e você tinha pequenos loops rolando na fita cassete. É um negócio de homem das cavernas.”

Dentre as histórias engraçadas, há uma de quando ele chegou na casa de outro beastie boy, Adam “MCA” Yauch, e viu uma fita literalmente rodando pela sala, usando pedestais de microfone como suporte, para que essa fita ficasse esticada, numa posição que fosse possível ser tocada infinitamente, com um loop da batida inicial de “When The Levee Breaks”, do Led Zeppelin. “Quem sabia? Quem sabia que você podia fazer aquilo? Eu não sabia!” Segundo Ad-Rock, Yauch ainda exemplificou: “Jimi Hendrix fazia isso! Sly Stone fazia isso!” Até que ele encontra dois grandes problemas: direitos autorais e processos legais.

Adam acredita que o Beastie Boys foi a primeira banda a sofrer um processo judical por sampling. Jimmy Castor Bunch foi um dos artistas que entrou com processo contra ele. Jimmy e outros artistas queriam receber parte dos lucros das músicas. Assim sendo, os Beastie Boys descobriram que, pagando, você pode samplear o que quiser.

Voltando um pouquinho no tempo, em 1977 o Kraftwerk seguia um caminho com um petardo atrás do outro ao lançar “Trans-Europe Express”. O quarteto alemão vinha ganhando um destaque mundial, chegando a ter a música “The Hall of Mirrors” no comercial dos calçados Starsax, tanto nos EUA, quanto no Brasil. No ano seguinte lançavam “The Man Machine” e, em 1982, “Computer Love”, que permaneciam com a mesma criatividade iniciada em “Autobahn”, de 1974.

Em 1982, Afrika BambaataaArthur Baker recriaram trechos das faixas “Trans-Europe Express” e “Numbers”, ambas dos alemães, para compor seu maior hit até os dias de hoje: “Planet Rock”. Esta faixa se tornou pioneira por juntar o hip-hop à música eletrônica, rompendo barreiras entre estilos que não conversavam. Pouco tempo depois era acionado um processo contra a dupla, por não dar créditos e nem dinheiro, ao Kraftwerk.

Maxime Schmitt, da gravadora EMI, e Karl Bartos, do Kraftwerk, comentam sobre o episódio no livro Creative License: The Law and Culture of Digital Sampling, dos autores Kembrew McLeod e Peter DiCola. “Ele [Bambaataa] sabia muito bem o que estava fazendo” diz Schmitt, “ele não colocou os nomes dos autores e não declarou nada”. Bartos adiciona: “era perfeitamente a melodia de ‘Trans-Europe Express’ e a batida de ‘Numbers’. A gente se sentiu muito irritado com isso. Se você lê um livro e copia algo dele, você faz como um cientista, você tem que citar de onde tirou aquilo, qual era a fonte.”

O caso se arrastou por anos, com a vitória dos alemães. Porém, este foi só um dos processos que o Kraftwerk moveu contra outros artistas. A decisão mais recente aconteceu em 2016 onde, desta vez, eles perderam. Este processo se arrastou durante 19 anos e foi contra o produtor de hip-hop Moses Pelham, pelo uso de um sample em “Nur Mir”, single da rapper Sabrina Setlur, lançado em 1997. A corte entendeu que “a liberdade artística se sobrepõe ao interesse dos donos do direito autoral” e que “samplear é um aspecto essencial para a expressão artística de músicos de hip hop”.

Pra não falar só de processos envolvendo samples, Ralf Hütter, co-fundador do Kraftwerk, recentemente entrou com um processo judicial contra uma campanha no Kickstarter de um carregador de baterias que promete ser uma “usina de energia”. “Usina de energia”, em alemão, é “Kraftwerk”. A palavra, que consta no dicionário, é registrada e pertence ao grupo de música eletrônica. A campanha se encontra atualmente suspensa devido ao processo judicial, mesmo após ter arrecadado mais de U$ 1,5 milhão.

5 Pérolas Musicais escolhidas a dedo por Dani Buarque, do BBGG

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Dani Buarque BBGG

Todo mundo tem seus gostos, preferências e, é claro, seus garimpos no mundo da música. Com certeza tem alguma banda ou artista que só você conhece e faz de tudo para espalhar o som entre seus amigos e conhecidos. “Todo mundo precisa conhecer isso, é genial!” Se você é aficionado por música, provavelmente tem uma pequena coleção pessoal de singles e discos que não fizeram sucesso e a mídia não descobriu (ou ainda vai descobrir, quem sabe) que gostaria que todo o planeta estivesse cantando.

Pois bem: já que temos tantos amantes da música querendo recomendar, o Crush em Hi-Fi resolveu abrir esse espaço. Na coluna “5 Pérolas Musicais”, artistas, músicos, blogueiros, jornalistas, DJs, VJs e todos que têm um coração batendo no ritmo da música recomendarão 5 músicas que todo o planeta PRECISA conhecer. Hoje, a convidada é Dani Buarque, guitarrista e vocalista da banda BBGG.

Reignwolf“Are You Satisfied”
Eu falo pra todo mundo OUÇAM ESSE CARA PELOAMORDEDEUS. Comece vendo esse vídeo.  Não preciso dizer mais nada se você for no youtube e dar play agora. DE NADA.

Mugison“I Want You”
Mugison é um cara da Islândia. Tanto ele quanto o Noisettes eu descobri lá em 2005, 2006 com o melhor algoritmo já inventado (LastFM). Ele tem uns sons bem doidos. Eu curto muito mostrar ele para as pessoas a partir dessa que é a mais “pop”. A voz dele é maravilhosa e os arranjos incríveis. Vale ouvir essa e se gostar dar uma navegada nos álbuns dele.

Noisettes “IWE”
Essa banda muita gente conhece mas acho que a maioria conhece a partir do album que pra mim já não é mais massa. Eles tem um álbum INCRÍVEL do começo ao final que se chama “What’s The Time Mr Wolf”. É difícil escolher a melhor musica do album mas essa toca fundo. A vocalista dessa banda alem de tocar e cantar muito tem uma coisa que acho o maior diferencial: interpretação. Nesse som é o que mais se destaca. Quando eu ouço essa música eu ouço pelo menos umas 3x.

Peach King“Mojo Thunder”
Essa banda conheci muito por acaso. Alguém escreveu pra página da BBGG que deveríamos fazer um som cover dessa banda (????) (risos) Super aleatório. A gente nem curte tocar cover mas acho que a Gringa (toca comigo na BBGG) ouviu e falou que era massa. Dei uma chance e amei. Eu gosto também porque lembro dela, a gente sempre ficava bêbada cantarolando ela por aí ❤.

Rizzle Kicks“Wind Up”
Saindo um pouco do rock: o álbum “Roaring 20s” pra mim é um dos melhores álbuns que ouvi em 2013. É um rap/funk com metais, sei lá definir. Eu amo e no meu Spotify e é a segunda banda que mais ouvi depois de Faith no More (risos) de tanto que ouvi esse álbum. Tentei ouvir outros sons deles mas não curti. Mas enfim essa música é uma das melhores do álbum bem dançante e animado.

Bonus Track:

Faltou o Har Mar Superstar. Não sei se ninguém conhece mesmo mas sempre que ponho em festas as pessoas dizem nunca ter ouvido falar. “Lady You Shot Me” é um musicão. Ouça os 5 primeiros segundos dela e se apaixone. É aquele tipo de música que te dá um mix de sensações tem parte pop, parte com metais, parte triste. Ele também só tem um álbum que eu acho foda que é o “Bye Bye 17”.

“La Haine (O Ódio)” (1995): Bob Marley e hip hop nos conflitos entre a polícia e a população em Paris

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La Haine (O Ódio)
Lançamento: 1995
Direção e Roteiro: Mathieu Kassowitz
Elenco Principal: Vincent Cassel, Hubert Koundé e Saïd Taghmaoui

Paris, a cidade luz, a capital do glamour, dos vinhos chiques e de mais uma porrada de coisa, é também, fora do centro e da torre Eifel, uma cidade violenta, onde o “conflito” entre a polícia e a população imigrante pobre manda na ordem dos dias. No filme de Mathieu Kassovitz (que havia de fato, perdido um amigo que morreu sob custódia da polícia), os amigos Vinz (Vincent Cassel), Hubert (Hubert Koundé) e Saïd (Saïd Taghmaoui), depois da noite dum protesto violento contra a ação policial na região que tinha matado um garoto, se encontram, fumam um beck, trocam uma ideia falando sobre a noite passada e inventando história pra contar vantagem, tretam, contam piadas, vão pro centro da cidade encontrar um cara que tava devendo uma grana pro Saïd, perdem o metrô pra voltar, ficam rondando Paris de madrugada e mais uma série de coisas, sempre botando a relação entre ele e suas reflexões de gente chapada, em contradição com uma realidade brutal que é o jogo de classes, na França e em todo o mundo.

Beeem chapados..

Inteiro em PB, o longa de 1995 que conta com dois cenários (o conjunto habitacional na periferia da cidade e o centro de Paris) e também com uma trilha muito loka. A cultura do hip hop que na época bombava no mundo bombava também em Paris, com representantes como os rappers Cut Killer e Passi e a banda Assassin, e no filme isso não fica escondido. A cena provavelmente mais massa é quando tá toda uma galera numa praça e um DJ do bairro em um prédio bota umas caixas de som na janela e faz um som misturando o rap “Assassin de La Police” com “Non Rien De Rien” da Edith Piaf.

O DJ que aparece no vídeo é o próprio Cut Killer, autor do som “Assassin de La Police“.

Além dos raps franceses, o filme também conta com um “Burnin’ and Lootin’” do The Wailers, um “Say It” do Jonh Coltrane, a dançante “More Bounce to The Ounce” do Zapp, “That Loving Feeling” do Isaac Hayes e mais uma porrada de coisas entre jazes, reggaes, raps e etc.

Trailer:

13 músicas para refutar quem diz que Ramones faz tudo sempre igual

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Ramones

Se você tem amigos que não gostam de Ramones, já deve ter ouvido aquele argumento de que “as músicas deles são todas iguais”. Lógico que a pessoa tem todo o direito de não gostar do quarteto novaiorquino, mas se ele resolver usar essa desculpinha furada para te ofender de alguma forma, sem problemas: Use esta lista de 13 músicas para provar que sim, os Ramones depois de seus três primeiros discos foram muito mais criativos e diversificados do que se pinta por aí. Vamos lá:

“Needles and Pins”, do disco “Road To Ruin”, de 1978
Tá, essa é uma cover de uma música do The Searchers de 1963, mas pra quem diz que Ramones só faz música igual, é um tapa na cara. Uma baladinha sessentista com cara de The Ronettes pra ninguém botar defeito e Joey fazendo sua melhor imitação de crooner romântico.

“Poison Heart”, do disco “Mondo Bizarro”, de 1992
É incrível que as pessoas falem que Ramones é tudo igual quando essa música escrita pelo Dee Dee foi um hit tão estrondoso nos anos 90. Aliás, é uma das melhores músicas da banda, na minha opinião, com letra, instrumental e execução sensacionais. Linda demais.

“Pet Sematary”, do disco “Brain Drain”, de 1989
Mesmo um dos maiores hits da banda, trilha do filme “Cemitério Maldito”, é BEM diferente de “Blitzkrieg Bop” e afins. Os tecladinhos e tudo…

“Chop Suey”, do disco “Pleasant Dreams”, de 1981
Essa aqui é um bubblegum divertidíssimo que lembra algumas coisas das Go-Go’s e tem aquela pegada de festinha sessentista na praia. Olha esses backings, gente.

“Danny Says”, do disco “End Of The Century”, de 1980
Mais uma que é bem diferente do que se espera dos quatro caras de jaqueta. Uma balada singela com Joey tentando usar sua voz de forma sutil e fofinha. A produção do Phil Spector deve ter a ver com o resultado.

“No Go”, do disco “Too Tough To Die”, de 1984
Dançante e calcado no rock dos anos 50, foge bastante do que se ouve normalmente quando se fala em Ramones.

– “I Won’t Let It Happen”, do disco “Mondo Bizarro”, de 1992
Tá, é mais uma balada, mas essa com mais cara de algo que o Bruce Springsteen faria em seus discos. Aliás, uma cover dessa feita pelo Boss seria incrível, hein…

“We Want The Airwaves”, do disco “Pleasant Dreams”, de 1981
Outro hit, dessa vez com riff de guitarra do Johnny e uma baita cara de rock oitentista.

“Do You Remember Rock’n’Roll Radio”, do disco “End Of The Century”, de 1980
A homenagem do quarteto ao rock dos anos 50 e 60 tem metais, tem muita inspiração do rock praiano sessentista e é uma delícia de ouvir. Sim, também tem muito do dedo do Phil Spector.

“Little Bit O’ Soul”, do disco “Subterranean Jungle”, de 1983
Essa aqui é uma das mais diferente de todas. Sério, se não fosse o vocal do Joey Ramone, eu nunca diria que essa é uma música dos Ramones.

“Strength To Endure”, do disco “Mondo Bizarro”, de 1992
Essa aqui tem vocal do CJ Ramone e é um punk noventista que poderia muito bem estar no disco de qualquer banda de punk noventista que sabe o que faz. Bem distante do punk que os Ramones faziam no começo e todo mundo fala que eles fizeram por toda a carreira…

“Go Lil’ Camaro Go”, do disco “Halfway To Sanity”, de 1987
Ramones com voz da Debbie Harry dando aquela força. E com “papa-oom-mow-mow”. Quem precisa de Camaro Amarelo quando existe essa?

“It’s Not My Place (In a 9 to 5 World)”, do disco “Pleasant Dreams”, de 1981
Igualzinha à “Blitzkrieg Bop”, né? Não, nem um pouco. Pronto, tá aí sua lista. Se alguém falar que Ramones é tudo igual, mostra isso. São 13 argumentos lindos que dão uma bela playlist, inclusive.